Alva Noto
«Xerrox Vol.1 »
CD/2LP Raster Noton, € 16,50/€ 18,50

"Xerrox" é o novo projecto de Alva Noto, que, tal como a sua série "Transall" ("Transrapid", "Transvision" e "Transspray") pretende ser lançada em cinco partes durante os próximos anos.
Em "Xerrox", Alva Noto trabalha com excertos de 'muzak', música de anúncios comerciais, bandas sonoras e programas de entretenimento. Estes sons que escutamos diariamente, e por isso que estão sempre presentes, são melodias que nem sequer temos consciência delas, mas que muitas vezes ficam gravadas no nosso subconsciente. Neste álbum Noto manipula essas estruturas melódicas tão familiares e comuns, transformando-as de modo a que se tornem irreconhecíveis, mantendo o produto final uma ligação muito ténue com a sua origem.
Estas foram algumas das fontes para o trabalho de Noto: o aeroporto de Narita, em Tóquio, o programa de um vôo da Air France, um loop telefónico da Lufthansa, outro do Hotel Apollo em Paris, e muito muito mais.
Ao transformar completamente estes sons, Noto conseguiu criar melodias experimentais que julgamos fabricadas pelos seus instrumentos electrónicos, e ainda que tal seja a realidade, é curioso que por vezes identificamos, ainda que muito dificilmente, a sua fonte.
(29-06-2007)

1. 10-22-38 Astoria
2. Haliod Xerrox Copy 4
3. 03-10-06 Astoria
4. Haliod Xerrox Copy 3 (Paris)
5. 03-10-06 Astoria 2
6. Haliod Xerrox Copy 2 (AirFrance)
7. Haliod Xerrox Copy 6
8. 05-10-06 Astoria
9. Haliod Xerrox Copy 11
10. Haliod Xerrox Copy 1
11. 02-10-06 Astoria 1
12. Haliod Xerrox Copy 111
13. 09-10-19 Astoria
14. Haliod Xerrox Copy 9

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Alva Noto
«Transrapid»
«Transvision»
«Transspray»
CDEP's Raster-Noton, €13,50 cada

"Transform" deu o mote em 2001 à série de EPs de 21 minutos cada agora completada e que conta com o título genérico de "Transall". Com ela, Alva Noto pega em três temáticas que lhe são caras (colocadas em letra de imprensa nos booklets por, respectivamente, Ulf Poschardt, Kodwo Eshun e Marco Peljhan): as problemáticas da velocidade, as visões contemporâneas da utopia e a fragmentação das ideias. Em todos os três volumes o procedimento é semelhante: Carsten Nicolai, alemão residente em Berlim, "transladou" para o domínio sonoro uma série de textos, imagens e gráficos de vectores tomados como "base de dados", e isto para demonstrar que a velocidade dos fluxos de dados na presente era cibernética define por si só a velocidade com que vivemos nas sociedades contemporâneas: com uma estonteante rapidez. Estes sons que antes foram outra coisa são trabalhados, sobretudo, de forma rítmica e segundo os mesmos padrões "funky" que definem muita da techno ouvida nas pistas de dança, mas nem por sombras se trata de techno ou de funk e sim da sua estilização num conceito que é mais de "design" sonoro do que propriamente de música, se considerarmos esta de forma convencional. Pelo meio, Nicolai "brinca" com as mais baixas frequências e acrescenta ruído cor-de-rosa e ruído branco, com um rigor clínico por vezes assombroso de tão impessoal.
(01-04-2005)

«Transrapid»:
1. Funkbugfx
2. Pulse (Xs version)
3. Future
4. Highmatrix

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«Transvision»:
1. Remodel
2. J
3. Postfabric
4. 10

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«Transspray»:
1. Fuel For Black Quartz
2. R/Re/Repeat (& I Sound)
3. Bit
4. Birr
5. Obi One (edit Xs version)
6. F117.tiff
7. Audioshape
8. Spray

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Alva Noto + Ryuichi Sakamoto
«Insen Live»
DVD Raster Noton, € 24,95

Na arte colaboracional a que chamamos música, é por vezes dos encontros mais improváveis que nascem as melhores criações. É o que tem acontecido com a colaboração entre Carsten Nicolai, aka Alva Noto, uma das figuras cimeiras da electrónica experimental fundamentada sobre a rítmica do hip-hop e do funk, e Ryuichi Sakamoto, pianista e compositor que no seu já longo percurso se tem distinguido pela forma como invoca as mais diversas linguagens e gramáticas, num composto que vai do impressionismo “clássico” pianístico à pop, passando pelas músicas do mundo. O DVD “Insen Live” mostra-os a ambos em duas situações ao vivo ocorridas no passado mês de Junho, uma em Portugal (Porto, Casa da Música), a outra em Barcelona (Sonar Festival). São interpretados temas surgidos em 2005 no álbum “Insen” e mais um par de inéditos, um deles com título português, “Barco”, e seguindo o mesmo princípio geral: o processamento em tempo real por computador dos sinais emitidos pelo piano, não tanto para prolongar o alcance deste mas para, simultaneamente, lhe tecer envolvências e o interpelar. Documentados para a posteridade, estes dois momentos de uma digressão muito falada ao longo de 2006 são também a oportunidade de verificarmos como os vídeos de Nicolai interagem com os sons de Sakamoto, traduzindo estes de forma gráfica. A ideia remonta às aspirações sinestésicas surgidas na passagem do século XIX para o XX, mas encontra na tecnologia digital novos meios de resolução, com o apelativo de que se vê o que se ouve e de que se ouve o que se vê. O único senão é o facto de nunca os ouvidos enganarem os olhos e a visão jamais armadilhar a função auditiva, o que seria igualmente interessante. O certo é que os propósitos conjugados não passam por aí, mas sim por uma estratégia que consiste em maximizar os efeitos perceptivos de um trabalho feito ao nível da nuance e do pormenor, minimalista e especialmente delicado, implicando o activo envolvimento de quem ouve e vê, sob o risco de se perder alguma coisa de fundamental.
(29-12-2006)

1. Intro
2. Berlin
3. Noon
4. Uoon
5. Morning + Iano
6. Barco
7. Nor
8. Trioon
9. Xerox
10. Siisx + Mur - Encore
11. Ax. Mr. L. - Encore
12. Trioon - Second Angle
13. Morning + Iano - Second Angle
14. Uoon - Second Angle
Extra: Conversation

Alva Noto + Ryuichi Sakamoto
«Revep»
CDEP Raster-Noton, €12,95

1. Siisx
2. Mur
3. Ax Mr. L.

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Alva Noto + Ryuichi Sakamoto
«Insen»
CD Raster-Noton, €16,50

"Insen" é o segundo tomo da colaboração de Alva Noto (Carsten Nicolai) com o pianista e compositor Ryuichi Sakamoto iniciada com "Vrioon". Não se trata, porém, de mais do mesmo: o novo álbum tem um carácter meditativo e desta vez Nicolai trabalha directamente os sons do piano, em vez de simplesmente lhes contrapor as suas sinusoidais. O trabalho que realiza é, aliás, o de um cirurgião: vai ao núcleo dos acordes de Sakamoto, manipula-os, cria "loops" de efeito rítmico, muito semelhantes aos que têm distinguido a frente "glitch" da música digital em que o encontramos juntamente com Autechre e Ryoji Ikeda, ou elabora contrapontos melódicos e envólucros harmónicos, isto preservando sempre o trabalho pianístico do japonês. E se com o anterior disco, esta parceria com o ex-Yellow Magic Orchestra que já ouvimos com David Sylvian e em contexto de bossa nova causou alguma estranheza, agora tudo acontece com uma remarcável naturalidade. Não se pense, no entanto, que tal naturalidade os aproxima das obras contemporâneas "clássicas" de piano e electroacústica de um Stockhausen ou da incursão neste tipo de conjugação por parte de Richard D James, aka Aphex Twin, em "Druqs", um disco claramente inspirado em Erik Satie: o que aqui temos é experimentalismo "lounge" e ambientalismo ultra-minimal.
(01-04-2005)

1. Aurora
2. Morning
3. Logic Moon
4. Moon
5. Berlin
6. Iano
7. Avaol

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Alva Noto + Ryuichi Sakamoto
«Vrioon»
CD Raster-Noton, €16,50

1. Uoon I
2. Uoon II
3. Duoon
4. Noon
5. Trioon I 
6. Trioon II

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Alvars Orkester
«Interference»
CD Touch, € 15,95

Toda a excepção ao imperialismo digital que vigora é à partida bem recebida, e mais ainda quando atinge o nível de qualidade deste “Interference”. O curioso, no entanto, é verificar-se que, havendo uma identificação da música por computador com a produção de “drones”, é também por aí que segue o grupo de Jan Svensson (aqui distante das suas dedicações na acid house) e Joachim Nordwall (ex-Kid Commando). A diferença é que estes “drones” são bem mais sujos do que os numéricos, inclusive sabendo do fascínio de alguma informática musical pelo bruitismo. A verdade é que até o noise do Merzbow destes últimos anos não deixa de ser laboratorial e asséptico. As peças concebidas e montadas pela Alvars Orkester têm cotão, não surpreendendo que as suas maiores referências sejam Test Department, Throbbing Gristle, SPK e Z’ev, nomes cimeiros do industrialismo e do que lhe andou à volta, ou que prefiram o psicadelismo rock ao ambientalismo de Eno, ou ainda que entendam a edificação de paisagens sonoras com a perspectiva do noise “hardcore” – pode ser algures um pôr-do-Sol em África o que tocam, mas não se trata de um postal de turismo e sim de um esquisso feito à mão por um doente mental. De resto, desde a fundação deste colectivo na Suécia em 1987 que o mesmo tem procurado traduzir em som o fascínio dos seus elementos pelas psicopatologias, as deficiências mentais e os estados alterados de consciência, sejam estes naturais (privação do sono, por exemplo) ou induzidos quimicamente. No caso de Svensson trata-se até mais do que um interesse intelectual – foi-lhe diagnosticada uma esquizofrenia paranóide.
(27-10-2006)

1. Johannishus
2. Cobra Mist
3. Reality Distortion Field
4. Field Grey

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AMM/Musica Elettronica Viva
«Apogee»
2CD Matchless, €27,50

Qualquer recapitulação das práticas mais radicais da improvisação desde a década de 1960 não pode esquecer os "casos" AMM e Musica Elettronica Viva. A associação de ambos os projectos não é de agora: já em 1968 foi editado um LP em que os dois revolucionários colectivos figuram em cada um dos lados. Entretanto, os AMM sofreram várias alterações a nível da sua formação, a mais notável das quais devida à morte de Cornelius Cardew, dos seus fundadores só restando hoje Eddie Prévost (Keith Rowe bateu com a porta), e os MEV só muito episodicamente se reagrupam, tendo os seus elementos principais, Alvin Curran, Frederic Rzewski e Richard Teitelbaum, desenvolvido carreiras a solo. Os seus caminhos só recentemente voltaram a encontrar-se, graças à participação destes grupos na edição de 2004 do festival Freedom of the City, de Londres. "Apogee" inclui gravações desses concertos no segundo CD, estando o primeiro ocupado por uma estreia absoluta: AMM e MEV a tocarem em sexteto, num registo de estúdio cuja importância histórica é desnecessário explicar. E se AMM (aqui ainda em trio com Prévost, Rowe e o pianista feldmaniano John Tilbury) e Musica Electtronica Viva são bastas vezes mencionados na mesma frase, fica nesta edição claro que as suas visões da música são bem distintas, ainda que capazes de diálogo (a maior vantagem da prática improvisacional, aliás). Os AMM são abstractos, pontilhísticos, fragmentários e minimalistas, enquanto os MEV não resistem a introduzir elementos figurativos nas suas construções e têm uma dimensão mais "orquestral" e cromática, por exemplo com o judaico sho far, uma espécie de trompete, tocado por Alvin Curran. Juntos, conseguem conciliar a microscopia sonora própria dos AMM, e muito especialmente da guitarra horizontal e torturada por múltiplos objectos de Keith Rowe, com os súbitos apontamentos de "sampling" etnográfico que Teitelbaum gosta de atirar para o ar quando menos se espera.
(20-05-2005)

Ana Da Silva
«The Lighthouse»
CD Chicks On Speed, €16,5

O pós-punk foi dos últimos e provavelmente o mais intenso «brainstorm» musical das ilhas britânicos de décadas recentes. No espaço que compreende, aproximadamente, 1978 até 1982, a comunidade «art school» que se tinha deixado levar pela energia e rebelião do punk mas não obrigatoriamente pela sua forma, questionou-a, reformulou-a e tornou-a mais complexa e densa. Para além dos seus pontos mais mediáticos (Joy Division, PiL, Gang of Four, The Fall, Throbbing Gristle ou Slits), há uma enorme riqueza no que a história tornou na «segunda linha» deste período. Bandas incríveis como Swell Maps, This Heat, Cabaret Voltaire ou as Raincoats de Gina Birch, Ana da Silva, Vicky Aspinell e Palmolive (das Slits). Inspiradas pelo trabalho das Slits e das X-Ray Spex, bem como pela carga anímica e revolucionária dos Pistols e dos Clash, traziam o turbilhão caótico da energia punk à canção sob formas femininas, irónicas, expostas e mordazes. «The Raincoats» é um amontoado gloriosamente disforme de gritos, instrumentos tocados de forma medíocre mas tão mais vibrante por isso, em que o concretizar de ideias valida qualquer tipo de inocência técnica. Lançado em 1981, «Odyshape», o seu segundo álbum já sem Palmolive (que as fez passar por Portugal com Charles Hayward dos This Heat na bateria) era um registo mais complexo, mais subtil, executado e pensado. Viria a seguir-se «Moving» dois anos depois e a dissolução da banda em ’84. No último ano da sua vida, Kurt Cobain iria à procura de Ana da Silva na sua loja em Notting Hill, onde apareceu com Courtney Love. Ana só soube quem eram aqueles miúdos que tinham passado pelo seu estabelecimento quando os amigos da loja da Rough Trade lhe explicaram o sucedido. Em pouco tempo Cobain fez com que a Geffen reeditasse os três álbuns das Raincoats e convenceu Birch e da Silva a reformarem a banda. «Looking In The Shadows» e uma digressão com os Nirvana que nunca acabou por acontecer devido à morte de Cobain foram o resultado. Como com os Young Marble Giants (Stuart Moxham colabora em «The Lighthouse») ou os Vaselines, aquilo que fica connosco da música das Raincoats é um mistério complicado de sublinhar. São canções puras, simultaneamente expostas e distantes, de uma inocência tão desarmante quanto subvertida. «The Lighthouse», o primeiro álbum a solo de Ana da Silva, açoriana residente em Londres desde a segunda metade dos anos 70, retém tudo o que, em abstracto, foi sempre tão especial nas Raincoats. Uma intimidade profundamente feminina, solitária; a estranheza e a pacatez das harmonias e melodias das vozes e dos instrumentos; uma noção oblíqua e fragmentada da realidade; uma jogo discreto de luzes, sombras, espelhos e ângulos inesperados sobre as coisas e o eu. Munida de uma «maquineta» (nas palavras da própria) digital, que possui centenas de sons e um sequenciador com uma multitude de «presets», Ana da Silva arquitecta as suas peças com suportes digitais e electrónicos, regidas sempre com uma estética orgânica. A percussão é aquática; o elemento lúdico permanece em algumas melodias, a dolência noutras. Sintetizadores pesarosos marcam a estreia de Ana da Silva a cantar na sua língua natal, em «Modinha». São canções, como sempre o foram, e são canções contemporâneas, actuais, de identidade criativa e estética demarcadas. Da Silva mantém-se atenta ao que se vai passando na música moderna, e o cariz exploratório e idiossincrático desta «The Lighthouse» é disso a sua maior prova. Um ícone da música independente nacional e anglo-saxónica num dos mais inesperados álbuns do ano.

Andrew Bird
«Armchair Apocrypha»
CD Fargo Records, € 16,50

O que é isto? Um avião, um sopro, um assobio, um riff, um pássaro? Na capa do novo disco de Andrew Bird, o desenho de um periquito de costas voltadas sobre fundo negro. Na realidade, o pássaro é Andrew Bird, mas nunca sobre fundo negro. A sua música é uma alegria subversiva, um feel good temperado que disfarça a ligeireza de espírito. Andrew Bird é o rei da sofisticação debaixo de uma pele de cordeiro. Ele já tocou em programas para crianças, mas em "Armchair Apocrypha" chega a fazer lembrar Jeff Buckley. E alguém imagina Jeff Buckley nos Marretas?
O mundo está entregue à criançada e Andrew Bird é o padrinho deles todos. Talvez o movimento tenha começado com David Byrne dos Talking Heads, grande influência na matreirice pop dos Clap Your Hands Say Yeah. Mas este som infantil, que era terrivelmente impopular na década de 80, tornou-se, hoje, mais popular que o pastel de nata. E subitamente, a banda sonora do mundo está entregue a grupos traquinas como Architecture in Helsinki, Final Fantasy, Fiery Furnaces, Of Montreal ou Arcade Fire. Algures no meio estará decerto Andrew Bird – “bird” de pássaro, pássaro de assobio.
O assobio de Bird, aquele eco fantástico de "Fake Palindromes" (do disco de 2005, "The Mysterious Production of Eggs"), que traz um novo amanhecer ao dia, cria alguma distintividade na música, e não deforma nunca a forma da sua arte. Sim, Andrew Bird é o tipo que assobia, e com quem gostaríamos de assobiar em conjunto, ou por associação. Mas ele é só isso? O homem toca violino desde criança, não deveríamos desdenhar o mérito e reduzir o seu alcance.
Andrew Bird conquistou o planeta há apenas dois anos, com "The Mysterious Production of Eggs", já o sexto álbum de originais de uma carreira prolífica e sentimental. "Armchair Apocrypha" não vai desiludir os fãs – o segundo tema, "Imitosis", parece recuperar o pizzicato de "Fake Palindromes", e dá uma voltinha sobre si próprio. O novo grande disco de Andrew Bird traz um desafio extra: talvez seja este o momento em que Bird vai agarrar ou conquistar outros públicos, sejam eles os públicos ligeiros de Coldplay ou Keane, ou os mais sofisticados de Sakamoto a David Sylvian.
Andrew Bird como ave de rapina? E porque não. É ouvir atentamente "Heretics", o quarto tema, e associar a voz de Bird a Tim Booth, dos James. Em "Dark Matter", é Jeff Buckley revisitado. "Yawny at the Apocalypse", o instrumental que encerra o disco, é uma seara de cordas ao vento, um tema crepuscular centralizado num violino chinês. O final perfeito de uma perfeita empreitada.
A noite é uma criança e se calhar Andrew Bird acordou para o dia.
(16-03-2007)

1. Fiery Crash
2. Imitosis
3. Plasticities
4. Heretics
5. Armchairs
6. Darkmatter
7. Simple X
8. The Supine
9. Cataracts
10. Scythian Empires
11. Spare-ohs
12. Yawny at the Apocalypse

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Andrew Bird
«The Mysterious Production of Eggs»
CD Fargo Records, €16,50

Andrew Bird está longe de ser apenas um "autor de canções", categoria revalorizada neste tempo de redescoberta da folk e da pop de produção simplificada, com base, quase apenas, numa voz e numa guitarra de caixa. A verdade é que este multi-instrumentista (o violino é o seu primeiro instrumento) ainda acredita na relevância dos arranjos, da orquestração e do trabalho de estúdio, e estes estão bem presentes em "Andrew Bird & The Mysterious Production of Eggs". Com um rigor, aliás, que cobre todos os aspectos desta edição, desde o trabalho do produtor David Boucher (o mesmo de Paul Westerberg, Lisa Loeb e Randy Newman), discreto mas funcional, até ao "design" e às ilustrações tipo "cartoon" de Jay Ryan visíveis na capa e no "booklet", que nos fazem lembrar outros tempos em que a "cover art" tinha mais importância do que na presente era do CD. Os temas cantados por Bird também não são muito vulgares, como a ciência moderna, a criatividade e a infância perdida. Especialmente interessado nas virtualidades da melodia, não surpreende que este americano de Chicago tenha como uma das suas características mais pessoais o facto de as... assobiar. De facto, não há como assobiar uma melodia para compreender, e fazer compreender, a sua eficácia, e Andrew Bird utiliza o assobio de forma desarmante e especialmente agradável, tão essencial para os resultados quanto, por exemplo, os "loops" de fita e o "sampling". A crítica já apelidou a sua música de "pop de câmara", e com toda a pertinência, pois a sua visão da pop tem a elegância e o apuro clássico da música de câmara, integrando elementos da folk, do country, do rock, dos blues e do que mais servir os seus propósitos (música brasileira, por exemplo). O infelizmente desaparecido Jeff Buckley e Devandra Barnhart têm nele um concorrente à altura...
(11-03-2005) 

1.
2. Sovay
3. A Nervous Tic Motion of the Head to the Left
4. Fake Palindromes
5. Measuring Cups
6. Banking on a Myth
7. Masterfade
8. Opposite Day
9. Skin Is, My
10. The Naming of Things
11. MX Missiles
12.
13. Tables and Chairs
14. The Happy Birthday Song

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Andrew Douglas
«Searching for the Wrong-Eyed Jesus»
DVD Plexifilm, € 23,95

O Deep South americano tem o condão de fascinar a gente de fora. No que diz respeito à sua música, são gritantes os exemplos do australiano Nick Cave, cujas “murder ballads” são o produto da sua visão daquela parte dos EUA, inspirada sobretudo nos romances de William Faulkner, Tennessee Williams e Erskine Caldwell. E já que se fala de literatura, nem é preciso ir muito longe – um escritor contemporâneo que representa a alma sulista branca deste país, Harry Crews, e que de resto vemos e ouvimos falar no documentário “Searching for the Wrong-Eyed Jesus”, emprestou o seu nome a um grupo formado por Kim Gordon, dos Sonic Youth, e Lydia Lunch, habitantes de uma cidade, Nova Iorque, que é o que há de mais distante da realidade do Texas, do Louisianna ou do New Mexico. Não estranha, pois, que este filme sobre o cantor de country alternativo Jim White e o mundo em que vive tenha sido realizado por um inglês, Andrew Douglas, o mesmo que assinou a longa-metragem de terror “The Amityville Horror”, outro exemplo do seu gosto pela mitologia do Novo Mundo. Com a diferença de que o resultado é bem melhor do que o conseguido neste título. A receita é clássica – trata-se de um “road movie”, com as câmaras a acompanharem uma viagem de White em território “redneck” num velho Chevy Impala –, mas pelos vistos continua a funcionar muito bem. Ao longo do percurso ficamos a saber da vida e das ideias de muitos anónimos que por estes lugares inventam e reinventam a folk ou cantam em coros gospel, mas também encontramos alguns “profissionais”, como Handsome Family, Cat Power, Johnny Dowd, Melissa Swingle, o “old timer” Lee Sexton e David Eugene Edwards, dos 16 Horsepower. As questões levantadas acabam por versar o mesmo tema: a dicotomia própria do Sul entre a fé e o pecado. Aliás, como Graham Greene sustentava, só pecando se pode testar a devoção por Jesus. As manhãs de domingo na missa são o outro lado da realidade das noites de sábado a beber, a andar à pancada e a fornicar. Aleluia.
(22-09-2006)

Andrew Pekler
«Nocturnes, False Dawns & Breakdowns»
CD Scape, €15,5

Ainda hoje «Station To Station» é uma obra vibrante, porque Andrew Pekler soube, muito inteligentemente, estabelecer as suas próprias regras - evitou deste modo o envelhecimento provocado e acelerado dos géneros e correntes. Primeiro: a pesquisa do 'groove' é ainda o mote para uma longa derivação estética sobre um ideia de jazz falso - uma ideia que o Jan Jelinek fez sozinho, mas que ganhou outro fôlego com Triosk. Segundo: o 'beat' não é central nem manipulador, ao contrário dos seus pares Ammoncontact ou Daedelus, por exemplo - afinal Berlim está bem distante das cidades do 'Pacific rim'. «Nocturnes, False Dawns & Breakdowns» está para o jazz tal como Prefuse 73 está para o hip hop: uma perpétua e insondável contaminação pela electrónica, pelos cortes, pelos erros no sítio certo e pelo acto de costura digital. Ambientalmente, não é um disco amargo, nem negro no sentido policial do termo; mas há algo sinistro e sombrio que trespassa os 14 temas deste álbum, uma suspensão e tensão eléctrica que nunca nos distrai por um momento, como se, sentado do seu banco de bar, Andrew Pekler observasse os anónimos como potenciais criminosos. Ou, delirando menos, apenas inventa histórias sobre o que está a sua volta. Há quem já tenha falado em álcool, de «Wee Small Hours» de Sinatra e de Weather Report, mas nós preferimos achar que este disco sente-se filho do jazz cinematográfico, gerando imagens fortes e robustos contrastes branco/preto - nesse sentido concordamos com as ligações emotivas ao clássico Louis Malle/Miles Davis «Ascenseur Pour L'Échafaud». Se juntarmos a isto tudo um delírio fora deste mundo por Sun Ra, uma paixão pela exótica de Martin Denny ou uma atracção fatal pelos classicismos de Moondog, temos um disco que só pode ser muito bom ou muito mau. Como devem perceber, a primeira hipótese é a demonstrada com uma qualquer audição: ouça-se o minuto e meio da introdução «Here Comes The Night...» para perceber tudo o que se disse aqui, bem como para adensarmos a suspeita de como Pekler bem pode ser um esteta tão importante quanto Jan Jelinek, Scott Herren ou Daedelus.

Andrew Pekler
«Strings + Feedback»
CD Staubgold, € 15,95

Se os álbuns anteriores de Andrew Pelker valeram da crítica a impressão de que a sua música era algo do género “Tortoise meets Pole”, este “Strings + Feedback” é substancialmente diferente. Primeiro porque soa à electrónica dos anos 1950, depois porque é a música para piano, cordas e harpa de Morton Feldman que ao longo da sua duração é desconstruída de forma radical. E o curioso é que, se as mutações operadas vão fundo no seu propósito de recriação, a geral ambiência continua a ser feldmaniana. O que quer dizer que tem o mesmo carácter de quietude e até de estatismo encontrado, por exemplo, em “For Bunita Marcus”, não obstante a maior profusão de acontecimentos sonoros. Ainda que, ao que parece, haja um computador a triturar acordes e notas soltas, há algo aqui que se enquadra nos parâmetros da “musique concrète” e que se cola à sonoridade típica dos velhos sintetizadores analógicos, pelo que se torna evidente ser esta uma obra informada pela história da electrónica e da electroacústica. Até o gráfico de circuitos internos que se vê na capa é indicativo da posição assumida por Pekler a este respeito. Nada que fosse de esperar de um americano recolocado na Alemanha que começou por tocar noise-rock e depois enveredou pela electro-pop sob a designação Sad Rockets.
(28-10-2005)

1. P'luckd
2. Localite
3. Ogonjok
4. Pale Fyr
5. Mirrorise
6. Vor
7. Refusenik
8. Doublemoon
9. Cygnus
10. Oragainst

Animal Collective
«Feels»
CD Fat Cat, € 16,50

1. Did You See The Words
2. Grass
3. Flesh Canoe
4. Purple Bottle
5. Bees
6. Banshee Beat
7. Daffy Duck
8. Loch Raven
9. Turn Into Something

Anja Garbarek
«Briefly Shaking»
CD EMI Music Norway, € 17,95

Pode ser que o facto de Anja ser filha do saxofonista Jan Garbarek tenha contribuído para lhe abrir algumas portas, mas a verdade é que a música desta cantora que vem do frio (Noruega) nenhuma relação tem com o jazz do seu progenitor. Ainda assim, o interesse que desde jovem ela nutriu pela canção e pela electrónica é culpa dele, pois os discos de Kate Bush, Laurie Anderson e Brian Eno que ela ouvia pertenciam à colecção de Garbarek. E claro, tudo isso se reflecte neste “Briefly Shaking”, álbum de pop alternativa (com algo de trip-hop) especialmente cuidado ao nível da produção que colecciona alguns dos seus melhores temas de sempre e nos dá a ouvir a sua voz sensual com uma proximidade e uma clareza como nunca antes aconteceu. O último de Anja Garbarek é sem dúvida um trabalho de maturidade e confirmação, e o culminar de um trajecto que foi gerido com particulares cuidados. Se o seu segundo título, “Balloon Mood”, levou quatro anos a ser preparado, já no terceiro, “Smiling and Waving”, ela teve a colaboração de grandes nomes como Robert Wyatt, Mark Hollis (Talk Talk), Steve Jansen (Japan) e um colaborador dos Cocteau Twins, Mitsuo Tate, conseguida precisamente porque todas essas figuras perceberam estar diante de um novo e invulgar valor. O quarto opus é este, e se reconhecemos alguns elementos do universo Massive Attack, PJ Harvey é uma referência diversas vezes patente, apesar de, em vez de guitarras, ouvirmos sintetizadores, e de, no lugar da distorção, encontrarmos uma boa dose de “glitch”. Uma mais-valia é o facto de Anja não procurar seguir pelo mesmo caminho de Bjork desde “Vespertine”, caminho esse que se tornou mesmo num modelo da associação da pop com a electrónica. Uma coisa, no entanto, têm de comum: se o presente som de Bjork resulta da colaboração com ela mantida pelo duo digital Matmos, a bela Garbarek conta com os “inputs” de um tal de Gisli, que intervém com programações, teclados, theremin, efeitos, ruídos e mais e que também é o principal produtor. Não ficamos por aqui: amante do cinema de terror e policial de série B, os temas das letras que canta não são propriamente os mais comuns, como por exemplo a história de uma mulher raptada e feita prisioneira numa cave (“Sleep”) ou uma alusão ao assassino serial Dennis Nielsen (“Can I Keep Him”). E sabem que mais? O pai Jan Garbarek também toca, trocando os seus habituais saxofones tenor e soprano pelo barítono.
(13-04-2006)

1. Born That Way
2. Dizzy With Wonder
3. The Last Trick
4. Sleep
5. Shock Activities
6. Yes
7. My Fellow Riders
8. Can I Keep Him?
9. This Momentous May
10. Still Guarding Space
11. Word Is Out

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Antony & The Johnsons
«I'm a Bird Now»
CD Secretly Canadian, € 15,95

1. Hope There’s Someone
2. My Lady Story
3. For Today I Am A Boy
4. Man Is The Baby
5. You Are My Sister
6. What Can I Do?
7. Fistful Of Love
8. Spiralling
9. Free At Last
10. Bird Gerhl

Apsci
«Thanks For Asking»
CD Quannum Projects, € 16,50

Apsci, de "Applied Science", é o nome dado à história de amor vivida por um MC americano do Bronx, Raphael LaMotta, e uma cantora com formação clássica descendente de filipinos mas nascida na Austrália, Dana Diaz Tutaan, uma daquelas improbabilidades que só os afectos humanos explicam. E "Thanks for Asking" é um disco de hip-hop "orgânica", ramo em que se coloca o "rapping" feito com instrumentos musicais em vez de gira-discos. E essa não é a única característica que afasta este projecto do hip-hop mainstream" - as letras (de Dana), por exemplo, não pertencem propriamente ao universo "gangsta", e se a maneira como utiliza a voz pode lembrar Badu, logo no instante seguinte é Bjork o que mais parece, se é que se parece com algo de definido já. Ter como convidados membros dos Perceptionists e dos Antibalas, entre outros, é demais indicação de que o casal Apsci não segue pelos caminhos mais comuns. Mesmo em se tratando de canções, a abordagem tem muito de experimental. Ainda bem...
(23-09-2005)

1. It's Apsci (Intro)
2. Tirade Highway
3. Never Give Up
4. Bike Messenger Diaries
5. Runaway
6. Voice Print Identification
7. Anais & Godzilla
8. Stompin'
9. See That?
10. KL 6am
11. Cherubic
12. Rob The Bank
13. Robosex
14. Puttin' On The Fitz
15. The Reception (Outro)
16. Pep Rally
17. Flystyls

Arcade Fire
«Funeral»
CD Rough Trade, € 16,95

1. Neighborhood 1 (Tunnels)
2. Neighborhood 2 (Laika)
3. Une Année Sans Lumière  
4. Neighborhood 3 (Power Cut )
5. Neighborhood 4 (Kettles)
6. Crown Of Love
7. Wake Up
8. Haiti
9. Rebellion (Lies)
10. In The Backseat

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Arctic Monkeys
«Whatever People Say I Am, That’s What I’m Not»
CD Domino,
 €18,50

1. The View From The Afternoon
2. I Bet You Look Good On The Dancefloor
3. Fake Tales Of San Francisco
4. Dancing Shoes
5. You Probably Couldn’t See For The Lights But You Were Looking Straight At Me
6. Still Take You Home
7. Riot Van
8. Red Light Indicates Doors Are Secured
9. Mardy Bum
10. Perhaps Vampires Is A Bit Strong But...
11. When The Sun Goes Down
12. From The Ritz To The Rubble
13. A Certain Romance

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Arden
«Conceal»
CD Stilll, € 16,50

Immune
«Sound Inside»
CD Stilll, € 16,50

Holiday For Strings
«CD»
CD Stilll, € 16,50

Off The Sky
«It Is Impossible To Say Just What I Mean»
CD Stilll, € 16,50

Vários Artistas
«Stilllysm – An Experimental Pop Compilation By The Stilll Label»
CD Stilll, € 16,50

Quando surge um catálogo com uma identidade muito vincada como este da editora belga Stilll, a tentação para quem não pode levar para casa todos os títulos saídos é procurar o “melhor” ou o mais representativo, mas o certo é que essa escolha é muito difícil no presente caso, tais são a qualidade das propostas e os acrescentos feitos às “medidas” padronizadas por cada formação e cada álbum. Ainda assim, uma boa introdução a este universo pode ser dada por “Conceal”, dos transnacionais Arden: neles encontramos a mesma “avant pop” melancólica que caracteriza todos os outros grupos da casa, mas também algo como o fantástico tema “Smashed Computers and Bad Luck”, que é o que poderia fazer uma banda de metal se tentasse soar como os God Speed! You Black Emperor ou os Sigur Ros. Está neste disco tudo o que poderíamos desejar no rescaldo do pós-rock, atmosferas e explosões sónicas, canções e experimentalismo improvisado, electricidade e o bafo da terra molhada, com mudanças como do dia para a noite por vezes na mesma faixa. O facto de um dos membros dos Arden, Jérôme Deuson (aka aMute) ser também o patrão da Stilll pode até significar que temos aqui o manifesto da “label”. Já se falou de Sigur Ros e eis que é no casamento da sua influência com a, muito diferente, de Matt Elliott que agem os Immune em “Sound Inside”. Projecto de “música íntima”, como eles próprios se propõem, a electrónica é, no entanto, a ferramenta principal deste quarteto francês. A curiosa voz de Gary Soubrier é o seu cartão de visita, assemelhando-se a um Stuart Staples que tivesse optado por sussurrar em contexto “campfire” com uma boa dose de “glitch” digital. Electro-pop this ain’t, mas o certo é que utiliza as suas armas. Quem gostou de “Laughing Stock” dos Talk Talk também ficará satisfeito com este álbum. Os Holiday For Strings, por sua vez, são suecos e em “CD” fazem uma pop de guitarras que, apesar de muito “clean”, tem a ocasional bizarrice de uns Animal Collective e um evidente gosto pelo “groove”. Mesmo quando não resistem à tentação do abstraccionismo (adoram explorar “feedbacks”), a rítmica “funky” é quase sempre um contrapeso. Os Off The Sky do norte-americano Jason Corder mergulham decididamente nos “drones” guitarrísticos e a sua cartilha tem tanto de ambientalismo quanto de rock e até de referências artísticas e literárias. No caso de “It Is Impossible To Say Just What I Mean”, a inspiração foi buscada a T.S. Eliot e ao seu poema “The Love Song of J. Alfred Prufrock”, detectada por exemplo nos títulos dos temas. Mas também na própria música, que metaforiza por meio da efemeridade das suas formas a mensagem daquele texto que refere a impossibilidade de verdadeiramente chegarmos aos outros. De facto, trata-se de uma colagem de sons que parece estar à procura de uma estrutura sem nunca chegar a encontrá-la, o que não impede que fragmentos de nostálgicas melodias se formem para logo desaparecerem no ar. Uma perspectiva mais abrangente do estilo Stilll é dada pela colectânea “Stilllysm”, na qual estes artistas e outros (destaques absolutos para o duo de cyber-jazz Tangtype e para os desconstrucionistas pós-pós-rock Mikale De Graff) são colocados a par de Peter Principle, dos saudosos Tuxedomoon, e de Benjamin Lew, assim estabelecendo-se uma relação com um passado (década de 1980) representado pela Made to Measure, quando a Bélgica estava bem no centro da edição de música “alternativa”. A mensagem pode ser subreptícia, mas está à vista: a Stilll apresenta-se como a herdeira desse dinamismo e pretende ganhar a mesma importância. Não temos dúvidas de que conseguirá.
(12-05-2006)

«Conceal»:
1. Jardin Opening
2. Smashed Computers and Bad Luck
3. Sleeping in a Strange Bed
4. Grafted Guitars of Unopened Train Doors
5. Ne se Soucier de Rien
6. Kidney’s Crash
7. Des Routes Ensoleillées
8. Cello for Sudden Goodbyes

«Sound Inside»:
1. You Landscape
2. Acoustic Memories
3. Through Tides
4. The Same Old Throb
5. Streams Go Blind
6. Headfirst
7. Wandering Clouds
8. Thousand Leaves
9. Fathers Falling
+ Exclusive video track “Blue Spring” from the Tokyo Reels DVD

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«CD»:
1. Three Laps
2. Touch The Tiger
3. Brest
4. I Got Two Hands
5. Pain Au Chocolat
6. Hotel
7. Jump On Foot

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«It Is Impossible To Say Just What I Mean»:
1. Farther From Where We Came
2. Cold As Your Eyes Can Be
3. A Matter of Feeling
4. Folly Adieu
5. Lonely Faces, Passers By
6. Elliott Goodbye, Denouement
7. Faint, Wishful Thinking
8. One Moment
9. Gently Down The Stream

«Stilllysm – An Experimental Pop Compilation By The Stilll Label»:
1. Mikale Degraff - Dream Feet
2. Ghislain Poirier - They Believe
3. Holiday For Strings - I Got Two Hands, Three Thumbs On Your Fingers
4. Aoki Takamasa - Walking With Polco
5. Tangtype - Unwinking Transmission
6. Nox - Nonna
7. Mitchell Akiyama - Early Wake
8. Musiques Automobiles - Le Bocal de Tom
9. Off The Sky - Holiday Crash Plan
10. Peter Principle / Ecco Bravo - Do You Feel Five
11. Viktor Sjoberg - No Beginning
12. Christophe Bailleau and Won - Blue String
13. Arden - Locked in the Attic
14. Immune - Headfirst
15. Wixel - Karen Ikea
16. Benjamin Lew + Alinovsky + aMute - Still Here  

Ariel Pink’s Haunted Graffiti 5
«House Arrest»
CD Paw Tracks, € 18,50
Reedição do CD da editora dos Animal Collective que tornou Ariel "Pink" Rosenberg na nova coqueluche da pop DIY (um contrasenso que ele neutralizou de uma vez por todas, demonstrando que o género pode ser congeminado entre as quatro paredes de um quarto, com apenas um gravador de cassetes de oito pistas), "House Arrest" tem a ambígua condição de algo que nos parece chegado dos anos 1970 (quem não estiver avisado pensará que se trata de uma gravação perdida de Syd Barrett, e houve mesmo quem dissesse que as suas canções poderiam ter sido compostas por Charles Manson, se tivessem deixado este encher a sua cela de instrumentos), mas que ao mesmo tempo se julga votado a reinventar o formato em causa, senão a própria estética subjacente. Há vários indícios que nos levam a tirar esta conclusão, como a ausência de produção, que é o fundamento da pop "mainstream", muitas vezes mascarando a real incapacidade de cantores e instrumentistas, ou o facto de substituir a característica leveza dos temas ("Hardcore Pops Are Fun" será aqui a excepção) por uma melancolia que nos incomoda e nos faz até ter pena do rapaz. Nada, como se verifica, que uma "major" colocasse no seu catálogo, dado o propósito de entreter as massas e de as manter alegres e saltitantes - como se sabe, a pop tende nos nossos dias a ser um Prozac sonoro. Tal procedimento leva Ariel Pink a expor-se mais do que seria razoável para alguém que não se estivesse nas tintas, pois torna-se claro que não domina as guitarras e os teclados de que faz uso, e que a sua vida pessoal não é propriamente um passeio no parque. Seja como for, este disco é uma declaração de amor à dita pop, ainda que vinda de alguém que ou não teve a possibilidade de se unir carnalmente à sua amada ou que deseja manter platónica a sua devoção. Daí que esta "falsa pop" seja algo disforme e excessiva, não coisa assumida mas um pastiche ou um clone imperfeito, suja, "noisy" e por vezes até caótica. Ora, é isso mesmo que faz o encanto das propostas de Rosenberg. "Pop music is free/ For you and me/ Pop music's your wife/ Have it for life/ Pop music is wine, it tastes so divine", canta ele, sem receio do ridículo de manifestar a sua gula por uma droga altamente viciante. A autêntica pop nunca se referiria a si mesma deste modo - só alguém que vem de fora o poderia fazer tão impunemente.
(10-03-2006)
 

1. Hardcore Pops Are Fun
2. Interesting Results
3. West Coast Calamities
4. Flying Circles
5. Getting High In The Morning
6. Helen
7. Every Night I Die At Miyagis
8. House Arrest
9. Alisa
10. The People I'm Not
11. Almost Waiting
12. Oceans Of Weep
13. Netherlands
14. Higher & Higher

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Ariel Pink
«Pedestrian Pop Hits»
CDEP Latitudes, € 12,50

Não vale a pena tentarem decifrar o título deste EP procurando esclarecimento na única faixa de 17 minutos. Não há “hits” pop reconhecíveis em “Pedestrian Pop Hits”, e quanto a uma possível condição “pedestre” só se colocarem o CD num walkman e derem uma volta pelo bairro chegarão lá perto. Mas sem dúvida que há alguma pop, embora triturada no psicadelismo geral desta intrigante música, só não chegando ao mais convicto “freak out” (na visão colorida de uns Animal Collective, grupo com o qual teremos de continuar a associar Ariel Pink) porque não se trata de uma improvisação em grupo mas da montagem de várias gravações sobrepostas com o dito a tocar todos os instrumentos, tal como no álbum de estreia, “The Doldrums”. E sim, ao que parece novamente com a boca a fazer as vezes da percussão – isto apenas porque ele não sabe tocar bateria, pois diz faltar-lhe a coordenação necessária, e porque nunca conseguiu aprender a usar uma drum machine, o que nós até agradecemos. Haja sempre quem faça as coisas de maneira diferente. Afirma Ariel Pink que tem um défice de atenção e que é demasiado zeloso no que se refere a perder o controlo, pelo que está explicada a razão porque nunca chega a fazer uma canção que possamos simplesmente caracterizar como pop. A máxima Do It Yourself por ele assumida não o permite...
(24-02-2006)

1. Pedestrian Pop Hits

 

Ariel Pink’s Haunted Graffiti
«Worn Copy»
CD Paw Tracks, € 17,50

O único artista da Paw Tracks que não pertence aos Animal Collective vem à estampa com um disco pop que é tão inusitado e desconcertante quanto o género o permite, não só pela associação de estilos por que passa (Paul McCartney, Brian Eno e Syd Barrett são apenas três nomes de que nos podemos lembrar durante a audição, bem como os grupos Duran Duran ou The Cars), como também pela forma com que faz as coisas. Por exemplo, os sons de bateria são todos produzidos com a sua própria boca. Mas não só: até as letras de Ariel Pink não correspondem ao figurino estabelecido, por exemplo quando canta “the human race is a pile of dogshit”, acusando a humanidade de ser toda ela nazi. Imaginam a Kylie Minogue a fazer o mesmo? Não, pois não? O que “Worn Copy” nos traz vem na linha de reciclagem dos desperdícios da “trash music” da segunda metade do século XX operada pelos Mr. Bungle em “California”, descontando, é claro, as erupções metálicas e colocando no seu lugar harmonias vocais à maneira dos Carpenters. Ariel trata a canção pop como se fosse “easy listening” de restaurante chinês ou paisagem sonora tipo “ambient music”, ou seja, como um ruído de fundo que tivesse como exclusivo propósito prefigurar o silêncio – pela evidenciação deste até, que não pelo seu mascaramento. De resto, tudo nos surge como que banhado numa névoa impenetrável, como se estivéssemos a ouvir ecos de um rádio ligado no apartamento ao lado. É nesse tipo de abordagem que está a sua atitude experimental, não propriamente na utilização de formas abertas, sons não musicais ou técnicas extensivas de manipulação dos instrumentos, o que seria o mais comum. E é do reconhecimento mesmo das suas citações estilísticas descontextualizadas e articuladas com outros elementos que surge a impressão de estranheza sentida ao ouvirmos este disco. Se Frank Zappa e depois dele John Zorn cunharam o modelo da colagem, o que este projecto oferece é outra coisa, prensagem de materiais, como se se tratasse de plasticina de várias cores. O mais radical dos mixes, em suma. Estamos em pleno reino do pastiche como metodologia criativa e do kitsch como estética, ainda que, por uma vez que seja, com gosto. Coisa, aliás, que não julgaríamos possível...
(30-09-2005)

1. Trepanated Earth  
-----trepan earth overture
-----heavens hotter than hell
-----trepan reprise
2. Immune to Emotion
3. Jules Lost His Jewels
4. Artifact
5. Bloody! (Bagonia's)
6. Credit
7. Life In L.A.
8. The Drummer
9. Cable Access Follies
10. Creepshow
11. One On One
12. Oblivious Peninsula
13. Somewhere in Europe/ Hotpink!
14. Thespian City
15. Crybaby
16. Foilly Foibles/ GOLD
17. Jagged Carnival Tours

 

Arizona Amp and Alternator
«Arizona Amp and Alternator»
CD Thrill Jockey, € 18,50

Quem se apresenta sob tão enigmática designação é nem menos do que Howe Gelb, o motor e a alma dos Giant Sand. E que grande disco este é, com resonâncias de Neil Young, Lou Reed, Tom Waits e Nick Cave espalhados em boa medida por entre toda a Americana. “Arizona Amp and Alternator” é a música do deserto (imaginem um velho chevrolet parado no meio de nenhures com Gelb sentado ao volante a observar lagartos e cascaveis enquanto o rádio está sintonizado numa estação de bom rock and roll yankee), produzido segundo um conceito caro ao músico: “If it ain’t broke don’t fix it”. No “booklet” lê-se que este é um grupo sem membros, o que só quer dizer que foi constituído unicamente para gravar este álbum, e eles fazem-se ouvir, entre membros dos Grandaddy e dos Arcade Fire, John Parish, M. Ward e mais uns quantos de que deste lado do oceano nada sabemos, incluindo uma cantora dinamarquesa,.Henriette Sennenvaldt, que nos confirma o quão larga é a asa do falcão. E um inglês, Scout Nibblet, considerado mais americano e mais sulista do que um baptista do Mississipi. Como o mesmo Gelb é peremptório em esclarecer, este é o “old sound” dos EUA em todo o seu esplendor, e se “the country man think’s you’re rock and the rocker says you’re not right”, bom... fuck them. O certo é que o country rock revive nestas canções como poucas vezes tem havido oportunidade nos últimos tempos. Johnny Cash deve estar a sorrir, lá nos confins do inferno.
(28-10-2005)

1. Velvet and Pearl
2. Where the Wind Turns the Skin to Leather
3. AAAA (1)
4. Low Spark of High Heeled Boys
5. Man on a String
6. Bottom of the Barrel
7. AAAA (2)
8. Can Do Girl
9. Blue Blue Marble Girl
10. Baby It's Cold Outside
11. Re-Entry
12. Loretta and the Insect World
13. AAAA (3)
14. Talula and the Last Straw
15. Vows
16. AAAA (4)
17. Recital
18 .The Leaving You

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Arp
«In Light»
CD Smalltown Supersound, € 15,95

"In Light" é um álbum luminoso de música pulsante e quente. É música que poderá sugerir um futuro que nunca chegará. Ou, como as imagens que ilustram a capa e o livro, poderá ilustrar memórias que vão e vêm da nossa mente. Como sonhos ou momentos ricos e saturados que nos fazem perder a noção do tempo, a música de "In Light" é como velhas fotografias, velhos filmes das nossas próprias experiências e momentos importantes da vida. Chamem-lhe pop minimalista, pop cósmico, ou minimalismo cósmico. O que quiserem...

Arp é o mais recente projecto de Alexis Georgopoulos, artista de São Francisco que cresceu em França, na Grécia e nos Estados Unidos, e que foi um dos membros fundadores dos Tussle e dos The Alps.

Na Primavera de 2006, após desempenhar o papel de principal compositor em "Telescope Mind" dos Tussle, Alexis deixou o projecto. Logo a seguir o crítico da Artforum e organizador artístico da White Columns Matthew Higgs convidou-o para fazer parte de uma exposição na New Langton Center for the Arts. Tentando fazer algo original, Alexis abandonou o baixo e a percussão e aventurou-se na improvisação com sintetizadores analógicos, piano, flauta, pedais e um velho gravador de 4 pistas. Com essas gravações enviou uma demo à Smalltown que se mostrou imediatamente interessada em editar um álbum completo.

Sinónimo do seu compromisso com a música electrónica natural (fazendo a ponte entre o mundo natural e electrónico), a quase totalidade de "In Light" foi gravado ao vivo, sem interrupções e montagens. Este gesto foi realizado com o intuito de recuperar muito do natural que se perdeu na música electrónica de hoje. O resultado, muito dele utilizado na exposição em colaboração com o arquitecto Kyu Che, é um mundo vívido encantado de psicadelismo altivo que toca em vários pontos do seu interesse, desde as explorações étnicas de Alice Coltrane ao lado cósmico da Alemanha dos anos 70. Da música de bandas sonoras ao minimalismo do séc. XX.

Podemos detectar vestígios - no elegante “St Tropez” por exemplo - dos velhos Cluster ou Ralf & Florian. Nos propulsivos arpeggios de “Premonition of The Sculptor Steiner” encontramos a influência do tão esquecido futurista italiano Franco Battiato ou Takehisa Kosugi dos Taj Mahal Travellers. "Potentialities” recorda o pulsar dos Harmonia bem como o transe hipnótico de Terry Riley. “Fireflies On The Water” remete para o mundo instrumental dos álbuns rock de Brian Eno. Tocando em todas estas influências, "In Light" é uma luz original e extremamente interessante, mostrando sensibilidade e visão.

Este álbum será seguido por um single de 12" com remisturas de Panda Bear e dos mestres do kraut Cluster. Os Arp fizeram também, muito recentemente, uma mistura para Lindstrøm (a surgir num 12" na sua etiqueta Feedelity) e Charlotte Gainsbourg (a sair na Vice Records).
(29-11-2007)

1. St. Tropez
2. Potentialities
3. Rising Sun
4. Fireflies On The Water
5. Premonition Of The Sculptor Steiner
6. Odyssey
7. Potentialities 2

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Art of Noise
«And What Have You Done With My Body, God?»
4CD ZTT, € 49,50

A editora Zang Tuum Tumb (ZTT) é talvez um dos casos mais emblemáticos da década de 80. Responsável por um dos maiores fenómenos dessa época - os Frankie Goes To Hollywood -, foi uma fórmula de sucesso sem paralelo, engendrada pelos seus criadores Trevor Horn e Paul Morley.
Para muitos, os anos de ouro ocorreram entre 1983 e 1985, marcados pelas edições dos FGTH, Propaganda e os mais enigmáticos Art of Noise. Este último, um projecto criado por Horn e Morley, e Anne Dudley, Gary Langan e JJ Jeczalik, foi sem dúvida o mais carismático da ZTT, com as suas criações electrónicas mais arrojadas e menos comerciais, essencialmente virado para o trabalho de estúdio. Ainda que Horn e Morley fosses os cérebros, Anne Dudley era o centro criativo, com um invejável currículo de produção de material que ia desde os FGTH aos ABC. O primeiro produto resultante desta fórmula foi o mini álbum "Into Battle With the Art of Noise" em 1983, com temas como "Moments in Love" ou "Beat Box" a atingirem o pico de criatividade. Somente em 1984 seria lançado o primeiro álbum, "(Who's Afraid Of?) The Art of Noise!", cujo single "Close (To the Edit)" foi um sucesso estrondoso no Reino Unido. Foi também o ano que marcou o final de uma fase, com a cisão entre Horn e Morley e o trio restante. Ao contrário de todas as expectativas  "(Who's Afraid Of?) The Art of Noise!" acabaria por se tornar o único álbum na ZTT.
A estadia dos AON na ZTT foi extremamente curta, mas o material gravado e editado foi sem dúvida o melhor de toda a sua carreira. É uma parte dessa fase que surge agora nesta especial caixa com quatro CD's: versões e sessões que nunca haviam visto a luz do dia. Estas ocorreram num dos períodos mais intensos e férteis de toda a carreira do grupo - entre 1983 e 1985 -, e ainda que o produto final se tenha tornado quase ubíquo - sendo frequentemente 'samplado' por artistas tão diferentes como Janet Jackson e os Prodigy -, as demos, as versões alternativas, as experiências de estúdio, no fundo a verdadeira génese dos Art of Noise, nunca mais foram ouvidas. Trevor Horn, diz-se, tem a reputação de destruir tudo o que não serve... "if you change course, erase the tapes and move on. Don't look back". Ou talvez não... Ao que parece, a ZTT conseguiu o impensável. Na sua procura pelos inúmeros estúdios onde os AON haviam gravado - Sarm West, Sarm East, Angel, Utopia e Mayfair -, encontrou estas preciosidades, julgadas desaparecidas para sempre. E aqui estão elas, guardadas para a posteridade. E para o nosso proveito.
(20-10-2006)

Disco 1: The Very Start of Noise
1. Beat Box (One Made Earlierࠩ
2. Once Upon A Lime
3. War (Demo 2)
4. Close To The Edge
5. Confession
6. Moments In Love
7. Sign Of Relief
8. Who's Afraid Of Scale
9. So What Happens Now (Take 2)
10. The Subject has Moved Left
11. It's Not Fair
12. Close To The Edge (Ruff Mix)
13. A Time For Fear (Who's Afraid)
14. Moments In Bed

Disco 2: Found Sounds and Field Trips
1. Moments In Love (12" B Side Idea)
2. Tears Out Of A Stone
3. Samba #2
4. The Chain Of Chance
5. Fairlight-in-the-Being
6. Diversions 3
7. Close (To Being Compiled)
8. Diversions 5
9. Damn It All!
10. Structure
11. The Angel Reel: Hymn 1 (Take 2)
12. The Angel reel: Hymn 3
13. The Angel Reel: Fairground
14. And What Have You Done Wity My Body, God?
15. Klimax
16. Who Knew?

Disco 3: Who's Afraid of... Goodbye
1. War (Demo 4)
2. The Focus Of Satisfaction
3. Moments In Love (7" Master Rejected)
4. It Stopped
5. The Uncertainty Of Syrup
6. The Long Hello
7. The Vacuum Divine
8. The Ambassador's Reel: Beat Box
9. The Ambassador's Reel: Medley
10. The Ambassador's Reel: Oobly
11. Goodbye Art Of Noise

Disco 4: Extended Play
1. Battle
2. Beat Box
3. The Army Now
4. Donna
5. Moments In Love
6. Bright Noise
7. Flesh In Armour
8. Comes And Goes
9. Moment In Love
10. That Was Close
11. Moments In Love + Love Beaten
12. Love Beat
13. In Case We Sneezed
14. A Time To Hear (Who's Listening)
15. (Do) Donna (Do)

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Arve Henriksen
«Strjon»
CD Rune Grammofon, € 16,50

“Strjon” só não é um disco dos Supersilent porque o protagonismo de Arve Henriksen é óbvio, mas os companheiros deste no supergrupo norueguês constam na ficha técnica e Helge Sten, mais conhecido por Deathprod, tem mesmo responsabilidades de produção. É o terceiro a solo do trompetista que aqui também utiliza teclados, com a mais-valia de não repetir o que já apresentou nos álbuns anteriores. Assim sendo, este novo CD não tem a dimensão Zen de “Sakuteiki” nem a melancolia de “Chiaroscuro”, sendo aquele que conta com maior presença da electrónica. Para este trabalho inspirou-se na sua cidade natal, Stryn (Strjon era o seu nome na Idade Média), situada na Costa Oeste da Noruega, e nos contrastes da paisagem circundante, ora com grandes avalanches nas montanhas durante o Inverno (atenção à guitarra eléctrica de Sten em “Black Mountain”), ora emanando uma grande tranquilidade no Verão (detectável em “Wind and Bow”). A sonoridade única do seu trompete continua o que lhe conhecemos, inspirada no shakuhachi japonês, com bastante lastro em “Green Water”, na qual ouvimos também o piano preparado de Stale Storlokken, algures entre John Cage e Conlon Nancarrow. A criatividade mantém-se igualmente alta e este registo não desmerece dos anteriores, antes pelo contrário – recomendado.
(09-03-2007)

1. Evocation
2. Black Mountain
3. Ascent
4. Leaf and Rock
5. Ancient and Accepted Rite
6. Twin Lake
7. Green Water
8. Alpine Pyramid
9. Wind and Bow
10. Strjon
11. Glacier Descent
12. In the Light

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Também disponíveis:

Arve Henriksen «Satukeiti» CD Rune Grammofon, € 16,50   1. Sammon - Main Entrance 2. Viewing Infinite Space 3. Inside Tea-House 4. Peaceful - Close To Cherry Trees 5. Procession Passing 6. Evening Call 7. Breathing 8. Beauty Of Bamboos 9. Tsukubai - Washbasin 10. Planting Trees Creating Beauty 11. "Stones Should Never Be Placed Carelessly" 12. White Gravel 13. Shrine 14. Paths Around The Pond 15. Children In My Garden Clique aqui para escutar excertos de todos os temas

Arve Henriksen «Chiaroscuro» CD Rune Grammofon, € 16,50   1. Opening Image 2. Bird's-Eye-View 3. Chiaro 4. Holography 5. Blue Silk 6. Parallel Action 7. Circled Take 8. Scuro 9. Time Lapse 10. Ending Image Clique aqui para escutar excertos de todos os temas

 

Asmus Tietchens
«Eine Ganze Menge»
CD3" 1000Füssler, €9,40

As três pequenas peças, ou "figuras sonoras autogeradas", como Asmus Tietches as designou, que integram este mini-CD podem ser sobras da série "Mengen", mas vivem neste disco como objectos à parte, com existência própria e um notável sentido de depuração sonora e essencialidade. Sinusóides e ruído branco foram projectados pelo compositor alemão em grandes espaços vazios, com o propósito de retratar a desumanização de construções arquitectónicas que, supostamente, deveriam ter uso humano, e o resultado gravado tal como aqui podemos ouvir. Tietchens tem uma longa carreira que vem desde a década de 1960 e que passou pelas mais variadas tecnologias e tendências estéticas, desde a "cosmic music" germânica até às suas actuais colaborações com Thomas Koner sob a designação Kontakt der Junglinge, em homenagem a Stockhausen, passando pelo easy listening, o ambientalismo, a música concreta e o industrialismo, de que chegou, aliás, a ser um dos mais destacados representantes no domínio da electrónica.
(18-03-2005)

 

At Swim Two Birds
«Returning to The Scene of the Crime…»
CD Green Ufos, € 15,95

Metade dos Montgolfier Brothers de Manchester e agora abrigado sob a designação At Swim Two Birds, título de um estranho livro do escritor irlandês Flann O’Brien, Roger Quigley já foi um apaixonado fã dos The Fall e a música que fazia chegou a ser um inesperado misto de Durutti Column e Tindersticks, mas com “Returning to the Scene of the Crime” encontramo-lo num registo mais “folky”. E no entanto, uma parte do que aqui está já ele o tinha feito antes, e de resto apresentado em “1969 Till God Knows When...”. Quando lhe foi proposta a reedição desse álbum, em vez de ficar apenas pela remasterização ou até pela remistura preferiu gravar tudo de novo, incluindo canções que aí não constavam. O resultado é um “striptease” musical, em que tudo funciona ao serviço da sua voz, das palavras que canta e da guitarra acústica que as sustenta. A fórmula está mais próxima da natureza da poesia de Quigley, que fala dos desesperos quotidianos de gente comum e em especial da classe operária da sua cidade natal, apresentando-se finalmente como uma música de pub. A verdade compensa sempre na arte, mesmo quando é entendida como um “regresso à cena do crime”...
(26-01-2007)
 
1. In Bed With Your Best Friend
2. Giggling Fits
3. The Smell Of Suntan Oil On Your Skin
4. Falling From Trees
5. Returning To The Scene Of The Crime
6. Down By The Stream
7. Laziness And The Lack Of The Right Medication
8. My Luck Is Turning
9. Wine Destroys The Memory
10. A Kind Of Loving

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Audion (aka Matthew Dear)
«Suckfish»
CD Spectral Sound, € 15,95

AComo aconteceu em anteriores edições de Matthew Dear sob a designação Audion, a música de dança de “Suckfish” alude a práticas libidinosas (ou implica-as) mais agitadas do que simplesmente dançar. E face ao que aqui se ouve é melhor não pensar em longos e suaves enlaces tântricos e sim em sexo urgente e brutal, aquele que todos os vizinhos do prédio ouvem através das paredes. Os títulos das peças que se vão sucedendo não deixam as interpretações ao acaso, como “Titty Fuck”, “Taut”, “Rubber” ou “Just Fucking”, bem como as suas estruturações ascensionais, em direcção a um climax que nunca encontra alívio, nova cavalgada tendo início logo a seguir – talvez porque as personagens desta história sejam máquinas e não pessoas. Mas não se pense que falta sensualidade e subtileza a este disco – se o “beat” é implacável, na linha do techno puro e duro, o resto tem uma dimensão “acid” e psicadélica que indica bem o carácter elaborado deste trabalho. Para todos os efeitos, este é o mesmo Matthew Dear que gravou sob o seu próprio nome o álbum de electro-pop elegante “Leave Luck To Heaven”. E atenção a um pormenor: “Suckfish” vem de Detroit, o que evidencia que na cidade-berço deste tipo de sons algo de novo está a acontecer. A capital do techno continua viva, não se contentando com ser apenas uma referência. Essa mesma localização geográfica faz com que a presente proposta futurista (há mesmo algo aqui do universo da ficção científica cyber-punk, com alusões a coitos entre humanos e robots) reproduza as raízes do estilo em que alinha, não surpreendendo que oiçamos sintetizadores analógicos ou detectemos elementos característicos do velho funk. Resumindo e concluindo: muito dificilmente encontrarão melhor do que isto no planeta techno.
(06-01-2006)

1. Vegetables 
2. Your Place or Mine 
3. T*TTY F*ck 
4. T.B. 
5. Kisses 
6. Wield 
7. Taut 
8. Rubber 
9. Uvular 
10. The Pong 
11. Just F*cking 

 

August Born
«August Born»
CD Drag City, € 16,50

Este é um dos tais discos que não existiriam se não houvesse aviões e uma instituição chamada correios, isto porque August Born (não, não é uma pessoa - o nome deve-se apenas ao facto de este CD ter "nascido" em Agosto) é o identificativo conjunto de dois músicos que vivem em locais opostos do globo, o americano Ben Chasny, que conhecemos já dos Six Organs of Admittance e dos Comets on Fire, e o japonês Hiroyuki Usui, o ex-Fushitsusha e ex-Ghost também conhecido por L. Um deles gravava umas coisas (Chasni com a voz e a guitarra, Usui com uma segunda guitarra e uma segunda voz, mais tudo o resto: banjo, baixo, violoncelo, vibrafone, bateria, harmonium, tambura, didgeridoo, "field recordings", etc.) e enviava ao outro para acrescentar, alterar, misturar. O ponto de partida foi (é: "August Born" começa assim) desconcertante: os sons causados pela abertura de uma cova para enterrar um pássaro morto. A primeira impressão que temos é a de que se trata de uma colagem de sketches, mas à medida que se avança tudo vai ganhando forma e encadeamento, a folk e os blues mesclando-se com uma boa dose de experimentalismo e espiritualidade. Aliás, esta parece uma música devocional, ritualista mais do que performativa, com a pontuação, por exemplo, de sinos budistas. Um capítulo mais, e deveras interessante, da saga "freakout" que vem conquistando tantos adeptos nos Estados Unidos e no Japão. Decididamente, o psicadelismo dos Sixties está de volta, ganhando feições que nessa altura lhe desconhecíamos. Conta a história que o responsável por esta troca de sons e ideias foi o jornalista e crítico Alan Cummings (Wire), que os apresentou e incentivou a corresponderem-se, primeiro por e-mail, depois através de CD-Rs colaborativos. E porque Hiroyuki Usui não domina o Inglês, nem Benjamin Chasny compreende o Japonês, houve alguns problemas de comunicação, mas tanto melhor, pois a música resultante ultrapassa os limites da racionalidade e impõe-se enquanto linguagem universal. "Birds and Sun and Clay" é um dos grandes momentos da colecção, com os versos "what makes your day / birds and sun and clay" a darem corpo a um mantra de efeito introspectivo. A morte é o tema sempre retomado, e a esse nível esta é uma arte de aceitação face à evidência da perenidade humana, sem depressões nem tratamentos góticos ou qualquer tipo de dramatização. A tranquilidade destas quase-canções chega mesmo a ser desconcertante. Um exemplo de como a beleza não tem de ser "bonita" para a reconhecermos como tal...
(09-09-2005)

1. Blues To Begin
2. Dead Bird Blues
3. A Thousand Butterflies
4. More Dead Bird Blues
5. Last Breath Of The Bird
6. Birds & Sun & Clay
7. Song Of The Dead
8. Providence
9. A Lot Like You
10. You Will Be Warm

 

Awesome Color
«Awesome Color»
CD Ecstatic Peace!, € 15,95

Os Awesome Color são um power trio com apenas 9 meses de idade, mas que rocka como quem o faz e sabe fazer há muitos anos. Derek Stanton assume o leme da banda, com uma voz intensa, mas sobretudo com uma guitarra tão potente que desafia a corrente eléctrica a cada riff e que explode em inúmeros solos poderosos. O baixo de Michael Troutman faz a cama à guitarra e deixa-a voar. A bateria de Allison Busch marca o compasso com uma batida seca e sincopada, cheia de pratos. O todo produz aquele rock que vai beber à mesma fonte dos anos 70 onde bebem os Comets On Fire, se bem que menos ácidos, mas igualmente energéticos. Uma energia que presta reverência a Black Sabbath e a Jimi Hendrix que só podia ganhar expressão na Ecstatic Peace!, a editora de Thurston Moore, que apadrinha este primeiro disco como o produtor e primeiro entusiasta da banda. São 35 minutos que deixam água na boca, o que só pode ser um bom sinal, onde apetece destacar a harmónica no estridente “Unknown” e o duelo saxofone-guitarra no épico inebriante a fechar o álbum que é “Animal”. Se bem que nenhum dos outros 6 temas fique atrás, nomeadamente os candidatos a hit (dentro do género, claro está) “Free Man” e “Hat Energy”. Segundo diz quem já teve o privilégio, o nome Awesome Color ainda faz mais sentido como metáfora de “jam session” quando se assiste ao fenómeno em um concerto, onde os 35 minutos referidos são largamente ultrapassados e podem ir até onde estes três músicos quiserem. Covas Dauro in Escape From Noise
(07-09-2007)

1. Grown
2. Ridin’
3. Free Man
4. Unknown
5. It’s Your Time
6. Hat Energy
7. See Your Hear You
8. Animal

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Balanescu Quartet
«Maria T»
CD Mute Records, €17,95

O Ocidente não a pôde ouvir então (morreu em 1963) devido às circunstâncias políticas vividas pelo seu país, a Roménia, mas o violinista e compositor Alexander Balanescu tenta contrariar tal facto com este "Maria T", homenagem à cantora popular e actriz romena Maria Tanase, a Edith Piaf da mais esquecida das nações europeias. Chegamos até a ouvir a sua voz sobre o trabalho do Balanescu Quartet, quarteto de cordas "clássico" que tem granjeado o seu prestígio em muitas áreas da música de hoje - devêmo-lo às capacidades recuperadoras da tecnologia que está ao serviço da arte dos sons. E que voz, e que figura, reproduzida fantasmaticamente na capa deste belo disco que nos transmite toda a profunda melancolia do povo (termo caido em desuso, nós sabemos, nas sociedades ditas pós-capitalistas em que só existem "populações") que Ceausescu vergou durante décadas. Esta é só a parte áudio do projecto "Maria T", um espectáculo "intermedia" que conta igualmente com o vídeo de Klaus Obermaier, mas funciona muito bem por si própria. Saber que Balanescu trabalhou com Michael Nyman em vários filmes de Peter Greenaway e que o seu percurso passou por colaborações com John Lurie, Ornette Coleman , Pet Shop Boys, Goldfrapp, Kraftwerk ou To Rococo Rot diz pouco sobre o que encontramos neste disco que deve tanto ao folclore cigano da Roménia como à composição contemporânea. E ainda à bateria jazz de Steve Arguelles ocasionalmente acrescentada...
(08-04-2005)

 

Barbed
«Doubleclick Countryside EP»
3"CD LOAF, € 14,50

Este disco é uma longa viagem através da pop animada, do jazz meditativo, dos sons orientais, da música lounge dos anos 50, da philly soul, do folk contemporâneo e da música clássica. E é também um pequeno disco. Cada canção vive e respira no seu pequeno mundo.
Barbed são Alex e Alex (respectivamente Burrow e McKechnie), responsáveis pelo clássico ‘plunderphonic’ "Barbed", lançado em 1994 na These/Recommended Records. Veteranos de estupidamente longos concertos com os semelhantes Negativland, People Like Us e The Tape Beatles, acabaram por se juntar a uns embriónicos Add N to X, e também fornecer a banda sonora para o clássico "The Man Who Couldn’t Feel" de Joram ten Brink. Colaboraram ainda em inúmeras compilações, álbuns ao vivo e remisturas.
No entanto também tiveram tempo para criar uma música diferente, uma que é ao mesmo tempo familiar e no entanto estranha. Pop suave com espinhos escondidos, música farpada (barbed), como o arame, e eles próprios.
(29-06-2007)

“Barbed, the reclusive black-sheep of the UK experimental family” Motion

1. Doubleclick Countryside
2. Slow Jazz
3. $50 Story
4. Philadelphia
5. A Tiger High
6. Swing
7. How About Some Dragonflies?

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Basil Kirchin
«Abstractions of the Industrial North»
CD Trunk Records, € 19,95

Kirchin ausentou-se do convívio dos vivos no passado mês de Junho, mas a sua música teria caído no esquecimento há muito se não fossem os esforços de recuperação da sua obra por parte de Jonny Trunk, um ex-designer de publicidade convertido à edição discográfica e ao coleccionismo de bandas sonoras de filmes e de fotos eróticas e pornográficas da primeira metade do século XX. Entre o jazz, o “easy listening” e a experimentação, este mítico nome da música britânica das franjas na altura em que o Norte da Inglaterra era mesmo industrial tem em “Abstractions of the Industrial North” a sua mais conseguida “soundtrack” de uma longa-metragem que nunca existiu, com uma associação de instrumentos surpreendente para a época (foi gravado em 1966) que inclui cravo, saxofone soprano, marimba e guitarra, esta tocada por Jimmy Page quando ainda os Led Zeppelin não existiam. Não surgem aqui as ousadas manipulações de fita que encontramos em “Quantum”, a sua obra-prima (com outro nome que se tornou famoso entre os seus intérpretes, o saxofonista Evan Parker), e verdade se diga que os procedimentos utilizados são os convencionais da música para cinema, mas o trabalho composicional revelado nestas faixas nada tinha a ver com o que então se fazia, mesmo quando adquire feições “lounge”. Basil Kirchin estava declaradamente à frente do seu tempo e ainda hoje podemos considerar as suas ideias musicais como vanguardistas, se é que este termo ainda quer dizer alguma coisa, dado o desgaste que foi sofrendo. Aliás, coisa que a vanguarda nunca tolerou foi ter uma natureza popular, e o certo é que este filho de um condutor de big band era um músico popular, marginalizado de facto, pouco reconhecido, mas popular por condição. Brian Eno, o pai da “ambient music” e da pop mais sofisticada que hoje se faz, diz-se seu discípulo, assim como os experimentalistas Nurse With Wound, saídos do universo do rock dito “pós-industrial”. Incluídas no CD estão peças bónus de Kirchin, Jack Nathan e John Coleman com a mesma formatação cinematográfica e também elas pouco ouvidas antes, o que é uma mais-valia extra desta edição. Resta saber o que ainda está guardado no baú deste grande inovador, mas com certeza que Trunk anda por lá a vasculhar.
(26-08-2005)

1. Prelude And Dawn
2. Heart Of The North
3. The Observer
4. Conclusion
5. Neautral Background
6. Reflection
7. Packing, Printing And Light Assembley
8. Research Laboratory
9. Communication
10. Lunch Hour Pops
11. Heavy Machinery Misc Basil Library Cues
12. Mind On The Run
13. Where To Go
14. Paranoia
15. Two And Two Are One (Part One)
16. Viva Tamla Motown
17. The Lonely Ones
18. Pageing Sullivan
19. Interatcion
20. Four Against Seven

 

Batfinks
«Towards The Pipet»
3"CD LOAF, € 14,50

Batfinks nasceu em 2008 menos 26 anos em Manchester. Vivendo com a sua família, o seu pai costumava "agredi-lo" (e ao seu irmão David) com sons de banjo. Depois, após o chá, por volta das 8, eram "forçados" a ir com o seu pai a várias salas de Manchester ouvir velhos temas populares da década de 20. Batfinks fugia depois para casa e tentava limpara sua mente com o que quer que encontrasse na rádio...
Nos primeiros anos de escola foi apresentado a um certo Jim Noir. Imediatamente começaram juntos a criar algo, e nos 18 anos seguintes fizeram só isso, criaram sons ridículos, impensáveis, quebraram instrumentos, etc. Batkinks mais tarde viria a conhecer Arie Bolt, cuja voz peculiar parecia encaixar perfeitamente nas suas criações com Jim Noir. Tudo parecia encaminhar-se e assim lançou alguns EP's através da Hippocamp de Jonathon Fisher e fez uma remistura para o 12" "Gioco" de Sirconical, atraindo a atenção do público em geral. Algumas criações suas chegaram às mãos da Lo Recordings, que optaria por lançar um trabalho através da sua sucursal LOAF - este "Towards The Pipet".
E que bela e maravilhosa obra é esta. Pop tão distorcido (não a nível sonoro mas a nível de ideias) e fora do vulgar que automaticamente nos apaixonamos por ele.
(29-06-2007)

1. Peppercorn
2. Futt
3. And So...
4. Im Ylearning

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Battles
«EP C/B EP»
2CD EP Warp, € 17,50

Precisamente na altura em que os militantes do pós-rock se meteram a fazer outras coisas e esse termo caiu em desuso, substituído pela mais neutra e cuidadosa designação “rock instrumental”, eis que um grupo chamado Battles se atreve a voltar aos fundamentos desta tendência, os propostos há uma década. Aliás, não é por acaso que encontramos algo em “EP C/B EP” (resultado da junção na Inglaterra de dois EPs lançados nos EUA em 2004) que nos lembra o excelente “Millions Now Living Will Never Die”, dos Tortoise dos primórdios. E isso apesar de, em vez de dois baixos, os Battles incluírem três guitarristas. A electrónica influi nos conceitos aplicados, mesmo quando não é utilizada, o abstraccionismo sonoro ocupa por vezes o lugar dos “riffs” e das rítmicas “groovy” e o trabalho composicional é claramente mais elaborado do que no rock corrente, seja o de antes como o de depois do dito pós-rock. Nada disto é inocente, obviamente. Entre os quatro Battles, John Stanier desenvolve actividade paralela nos Tomahawk, Tyondai Braxton é filho de peixe e sabe nadar (vindo directamente dos meios da “avant garde”, teve como progenitor um senhor chamado Anthony Braxton, o saxofonista de jazz que deu brado ao tocar com a banda noise Wolf Eyes num palco canadiano), Ian Williams guitarra nos Don Caballero e na mais esquizóide das formações, Storm & Stress, e David Konopka passou pelos Lynx. Ou seja, nos percursos destes músicos inovação e experimentalismo são características definidoras, e deles é de esperar tudo menos conformidade. O que quer dizer que esta revisitação das coordenadas de uma tendência que provavelmente até nunca existiu (o termo “pós-rock” foi inventado por um jornalista da revista Wire) não tem propósitos refundadores ou saudosistas – o que eles se propuseram foi verificar como a música era antes de deixar de ser, a fim de percorrerem outro caminho. A ver onde nos leva. Certo, certo é que Prefuse 73, nome de referência da electrónica, é fã dos Battles e levou-os em digressão para mostrar aos putos que, se o computador e os gira-discos são os instrumentos mais populares de hoje, as guitarras ainda não fizeram tudo o que podem.
(06-04-2006)

Disco 1:
1. SZ2
2. Tras 3
3. IPT2
4. BTTLS
5. Dance
6. Tras

Disco 2:
1. B+T
2. UW
3. Hi/Lo
4. IPT-2
5. Tras 2
6. Fantasy

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Belbury Poly
«The Owl’s Map»
CD Ghost Box, € 15,95

À reciclagem sonomusical operada pela “sampling music” e pelo DJing só faltava mergulhar nos arquivos de som da rádio e da televisão, vulgo “library sounds”, e a tal tarefa se propôs a Ghost Box com o rico espólio da BBC. “The Owl’s Map” é o segundo disco na etiqueta de Belbury Poly, o nome sob o qual se esconde Jim Jupp, e se as coordenadas são as mesmas do anterior “The Willows”, ou seja, as de uma muzak com um “twist” que nos leva de imediato a concluir que não se trata simplesmente de música para elevador, apresenta uma variedade de abordagens mais os ouvidos de um melómano. É novamente muito Eighties, com directas alusões à pop electrónica daquele período, mas com materiais que remontam às décadas de 1960 e 70, senão até mais atrás. Casos da típica sonoridade dos sintetizadores “vintage”, do que com estes fazia o krautrock cósmico de uns Kraftwerk, Tangerine Dream ou Popol Vuh e do que ouvimos nas bandas sonoras da série televisiva “Dr. Who” e do filme “Forbbiden Planet”. Uma mais-valia do disco é o facto de nos surpreender com uma vertente mais “dark” precisamente na altura em que já concluíamos tratar-se de uma graçola tematizada em torno do conceito de “kitsch”. Em algumas partes deste novo álbum Jupp está, inclusive, mais próximo do seu parceiro de editora Eric Zann, ou seja, com algo de “experimental” nos seus parâmetros composicionais. De uma forma ou de outra, o certo é que este trabalho conjura um passado que nunca o foi (passado, entenda-se), tal como alguma crítica escreveu, pela circunstância, afinal de contas, de que esse passado continua a ser o nosso presente. A prova está aqui.
(26-01-2007)

1. Owls and Flowers
2. Rattler's Hey
3. The Moonlawn
4. Music, Movement & Meaning
5. Wetland
6. Tangled Beams
7. The People
8. The New Mobility
9. Pan's Garden
10. Lord Belbury's Folly
11. Scarlet Ceremony
12. Your Way Today

 

Bert Jansch
«The Black Swan»
CD Sanctuary, € 16,95

Diz-se que o escocês Bert Jansch influenciou luminárias da música popular anglo-saxónica como Nick Drake e Neil Young (este afirmou mesmo nos Sixties que ele era o “Jimi Hendrix da guitarra acústica”), e se é certo que actuou com o Sr. Crazy Horse num concerto de beneficência em Outubro passado que mais pareceu uma homenagem às suas contribuições para a inovação das técnicas guitarrísticas, este consagrado da folk está longe de se ter tornado numa personalidade histórica, o tal que batia Bob Dylan nos “charts” britânicos. O muito fresco e surpreendente “The Black Swan” aí está para o comprovar, contando, aliás, com a colaboração de um nome da novíssima geração do outro lado do Atlântico, Devendra Banhart. Não é o único: também aqui estão Otto Hauser dos Espers e dos Vetiver e Helena Espvall daquele primeiro grupo. Até o produtor, Noah Georgeson, é um dos grandes da “weird folk”, tendo trabalhado já com Banhart e com Joanna Newsom. E que maravilha de guitarrista “finger picking” continua Jansch a ser, sempre seduzido pela lógica dos blues e com uma voz de barítono a condizer. Até Jimmy Page tece loas a este antigo membro dos Pentangle: “Quando o ouvi pela primeira vez nem podia acreditar. Ele estava muito à frente de tudo o que se fazia.” Estava então e pelo que aqui se ouve está ainda, fazendo lembrar até outro grande revolucionário do instrumento, John Fahey. Oiçam “Katie Cruel” e espantem-se.
(24-11-2006)

1. Black Swan
2. High Days
3. When The Sun Comes Up (Bert Jansch & Beth Orton)
4. Katie Cruel (Bert Jansch & Beth Orton/Devendra Banhart)
5. My Pocket's Empty
6. Watch The Stars (Bert Jansch & Beth Orton)
7. A Woman Like You
8. Old Triangle
9. Bring Your Religion
10. Texas Cowboy Blues
11. Magdalina's Dance
12. Hey Pretty Girl

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Betty Davis
«Betty Davis»
CD Light In The Attic, € 17,50

Betty Davis
«They Say I'm Different»
CD Light In The Attic, € 17,50

Não se pode pensar na música de artistas como Outkast, Prince, Erykah Badu, Rick James, The Roots, ou mesmo os Red Hot Chili Peppers no início da sua carreira,  sem pensar na influência que Betty Davis teve nesses projectos. O seu particular estilo funk desafia a noção de que as mulheres não podem ser visionárias no mundo do rock e da pop. Em anos mais recentes, rappers de Ice Cube a Talib Kweli ou Ludacris referiram-se à sua música sensual e intensa.
Existe uma frase sobre Betty Davis que não deixa dúvidas: ela era uma mulher à frente do seu tempo. Nos dias de hoje isto pode não ser tão evidente como o era há mais de trinta anos - vivemos num mundo profundamente modificado pela extravagante ostentação da sexualidade feminina: de Parlet a Madonna, Lil Kim ou Kelis. No entanto, em 1973, quando Betty Davis apareceu pela primeira vez com as suas botas prateadas, estilo afro e sorriso deslumbrante, as coisas eram bem diferentes, e não existia qualquer comparação. Marva Whitney tinha a voz mas não a independência. Labelle só seria sexy com "Lady Marmalade" um ano depois, e Millie Jackson só em 1977 é que viria a "Feelin' Bitchy"... Até Tina Turner, a mais óbvia seguidora do estilo de Betty, só o adoptaria no final dessa década.
Para além disso, Betty escreveu  "Uptown" para os Chambers Brothers antes de casar com Miles Davis no final dos anos sessenta, influenciando-o com o rock psicadélico, e apresentando-o a Jimi Hendrix - que viria a inspirar a fantástica obra "Bitches Brew."  
Com todas estas qualidades, por que é que a sua história é quase desconhecida?
Betty Davis estava mesmo à frente no tempo. Não só escreveu todos os temas que gravou, como inclusivamente produziu todos os seus álbuns (à excepção do primeiro). Foi Betty que escreveu alguns dos temas que levariam à contratação dos Commodores pela Motown. Essa mesma editora mais tarde tentaria contratá-la também, mas Betty declinou devido a algumas cláusulas contratuais. Ao mudar-se para o Reino Unido, Betty Davis seria aconselhada por Marc Bolan dos T. Rex a escrever para si própria. Uma coisa é certa, nunca deixou o seu estilo 'do-it-yourself', e afastava todos aqueles que não pensassem do mesmo modo. Chegou até a rejeitar Eric Clapton para a produção de um álbum, considerando-o como demasiado banal...
Em 1973 finalmente daria prioridade à sua carreira com uma extraordinário álbum homónimo de funk progressivo e soul delirante. O disco foi gravado com a secção rítmica dos Sly & The Family Stone, genialmente produzido pelo seu baterista Greg Errico, e incluía a colaboração vocal de Sylvester e as Pointer Sisters.
O seu segundo trabalho "They Say I'm Different" mostra, na capa e não só, uma Betty Davis desafiadora no seu estilo ficção científica à David Bowie, com melodias funk quentes e extravagantes. O primeiro tema "Shoo-B-Doop and Cop Him" (mais tarde 'samplado' por Ice Cube) é o ponto de partida para uma viagem inesquecível e intensa.
Infelizmente nos dias de hoje Betty Davis está completamente falida, vivendo no ghetto de Pittsburgh. Pela primeira vez, e muito merecidamente, os seus dois primeiros álbuns foram remasterizados a partir das fitas originais, de modo a soarem tão intensos e revolucionários como o foram aquando da sua edição no início dos anos 70. Estas reedições são também marcadas pelo facto de pela primeira vez na vida, Betty Davis vir a receber direitos da sua música em CD.
Betty Davis deu a sua primeira entrevista em 30 anos no passado dia 21 de Julho. Ouça aqui.
(10-08-2007)

"If Betty were singing today she would be something like Madonna, something like Prince only as a woman." Miles Davis

"She introduced Miles to Hendrix's music and got him interested in the hardcore rock stuff. (Herbie Hancock)
Betty was a G for real." Ice Cube

"When I first saw her album cover, I fell in love." Rick James

"Warning: She is pure uncut funk way ahead of her time." Prince Paul (De La Soul, Handsome Boy Modeling School)

"She was the first Madonna, but Madonna is more like Marie Osmond compared to Betty Davis. Betty Davis was a real ferocious Black Panther woman. You couldn't tame Betty Davis." Santana

«Betty Davis»:
1. If I'm In Luck I Might Get Picked Up
2. Walkin Up The Road
3. Anti Love Song
4. Your Man My Man
5. Ooh Yeah
6. Steppin In Her I. Miller Shoes
7. Game Is My Middle Name
8. In The Meantime
9. Come Take Me (Previously Unreleased (1974))
10. You Won't See Me In The Morning (Previously Unreleased (1974))
11. I Will Take That Ride (Previously Unreleased (1974))

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«They Say I'm Different»
1. Shoo-B-Doop and Cop Him
2. He Was A Big Freak
3. Your Mama Wants Ya Back
4. Don't Call Her No Tramp
5. Git In There
6. They Say I'm Different
7. 70's Blues
8. Special People
9. He Was A Big Freak (Previously Unreleased (1973) Record Plant Rough Mixes)
10. Don't Call Her No Tramp (Previously Unreleased (1973) Record Plant Rough Mixes)
11. Git In There (Previously Unreleased (1973) Record Plant Rough Mixes)
12. 70's Blues (Previously Unreleased (1973) Record Plant Rough Mixes)

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Betty Page
«Jungle Girl»
CD QDK, €15,50

1. Rumbanita
2. Fly By Night
3. Jungle Jazz
4. Dance of the Insects
5. X Cert
6. Let´s Go
7. Bianca Blanca
8. Bongos, Bass ´N´Beat
9. Industrial Samba
10. Lucky Mambo
11. Mambonanza
12. Man From Malibu-Latin
13. Man From Malibu-Ending
14. Moon Over Rio
15. Roger Mambo
16. Breakins Point
17. Crimes
18. Detective Theme
19. James Bond Theme
20. Softly Sally
21. Swinsins City
22. Attente
23. Sweet Danses
24. Sun Girl

 

Bibio
«Hand Cranked»
CD Mush Records, € 16,50

Uma guitarra acústica de cordas de aço, piano, acordeão, violoncelo, gaita de foles, processadores electrónicos para transformar o que faz com eles, gravadores de cassetes portáteis, um dictafone e um sampler em “panne” para recolha de “found sounds” da natureza – são estes os instrumentos utilizados na música de Stephen Wilkinson, o homem por detrás do dístico Bibio que gosta de basear as suas composições em “loops” de acordes, tal como os Boards of Canada. Foi este grupo, aliás, que o apresentou à Mush Records, sendo “Hand Cranked” o seu segundo álbum na etiqueta, continuação das propostas feitas no anterior “fi”. As estruturas são estáticas e repetitivas, só algumas vezes passando pelo uso de “drones”, mas os fundamentos vêm das baladas folk da Inglaterra profunda. Isto na vertente especificamente electrónica do disco, porque “Abberiw” já é uma autêntica canção. O resultado é assaz curioso, como se o “plucking” típico da Incredible String Band tivesse sido adoptado pela Warp Records, com umas pitadas de My Bloody Valentine e de Tortoise pelo meio. É uma outra “ambient music” o que Wilkinson propõe, concebida em meio rural e impregnada de pastoralismo. Refrescante, sem dúvida, e uma excepção num tempo marcado pela alta-fidelidade e pelo artifício digital.
(21-07-2006)

1. Cranking House
2. Cherry Go Round
3. Quantock
4. Black Country Blue
5. Marram
6. Aberriw
7. Zoopraxiphone
8. DYFI
9. Ffwrnais
10. Woodington
11. Above the Rooftops
12. Snowbow
13. Maroon Lagoon
14. Overgrown

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Bill Callahan
«Woke On a Whaleheart»
CD/LP Drag City, € 16,50/€ 12,50

Poder-se-á dizer que este é o álbum de estreia de Bill Callahan, já que ainda que tenha assinado mais de uma dúzia de álbuns sob o nome de Smog, deixou agora em repouso esse projecto, e "Woke On a Whaleheart" é a estreia. Com o mesmo espírito aventureiro, Bill Callahan fez um álbum nascido na escola de música que é a sua alma e coração, onde as várias influências que adquiriu ao longo da sua vasta carreira são resumidas em nove temas de pura reflexão. Incluindo majestosos e brilhantes arranjos de Neil Michael Hagerty (ex-Royal Trux e actualmente com Howling Hex), este álbum consegue passar ao lado das tão imediatas tendências actuais, evitando também armadilhas retro tão em voga nos dias que correm. Com um misto de vozes gospel da autoria de Deani Pugh-Flemmings da Igreja Baptista Olivet, da guitarra incendiária de Pete Denton, e dos melodiosos violinos de Elizabeth Warren, a música de "Woke On a Whaleheart" álbum toca áreas tão distintas como o gospel, a pop agreste e a ópera 'light' americana. É sem dúvida uma grande estreia de um artista que nada tem de estreante...
(11-05-2007)

1. From The Rivers To The Oceans
2. Footprints
3. Diamond Dancer
4. Sycamore
5. The Wheel
6. Honeymoon Child
7. Day
8. Night
9. A Man Needs A Woman Or A Man, To Be A Man

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Bill Fay Group
«Tomorrow, Tomorrow and Tomorrow»
LP Drag City, € 12,95

Afinal, a “weird folk” começou no final da década de 1970, com um senhor chamado Bill Fay que lançou dois discos (“Bill Fay Group” e “Time of the Last Persecution”) para logo desaparecer de cena (“Não fui eu quem deixou a música, foi a indústria musical que me deixou a mim”, esclareceu ele mais de 20 anos depois). Gravou um terceiro que ficou na gaveta, e é este que agora tem edição, com a versão em vinil pela Drag City e a em CD pela Durtro de David Tibet (por cá, só nos chegou a primeira), com algumas diferenças entre ambas. E de facto, fica por demais evidente que Fay entrou no mundo da música antes de tempo – não era todos os dias que na altura se ouviam canções folk com um guitarrista de free jazz (Ray Russell), um grupo de instrumentistas com actividade na livre-improvisação (Gary Smith, Rauf Galip e Bill Stratton ficaram conhecidos nesta área como membros do Acme Quartet) e orquestrações de dimensão cinematográfica. Aliás, foi preciso percorrer muito caminho para que um Scott Walker se atrevesse a algo como “Tilt”, mas Bill Fay começou logo por aí e foi mal compreendido. Tudo estava contra a sua aceitação: as suas composições tinham um cunho acentuadamente dramático, mas a voz parecia ser a do transeunte que viu ao longe (tão longe que nem se apercebeu da súbita fissura no fluxo do tempo a que chamamos entropia) dois automóveis a chocarem de frente a 250 Km/h, e as letras nunca eram totalmente sombrias, nem propriamente esperançosas, mas um paradoxo que se alimentava de si mesmo. Em “Tomorrow Tomorrow and Tomorrow” Russel já não está presente, mas o disco consegue ser mais experimental ainda que os anteriores, indo da balada falsamente tradicional ao rock sintetizado com temas políticos e de uma espiritualidade de fundamentação cristã, a voz de Fay surgindo várias vezes sobregravada em harmonizações assaz curiosas. A interrogação que agora fica é saber se este pioneiro vai finalmente reatar a sua produção musical, de maneira a que, depois de ter feito história, possa construir o futuro, voltando a enganar os usos e costumes e a abrir novas estradas.
(25-08-2006)

1. Change is Near
2. Strange Stairway
3. Spiritual Mansions
4. Planet Earth, Daytime
5. Tomorrow, Tomorrow & Tomorrow
6. Cosmic Boxer
7. Pear Tree
8. Life
9. Hypocrite
10. My Friend
11. Man
12. Sam
13. Isles of Sleep

 

Billy MacKenzie
«Auchtermatic»
«Transmission Impossible»
Billy MacKenzie/Paul Haig
«Memory Palace»
CD's One Little Indian, cada € 17,50

«Auchtermatic»:
1. Sour Jewel
2. Hornophobic
3. The Soul That Sings
4. Here Comes The Rain Again
5. Achieved In The Valley Of Dolls
6. Falling Out With The Future
7. Anacostia Bay (At The Edge Of The World)
8. Velvet
9. Norma Jean
10. Pain In Any Language

«Transmission Impossible»:
1. Wild Is The Wind
2. Nocturne Seven
3. Satellite Life
4. Never Turn Your Back On Mother Earth
5. Fourteen Mirrors
6. And This She Knows
7. Liberty Lounge
8. Blue It Is
9. When The World Was Young
10. Beyond The Sun
11. Sing That Song Again
12. At The Edge Of The World
13. Winter Academy

«Memory Palace»:
1. Thunderstorm
2. Stone The Memory Place
3. Beyond Love
4. Trans obsession
5. Trash 3
6. Listen To Me
7. Listen Again
8. Take A Chance
9. Give Me Time
10. Give Me Time (Dennis Wheatly Mix)
11. Beyond Love (Remix)
12. Stone The Memory Place (Remix)
13. Thunderstorm (Remix)

 

Biosphere
«Dropsonde»
CD Touch, € 15,95

Poucos como Geir Jenssen, aka Biosphere, foram tão bem sucedidos em continuar os preceitos do ambientalismo na electrónica, colocando em circulação obras que chegaram mesmo a ultrapassar em conseguimento e pertinência as que fundaram o género, da autoria do nem sempre feliz Brian Eno. Ainda que continuando a sua dedicação ao paisagismo sonoro, é outra, no entanto, a agenda do norueguês no novo “Dropsonde”. Depois do austero e brilhante “Autour de la Lune”, a sua homenagem ao romance de Jules Verne com o mesmo título, ei-lo que volta ao domínio do “beat” que marcou os seus inícios (“Cirque” é o disco com que inevitavelmente é comparado), com a inclusão de ritmos de bateria provenientes do jazz mais “groovy”. Ao que parece, trata-se de “samples” e todas as suspeitas levam a acreditar que as fontes foram os velhos LPs da Blue Note, mas nenhuma indicação é dada a esse respeito na ficha técnica. O simples facto é suficiente para alterar de modo substancial os parâmetros em que o projecto Biosphere se tem movimentado. Se de disco para disco o ouvimos em busca da máxima depuração, a introdução de elementos percussivos leva-o agora a optar por uma maior riqueza tanto ao nível das texturas como da própria composição. Daí até uma comparação com os modalismos eléctricos de Miles Davis ou Jon Hassell vai uma grande distância, mas a alusão tem sido feita por alguma crítica. De facto, nem Hassell nem muito menos Davis cuidaram de forma tão propositada o “mood” das suas respectivas músicas – nesse aspecto, uma boa parte das preocupações da fórmula Biosphere ainda vai para a sustentação de atmosferas e estados de espírito.
(13-01-2006)

1. Dissolving Clouds
2. Birds Fly By Flapping their Wings
3. Warmed By the Drift
4. In Triple Time
5. From a Solid To a Liquid
6. Arafura
7. Fall In, Fall Out
8. Daphnis 26
9. Altostratus
10. Sherbrooke
11. People Are Friends

 

BJ Nilsen
«The Short Night»
CD Touch, € 15,95

Fazendo uso das gravações de locais, tempo, sons de pássaros e rádio, BJNilsen continua a fazer o mapa e a explorar terreno inexplorado.

Seguidor de "Fade To White" de 2005, BJNilsen desenvolve a sua obra ainda mais, baseando-se em gravações no terreno e da electrónica experimental. Desta vez junta às harmonias ásperas - mas mais claras e perceptíveis - elementos musicais tradicionais criando um estudo maravilhosamente complexo e detalhado. Gravado em 2006 e 2007 na sua maioria com equipamento analógico e fazendo uso de gravadores de fita com mais de 50 anos, filtros e geradores, Nilsen obteve como resultado uma obra que acaba por ser quente e envolvente, contrastando com os locais frios e agrestes onde foi gravada: Malaren e Estocolmo na Suécia, Combe Gibbet, Berkshire em Inglaterra e Landakot, Vatnsleysuströnd, na Islândia.
(12-10-2007)

1. Front
2. Finisterre
3. Pole of Inaccessibility
4. Viking, Cromarty...
5. Black Light
6. Icing Station
7. Viking North

 

Bjørn Torske
«Feil Knapp»
CD Smalltown Supersound, € 15,95

Com alguns meses de atraso em relação à edição internacional, "Feil Knapp", um dos grandes álbuns deste ano, chega finalmente à nossa loja.
Quando perguntaram a Prins Thomas "quem é o artista com quem gostarias de trabalhar, se tivesses oportunidade?" imediatamente respondeu "se o pudesse fazer sair da toca por um momento, gostaria de convidar Bjørn Torske...". Parece que a espera acabou, já que após 6 anos de silênciao (o seu último disco foi em “Trøbbel”, lançado na Telle. Em muitos aspectos "Feil Knapp" representa o som que se situa entre “Trøbbel”, o seminal de 1999 “Nedi Myra” editado na Ferox e o seu tema de culto underground “Søppelmann”, na Svek em 2001.

Com influências tão vastas como Count Ossie e os Residents, ou 23 Skidoo e Idjut Boys, Torske criou o seu som característico, uma mistura quente de house melancólico com avant-disco, electrónica ambiental e mesmo o dub psicadélico.

"Feil Knapp" é o regresso em grande de Torske, e uma obra-prima da nu-house, avant-disco ou o que quer que lhe queiram chamar.

"Just when you thought Bjorn Torske had fallen off the radar (his last output was the fantastic Trobbel LP on Telle a few years back) he resurfaces with three tracks that typify his lopsided take on the dancefloor” (DJ Magazine sobre 12" editado em 2006) 

“A leftfield genius” (Piccadilly Records)
(29-11-2007)

1. Hemmelig Orkester
2. Hatten Passer
3. Spelunker
4. Tur I Maskinparken
5. Loe Bar
6. Kapteinens Skjegg
7. Møljekalas
8. God Kveld
9. Ørkenrotta
10. Fembussen Hjem

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Black Devil Disco Club
«28 After»
CD/LP Lo Recordings, € 16,50

Quase trinta anos após o primeiro álbum, essa obra prima do disco tem um sucessor, uma viagem épica pelo electro-disco profundo, vozes fantasmagóricas, letras distorcidas, electrónica estranha mas melódica, e beats intensos.
Em 2004 a editora Rephlex, dos Aphex Twin, lançou um álbum dos Black Devil chamado "Disco club". Tratava-ve de uma reedição de um clássico perdido supostamente de  ‘italo disco’, de 1978. Devido ao seu som extremamente actual, muitos duvidaram da sua autenticidade, sugerindo-se mesmo que se tratava de um produto da colaboração entre o próprio Richard James e Luke Vibert.
A verdadeira história é ainda mais estranha. Ainda que creditado a Joachim Sherylee e Junior Claristidge, com a produção a cargo de  Jacky Giordano, o álbum é, na realidade, obra do obscuro produtor francês Bernard Fèvre, conhecido apenas pela extremamente rara obra-prima electrónica "The Strange World of Bernard Fèvre", e o ainda mais raro "Earthmessage", 'samplado' pelos Chemical Brothers em "Got Glint?", do seu disco "Surrender".
Agora surge um novo trabalho, tão semelhante em som e estrutura ao original que é difícil perceber se foi criado por altura do original de há 28 anos, ou nos anos recentes. Uma coisa é certa, não escutarão este ano mais nenhum disco tão fora do vulgar e intrigante. E afinal, quem sabe do segredo Black Devil Disco Club?
(13-04-2007)

1. The Devil In Us
2. On Just Foot
3. Coach Me
4. I Regret The Flower Power
5. Constantly No Respect
6. An Other Skin

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Black Devil Disco Club
«In Dub»
CD/LP Lo Recordings, € 16,50

Ainda não completamente refeitos do incrível “28 After”, eis que os Black Devil regressam com o seu disco-sound sinistro, que nos remete tanto para os Joy Division como para Giorgio Moroder.
Contendo 6 versões dub dos temas do álbum feitas pelo próprio Devil, e ainda outras 6 de alguns dos seus maiores fãs, que por acaso são também alguns dos expoentes do “cosmic nu disco sound”, este trabalho vai mais além a nível sonoro, explorando os recantos mais obscuros desse novo estilo musical. Senão vejamos:
-os Elitechnique, que recentemente fizeram uma mistura para Alden Tyrell e um 12’’ na fantástica etiqueta Clone, produzem um verdadeiro monstro techno, e agora com a vocalização em francês, ainda mais bizarro fse torna;
-Prins Thomas expande o original para um distorcido ente espacial de enormes proporções;
-a fina-flor de Brooklyn, o ilustre In Flagranti, dá-nos uma mistura profunda e intensa que nos põe a sorrir;
-os Quiet Village, que têm feito algumas das melhores versões para famosos como os Gorillaz e outros não tanto como Allez Allez e Cosmo Vitelli, esgotando sempre as suas tiragens na Whatever We Want, criam aqui um ‘thriller’ psicológico digno de John Carpenter. Este tema temos de ouvir com o volume no máximo, para ser apreciado eficazmente;
-os Black Mustang levam-nos a uma volta de montanha russa, aos mais escuros recantos do “acid disco”;
-e para finalizar, Unit 4 (também conhecido por Jupiter Black/Isolators) produzem provavelmente o seu maior sucesso. Uma linda amostra da electrónica do século XXI.
Não um disco de temas originais, já que os escutámos exaustivamente no álbum "28 After", "In Dub" é, de qualquer modo, uma pérola, não só pelas excelentes versões, como pelos intervenientes presentes, nomes que têm marcado esta nova vertente da música de dança. Obrigatório.
(29-06-2007)

CD
Part 1:
1. The Devil In Us (Dub)
2. On Just Foot (Dub)
3. Coach Me (Dub)
4. I Regret The Flower Power (Dub)
5. Constantly No Respect (Dub)
6. An Other Skin (Dub)

Part 2:
7. The Devil In Us (En Francais) c/ Elitechnique
8. On Just Foot (Slide Inside) c/ Prins Thomas
9. Coach Me (Again and Again) c/ In Flagranti
10. I Regret The Flower Power (Fragments Of Fear) c/ Quiet Village
11. Constantly No Respect ( The Phenomena of) c/ Black Mustang
12. An Other Skin (Days Of Blackula) c/ Unit 4

LP:
1. The Devil In Us (Dub)
2. On Just Foot (Dub)
3. Coach Me (Dub)
4. I Regret The Flower Power (Dub)
5. Constantly No Respect (Dub)
6. An Other Skin (Dub)

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Black Dice
«Load Blown»
CD Paw Tracks, € 16,50

Longe do som agreste e quase inaudível a que nos habituaram ao longo da sua já extensa carreira, "Load blown", uma recolha dos máxis editados ao longo deste ano na Paw Tracks, envereda pela electrónica mais suave e surpreende aquele mais renitente ao noise de discos anteriores. Ao invés de paredes de som em colapso sobre nós, temos lençóis de peças electrónicas a acariciarem-nos delicadamente. Nem tanto ao mar nem tanto à terra, poderão alguns dizer, mas "Load Blown" tem também aquela magia dos álbuns anteriores, algo que nos atrai inexplicavelmente e faz com que ouçamos o disco em repeat até à exaustão. Surpreendente!
(26-10-2007)

1. Kokomo
2. Roll Up
3. Gore
4. Bottom Feeder
5. Scavenger
6. Drool
7. Toka Toka
8. Cowboy Soundcheck
9. Bananas
10. Manoman

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The Boats
«We Made It For You»
CD Moteer, € 17,50

O piano é a base de sustentação das montagens electrónicas de “We Made It For You”, como se Erik Satie, Michael Nyman e Ryuichi Sakamoto fossem envolvidos pelo “manto diáfano” do chill out, mesmo assim mantendo a “nudez crua da verdade”, sendo esta a sonoridade daquele instrumento, cuja distinção tímbrica é sempre mantida. Jen Jelinek é também uma referência próxima, se quisermos explicar por antecipação o que nos é oferecido neste belo disco. E no entanto, esta é uma música que segue o seu próprio caminho, minimal sem ser esquelética e ambiental apesar de não servir como fundo para outras actividades. A house não está muito longe dos fundamentos e dos horizontes desta dupla formada por Craig Tattersall e Andrew Johnson, mas a sua contraparte é fornecida por reminiscências do impressionismo e até do romantismo pianísticos. Nesta equação, desapareceu o factor pop que caracterizou o primeiro álbum dos Boats, saído menos de um ano antes, “Songs By the Sea”. Desta vez, trata-se de música instrumental, feita com minúcia e microscopia, tantos e tão particulares são os detalhes. Em consequência, as estruturas são de uma extrema fragilidade – um som a mais, um processamento inadequado e tudo desmoronaria. Os nomes das faixas são as suas dedicatórias a um grupo de amigos, fazendo-nos sentir que estas melodias e estas harmonias fragmentadas ou em dissipação têm gente dentro. E daí o calor que emanam – esta é uma electrónica de dimensão humana, uma raridade num tempo em que tudo se centra nas capacidades (e nas incapacidades, o que vai dar no mesmo) das máquinas. Afinal, não é desta que o piano será substituído pelo computador...
(26-01-2006)

1. Jumble
2. Sarah Alice
3. Mum & Dad
4. Miles, Sean & Bodie
5. Andrew & Linsey
6. Donna, Paul & Grace
7. Nicola H
8. Annabel
9. Darren
10. Chris, Elaine & Lucy
11. Bob, Ben & Kipper
12. Bobbin
13. Jonathan & Rob
14. Nicola

 

Bonnie 'Prince' Billy
«The Letting Go»
CD Domino, € 17,95

1. Love Comes To Me
2. Strange Form Of Life
3. Wai
4. Cursed Sleep
5. No Bad News
6. Cold & Wet
7. Big Friday
8. Lay And Love
9. The Seedling
10. Then The Letting Go
11. God's Small Song
12. I Called You Back

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Clique aqui para ver os 'spots' de "The Letting Go", com a participação de Neil Hamburger

 

Bonnie "Prince" Billy
«Summer in the Southeast»
CD/2LP Sea Note/Drag City, € 16,50

Pode Will Oldham surgir em disco ou nos palcos sob vários nomes, entre os quais o de Bonnie "Prince" Billy, que o seu estilo melancólico é sempre o mesmo, roçando até a claustrofobia e a depressão. Ou quase, pois a excepção acaba de nos chegar e chama-se "Summer in the Southeast", resultado de uma digressão desta estrela da nova folk pelos estados do Sudeste dos EUA. É isso, leram bem: trata-se do primeiro álbum ao vivo do aclamado "songwriter". Oiçam "Death to Everyone" (que título ameaçador, heim?) e espantem-se com a forma como associa o canto a capella com o que parece ser heavy metal. Este tema pode ser gótico, mas triste não é de certeza. E não é só neste disco que o ouvimos a distanciar-se do figurino em que o temos vindo a colocar - em Janeiro sairá o seu CD com os Tortoise, naquela que é a mais inesperada das colaborações, e para cúmulo a interpretar clássicos de Elton John, Milton Nascimento, Devo, Minutemen e Bruce Springsteen, entre outros. Chocados? Não vale a pena, pois estes cruzamentos são mesmo um sinal dos tempos. E é assim que, misturadas com novas canções, ouvimos neste Sea Note as já conhecidas "Master and Everyone", "Ease Down the Road" e "I See a Darkness" com um formato bem diferente. Oldham não nos dá mais do mesmo, melhora e procura outros ângulos. Um deles, e talvez o mais frequente, vem ao jeito de country-rock de garagem, o que soa a interessante só de dizer. "A Sucker's Evening" introduz outros ingredientes, assemelhando-se a algo que os Velvet Underground poderiam ter gravado, com a diferença de que a letra é bem melhor do que as escritas por Lou Reed e de que o tom é ainda mais ébrio, com o bourbon a tomar o lugar dos ácidos como substância inspiradora. Já se tem dito que Will "Bonnie" "Palace" Oldham compõe "drunken songs", mas nunca elas pareceram tão bêbadas como aqui.
(11-11-2005)

1. Master and Everyone
2. Pushkin
3. Blokbuster
4. Wolf Among Wolves
5. May It Always Be
6. Break of Day
7. Sucker's Evening
8. Nomadic Revery
9. I See a Darkness
10. O Let It Be
11. Beast for Thee
12. Death to Everyone
13. Even If Love
14. I Send My Love to You
15. Take However Long You Want
16. Madeleine Mary
17. Ease Down the Road

 

The Books
«Lost and Safe»
CD Tomlab,
€ 17,50

1. Little Longing Goes Away
2. Be Good To Them Always
3. Vogt Dig For Kloppervok
4. Smells Like Content
5. It Never Changes To Stop
6. Animated Description Of Mr Maps
7. Venice
8. None But Shining Hours
9. If Not Now Whenever
10. Owl With Knees
11. Twelve Fold Chain

 

Boredoms
«Super Roots»
«Super Roots 3»
«Super Roots 5»
«Super Roots 6»
«Super Roots 7»
«Super Roots 8»
CD's Very Friendly, € 15,95 cada

Seis reedições das super-root-series dos Boredoms (ou V∞redoms), banda japonesa de Osaka de rock-noise criativo que já conta com 20 anos de actividade (a 1ª gravação data de 1986).
O primeiro volume das "Super Roots" de 1993 é um EP com 14 faixas em 20 minutos; "Super Roots 3" data de 1994 e consiste numa única faixa de 33 minutos, com influências do metal e do psicadelismo; "Super Roots 5", de 1995, consiste numa única faixa de 64 minutos, uma evolução do volume anterior para ambientes mais pacíficos; "Super Roots 6", também de 1995, é constituído por 17 faixas diversificadas em 66 minutos; "Super Roots 7", de 1997, contém 3 faixas em 33 minutos, e nota-se aqui uma aproximação à electrónica. Finalmente "Super Roots 8", de 1999, contém 3 faixas em 15 minutos, uma evolução em relação ao volume anterior, numa proposta em direcção à electrónica tribal. Actualmente os Boredoms continuam a explorar caminhos nunca antes “navegados”; exactamente às 7:07 do dia 7 de Julho do ano 2007 juntaram-se a 77(!) bateristas num parque de Brooklin para um concerto de cariz místico...é caso para dizer “wish you were here”.
(24-08-2007)

 

Boris
«Akuma No Uta»
CD Southern Lord, € 17,50

Não se deixem enganar pelo "drone metal" que abre "Akuma No Uta" à maneira de uns Acid Mothers Temple. O resto do disco, e logo começando pela segunda faixa, "Ibitsu", tem o "drive" do punk e o fantasismo do rock psicadélico, parecendo, como já a crítica afirmou, uma espécie de "Hendrix meets the Stooges" com a particular marca do país do Sol Nascente. Nuns casos ganha o punk, noutros o psicadelismo, mas o último tema, aquele que dá título ao álbum, volta aos domínios do metal, arrancando com uma abordagem à Earth e mudando de súbito para uma situação do mais típico "headbanging". Já "Ano Onna No Onryou" é outra coisa: "stoner rock", ou seja, rock tocado sob o efeito de estupefacientes (de facto ou teatralmente aludido), com uma dimensão "freakout" que faz lembrar as improvisações estruturalmente estáticas dos anos 1960/70. A ambiguidade estilística, que não a colagem ou a fusão, é o que caracteriza os Boris, não se percebendo muito bem onde termina a condição "garage" e tem início a atitude experimental. Seja como for, estes mesmos Boris já tocaram com Merzbow e Keiji Haino, os papas do noise idiomático, aquele que ainda tem raízes no rock 'n' roll. E são os mesmos que lançaram "Absolutego", 65 minutos de "feedback" controlado. Se a capa deste novo opus faz referência à de "Bryter Layter", de Nick Drake, apenas substituindo a guitarra acústica por um baixo/guitarra eléctrico de duplo braço, trata-se apenas de mais uma piscadela de olho para quem, como Takeshi, Wata e Atsuo, conhece bem a história da música popular urbana. Aliás, o que alguns poderão tomar como "retro" não passa de consciência histórica, tão válida, afinal, como ter consciência política ou "consciência de classe", para retomar uma terminologia que caiu em desuso com o definhamento do marxismo. O nome Boris, de resto, vem de uma canção do álbum "Bullhead", dos Melvins. Imaginam a discoteca dos rapazes?
(05-08-2005)

1. Introduction
2. Ibitsu
3. Furi
4. Naki Kyoku
5. Ano Onna No Onryuou
6. Akuma No Uta

 

Boris
«Pink»
CD Southern Lord, € 17,50

A comunidade metaleira não gosta deste disco cor-de-rosa, mas o facto é que os japoneses Boris fizeram o seu mais metálico álbum de sempre. É certo que um metal interferido pelo psicadelismo que tem sido a causa do grupo, como se a luz rosada das alucinações de Philip K. Dick também os encadeasse, mas com todos os ingredientes que definem o género. Prova de que o tratado das cores de Wittgenstein diz também respeito à música, “Pink” será a menos experimental das edições discográficas deste trio, mas convenhamos que o misto de Motorhead e Sigur Rós que aqui encontramos não é propriamente coisa óbvia, mesmo sabendo que Lemmy, o líder dos primeiros, esteve antes nos Hawkwind, um antepassado em termos estilísticos dos islandeses. Muito longe das colaborações que mantiveram com Merzbow, Keiji Haino e Masonna, Wata, Takeshi e Atsuo mergulham nas raízes do rock and roll e voltam à superfície para proporem uma nova perspectiva do mesmo. Cheia de “feedback” guitarrístico, mas deste vez plenamente controlado.
(07-07-2006)

1. Farewell
2. Pink
3. Woman on the Screen
4. Nothing Special
5. Blackout
6. Electric
7. Pseudo-Bread
8. Afterburner
9. Six, Three Times  
10. My Machine
11. Just Abandoned My-Self

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Boris with Michio Kurihara
«Rainbow»
CD Drag City, € 16,50

Como os fãs já sabem, somos sempre surpreendidos pelos trabalhos do trio japonês Boris, seja nos seus álbuns a solo ou nas suas colaborações (como por exemplo o genial «Altar» com os SunnO)))). E desta vez eles não fugiram à regra, já que convidaram Michio Kurihara dos Ghost para as suas experiências, transformando «Rainbow» numa obra seminal da nova música nipónica. Por vezes aproximam-se perigosamente do som dos Ghost mas mantém sempre o seu toque único e distinto, sabendo aplicar as suas fórmulas sonoras a que já nos habituaram.
(03-08-2007)

"I was almost at the end of my own Boris rope, but Rainbow gave me a jolt, sounding a lot like something that would've set up camp on my turntable a dozen years ago when I memorized those Forced Exposure catalogues. It's vintage and totally invigorating. The immediate Pink punk-slap isn't here, but where the former nails one hue and keeps running with it, I can imagine this new, deeper set keeping me cozy for years to come. It's already eerily familiar." Brandon Stosuy in Pitchfork

1. Rafflesia
2. Rainbow
3. Starship Narrator
4. My Rain
5. Shine
6. You Laughed Like a Water Mark
7. Fuzzy Reactor
8. Sweet No.1
9. No Sleep 'Til I Become Hollow

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Brian Eno
«Another Day on Earth»
CD Opal/Hannibal, €17,50

Brian Enos há muitos, como toda a gente sabe, desde o progenitor da "ambient music" ao produtor de David Bowie, U2 e James. Este que aqui (re)encontramos é o que há 20 anos já esta personagem da cultura popular urbana tinha abandonado, o Brian Eno autor e intérprete de canções, na linha de "Before and After Science" ou "Another Green World". Em "Another Day on Earth" voltamos a ouvir o cantor de voz anasalada da pop futurista que descolou dos Roxy Music, seja "au naturel" ou munido de um vocoder que ainda torna mais irreal e onírica a música que nos oferta. "And Then So Clear" acrescenta-se a "Babies on Fire", "St. Elmo's Fire" e "The River" na sua galeria de grandes temas, "Bottomliners" revela-nos o seu insuspeito gosto pelo gospel e "Bonebomb" lembra-nos a costela mais experimental deste "não-músico" (é assim que ele continua a apresentar-se) que está na origem de muitos dos desenvolvimentos a que vimos assistindo nas músicas de ponta. Mas não é só aos seus discos cantados que este novo título nos remete - muitos dos procedimentos de produção com que aqui nos deparamos foram estreados por Eno em 1990 num trabalho de John Cale, "Wrong Way Up", ou são a súmula do que vem aplicando nas edições de uma mão-cheia de nomes grandes da pop. Aliás, se há coisa que este CD tem de muito evidente é a produção, tanto assim que as próprias composições estão inseridas numa lógica produtiva que vai até ao mais ínfimo pormenor. Para equilibrar esta dimensão de complexidade, as melodias das canções são muito simples, quase sempre sob a forma de balada ou de "soundscapes" encimados por voz (caso, por exemplo, de "Going Unconscious", um "spoken work" dito por Inge Zalaliene). Convém, de resto, assinalar que o Eno ambientalista está também presente ao longo destas faixas e seja o que nos recorda "Music For Airports" como o de "Nerve Net", a sua incursão pelo mundo da dança. Talvez haja um Brian Eno transversal em cada um dos Brian Enos que ele é, mas se o criador de atmosferas e estados de espírito influi nesta colecção de canções, o cantor não está em "Apollo". Um motivo extra para considerar o valor desta edição.
(15-07-2005) 

1. This
2. And Then So Clear
3. A Long Way Down
4. Going Unconscious
5. Caught Between
6. Passing Over
7. How Many Worlds
8. Bottomliners
9. Just Another Day
10. Under
11. Bone Bomb

 

Bridge 61
«Journal»
CD Atavistic, € 16,50

Ken Vandermark não pára de formar grupos, e o seu novo Bridge 61 estabelece a ligação que faltava entre os Spaceways Inc, aos quais, aliás, vai buscar um elemento, o contrabaixista / baixista eléctrico Nate McBride, e os Vandermark 5, repetindo deste a presença de um segundo instrumento de palheta, no caso o clarinete baixo de Jason Stein. Participa ainda um músico que já não ouvíamos tocar com ele há algum tempo, o baterista de mão pesada Tim Daisy, essencial para o “punch” pretendido. A fórmula aplicada em “Journal” está, como se esperaria, “in between”, com por um lado o funk do projecto que liga a mística espacial e pan-africana de Sun Ra à mais jingona e identificada com o movimento Black Power que caracterizou os Funkadelic (Spaceways Inc), e por outro o free bop carregado de energia rock do seu supergrupo (Vandermark 5). Pelo meio acrescenta um ingrediente extra: o rhythm & blues saxofonístico, dando uma incrível mobilidade discursiva a um instrumento que a tem pouca, o barítono. O que quer dizer que a música que ouvimos neste CD é especialmente intensa, logo anunciando os seus propósitos na peça de abertura, “Various Fires”, dedicada aos This Heat, a banda britãnica que em “Deceit” nos convidava a dormir com o encantatório refrão “sleep, sleep, sleep”, mas na prática não deixava que tal acontecesse. A guitarra baixo em distorção e carregada de fuzz é um factor chave do “groove” instalado (voltamos a ouvi-la em “Nothing’s Only”, um tema que poderia ter sido assinado pelos roqueiros Fugazi se estes não fossem uma combinatória de Stooges com reggae mas sim com jazz, e em “Shatter”, o bang final), mas mesmo quando McBride toca acústico o seu ataque não é propriamente o mais convencional para um contrabaixo.
(18-08-2006)

1. Various Fires (For This Heat)
2. Superleggera
3. Atlas
4. Nothing's Open
5. 29 Miles Of Black Snow (For Jackson Pollock)
6. A=A / b=b
7. Dark Blue, Bright Red
8. Shatter (For Sonny Sharrock)

 

Brion Gysin
«Live in London 1982»
CD Sub Rosa, € 15,95

Outono de 1982, Brixton, Londres,
Brion Gysin, o eterno cúmplice de William Burroughs, renova os seus métodos de actuação ao recitar textos organizados por:
Tessa, membro das Slits,
Steve, dos Rip, Rig and Panic,
Gile, dos Penguin Café Orchestra,
e com a colaboração de Ramuntcho Matta na guitarra.
Ramuntcho, muito no estilo de Brion, chamou a esta sessão WHITE FUNK.

A maioria dos textos foram escritos aquando dos seus encontros com Burroughs, por altura da invenção da técnica do cut-up. A influência que Brion Gysin teve na música contemporânea poderá nunca ser devidamente avaliada, em particular quando apresentou a Brian Jones, dos Rolling Stones, a música dos pastores de Joujouka. Esses tempos eram ainda audaciosos: a música era criada durante os sound-checks! Musicalmente, a escolha de instrumentos tradicionais reflecte o desejo de não incluir m´+aquinas no processo (porque, como Burroughs dizia, "nós próprios somos máquinas").

Esta gravação evidecia a extraordinária criatividade e espontaneidade da cena musical da época. Não envelheceu nem um pouco. Para além da nostalgia inspirada naquela cena cultural já inexistente nos dias de hoje, a criatividade desta obra é difícil de encontrar nos dias de hoje.
(22-06-2007)

1. Welcome
2. Minutes to Go, Pt. 1
3. Cut-Ups (1959)
4. Teaching
5. Illusion
6. Minutes to Go, Pt. 2
7. Ad Lib
8. Impro:1
9. Cut-Ups: 1960 (Bardo Hotel)
10. Ahead, Ahead: 93 Million Miles Away

 

Brion Gysin
«One Night @ the 1001»
2CD Sub Rosa, € 20,50

Foi ele quem cunhou os procedimentos de “cut-up” que viriam a ser celebrizados por William S. Burroughs e foi ele também quem inventou a “dream machine”, um dispositivo alucinogénico que pretendia substituir a ingestão de ácidos. Não menos importante, foi Brion Gysin o ocidental que primeiro descobriu a música de transe da aldeia de Jajouka, Marrocos, e a deu a ouvir a Brian Jones, o fundador dos Rolling Stones que uma década mais tarde a recolheu e apresentou em disco, e a Ornette Coleman, tendo este último, aliás, convidado o clã Attar a tocar consigo em estúdio e nalguns palcos americanos e europeus. Poeta, romancista, pintor, escultor e músico (oiçam-se as suas pesquisas sonoras no interior de uma piscina vazia em “The Pool K III”, documento recentemente recuperado pela Algha Margen) conotado com a “beat generation”, amigo de Paul Bowles, Allen Ginsberg e Burroughs e como estes atraído pelo Norte de África, onde viveu longos anos, Gysin abriu em 1954 um bar-restaurante em Tanger, o 1001 Nights, exclusivamente com o propósito de aí ouvir, todas as noites (enquanto durou, o que aconteceu uns meses apenas), a música tradicional marroquina, contratando instrumentistas e cantores locais para o efeito. O primeiro CD de “One Night @ the 1001” é precisamente uma selecção das gravações que fez então. No segundo, subintitulado “Dilaloo”, ouvimo-lo a dizer os seus próprios textos (os registos datam de 1956), com um acompanhamento electrónico póstumo de Ramuntcho Matta, que criou um programa algorítmico de computador baseado no acaso e na permutação, factores que eram caros ao já desaparecido artista. Que, aliás, entendia o dito “cut-up”, fosse na sua versão de papel de jornal e de livro ou na de fita magnética, sempre com a tesoura e a cola ao lado, como uma forma de organizar a espontaneidade e o acidente. A simplicidade dos meios era para ele não um constrangimento, mas uma vantagem. Disse Gysin numa entrevista: “A pobreza torna-nos mais inventivos, é mais divertida e preserva-nos a ingenuidade.” Afinal, a “dream machine” não é outra coisa senão um estroboscópio. A propósito, ainda, de “Dilaloo”, saliente-se que este poema resulta das suas impressões pessoais de uma cerimónia de iniciação a que foi sujeito em Jajouka, o que demonstra bem o apreço que a elite dos músicos autóctones tinha por ele. Desconhece-se é o que eles acharam das reiteradas alusões à masturbação aqui ouvidas (se é que delas chegaram a saber) ou da passagem em que afirma “I am Allah / I made you”. Se fosse hoje, talvez tivesse de enfrentar uma fatwa.
(05-05-2006)

Disco 1:
41 temas sem título. Clique aqui para escutar excertos dos 12 primeiros.

Disco 2:
12 temas sem título. Clique aqui para escutar excertos de todos os temas.

 

The Buoys
«Grillo Parlante»
CD Bathysphere, € 15,95

«Grillo Parlante» é o primeiro disco dos The Buoys, um trio britânico, de Leicester, que produz uma música arrítmica e cinemática, com um elevado grau de sedução e mistério.

A verdade é que todos os seus membros têm relações próximas com a sétima arte, o que acaba por ter reflexos evidentes nas movimentações cénicas sugeridas pelos temas que se ouvem neste disco. Chris Cousin, para além de se encarregar a título individual do projecto Sofalofa e, em grupo, fazer parte ainda dos Chin Chin, Big Toe e Normal Position, tem trabalhado na confecção cuidada de bandas sonoras para cinema, televisão e instalações multimédia. Esta actividade é também a zona de actuação primordial de Steve Gibbs, que acumula com a expressividade dub dos seus Vibronics e com a produção e engenharia sonora de diversos projectos ligados ao reggae. Stu Smith é operador de câmara, editor cinematográfico e designer gráfico, e ainda emprega o seu tempo livre na construção de aparelhos de electrónica analógica, que acabam por ser usados na música dos the Buoys. Musicalmente, a sua plurifacetada actividade já se revelou útil nos Heliotrope, um grupo de dub psicadélico do qual faz parte, e na produção de discos dos Human League.

Deste capital acumulado de múltiplos cruzamentos entre as artes cénicas, cinematográficas e multimédia, com a elaboração cuidada de superfícies sonoras ambientais, surge o trabalho apresentado em «Grillo Parlante». O cenário assim construído é a tela perfeita sobre a qual se encontram personagens solitários, contruídos com enorme rigor e pormenor, que se deslocam em movimentos lentos na penumbra nocturna, apenas quebrada pela incidência intromissiva dos néons desta cidade imaginária e pelo burbulhar ocasional da urbe adormecida. Estes vultos irreais são descritos com precisão através de sintetizadores embalados e guitarras etéreas, enquanto interferências electrónicas fazem esquecer a quase inexistência de ritmo e tornam abrasivos os contornos espreguiçados destas aventuras fora de horas, que assim se tornam sobressaltadas e incertas, mesmo se captadas em câmara-lenta e embaladas por intermináveis mantras que resultam da monotonia das madrugadas sem fim. Um excelente guião, adaptado a música com enorme mestria! Pedro Portela in O Domínio dos Deuses

"a new band with a deep sound... excellent stuff" Mixmaster Morris

"a truly compelling collection of fine atmospheric electronic music" Milkman

"The soundscapes are engaging, a cinematic glimpse into isolation and hope" Flux

"silence and deepness will never be old-fashioned" DeBug

"a record that cries out to accompany a piece of art cinema or museum installation...moments of brilliance...where a sparse guitar ebbs and flows beneath a fibrous static creating a dense sonic warmth" FACTMagazine

"The cinematic aspect of the work here is undeniable, and contributes to making this debut album a truly compelling collection of fine atmospheric electronic music." Milkfactory

1. Absolutely Nothing
2. Aches
3. Balance
4. Spider
5. Delhi Handkerchief
6. Wilderness
7. Solar
8. New
9. Forman
10. Wrist

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Burial
«Burial»
CD Hyperdub, € 16,50

Para um primeiro disco é obra, pois temos aqui um sério candidato a um dos melhores do ano no capítulo da electrónica. De Burial nada se sabe, porque o “produtor” por detrás do nome faz questão em manter-se anónimo. A Hyperdub Records pertence a Kode9, mas Burial jura a pés juntos que não se trata da mesma pessoa. Estamos em território do dub, ou mais concretamente do dubstep, mas com um carácter experimental vincado – o que não quer dizer que tenha perdido “swing”. Antes pelo contrário: tem até mais do que muito do dubstep “straightahead” mais recente. Se para vocês isto (o experimentalismo de “Buried”) quer dizer que há alguma familiaridade com Pole, tirem daí a ideia. É muito mais “dark”, mais estranho e ainda melhor. Uma particularidade destes temas é o uso da estática própria das estações de rádio piratas, ainda que algumas das crepitações ouvidas provenham, segundo o próprio autor, da madeira a arder e da chuva sobre determinadas superfícies. Outro factor que distancia este disco dos demais governados pelo “beat” é a circunstância de não se utilizarem sequenciadores e de o “software” em acção ser o mais básico que se possa imaginar – o Sound Forge. Um músico sofrível com boa tecnologia consegue safar-se airosamente, mas quem se predispõe a fazer uso de ferramentas tão pobres para gravar um álbum como este só pode ser entusiasticamente aplaudido. Os ritmos entram e saem de tempo com o maior dos desprezos pela matemática musical, os baixos vêm directamente do centro da Terra e trazem consigo alguns demónios, os sons distorcem sugerindo a indefinição própria dos sonhos ou são tão claros que cortam como lâminas, e ouvem-se ecos de vozes e lugares. Como alguém disse, esta podia ser a banda sonora de “Blade Runner”...
(28-07-2006)

1. Untitled
2. Distant Lights
3. Spaceape feat. Spaceape
4. Wounder
5. Night Bus
6. Southern Comfort
7. U Hurt Me
8. Gutted
9. Forgive
10. Broken Home
11. Prayer
12. Pirates
13. Untitled

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Burnt Friedman
«First Night Forever»
CD Nonplace, € 15,95

De regresso a solo, e numa vertente mais soul e dub, longe do som do seu projecto com Sylvian e Jansen Nine Horses, Friedman volta a presentear-nos com um disco bastante curioso, e onde as ambiências electrónicas foram parcialmente colocadas de lado, e algumas colaborações se evidenciaram - Steve Spacek, estrela do novo soul, e a atraente voz de Theo Altenberg, entre outras colaborações. "First Night Forever" é uma nova fase de Friedman, uma onde vai buscar novas influências a todo o tipo de áreas distintas, reinventando a cada momento a sua própria música. O que se seguirá?
(26-10-2007)

1. Where Should I Go (featuring Steve Spacek)
2. Machine In The Ghost (featuring Barbara Panther)
3. Walk With Me (featuring Steve Spacek)
4. Need Is All You Love (featuring Theo Altenberg)
5. First Night Forever (featuring Daniel Dodd-Ellis)
6. Healer (featuring Theo Altenberg)
7. Western Smoke (featuring Enik)
8. Thumb Second (featuring Enik)
9. Chaos Breeds 1
10. Chaos Breeds 2 (featuring Dodd-Ellis,Panther,Altenberg)

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Burnt Friedmann & Jaki Liebezeit
«Secret Rhythms 2»
CD/2LP Nonplace, € 15,50/€ 16,50

Aqui está a continuação de “Secret Rhythms”, com Jaki Liebezeit, o lendário baterista dos Can, a integrar de novo os seus “beats” motóricos no funk soluçante e “loungecore” (como já foi descrito pela imprensa) de Burnt Friedmann, um dos nomes cimeiros da actual electrónica. Atrás deles, estão a fiel guitarra de Josef Suchy, o vibrafone de Morten Gronvad (dos Señor Coconut) e alguém que se vai tornando fundamental para a concretização do “som” distintivo deste projecto, o clarinetista Hayden Chisholm. Uma das faixas, e talvez mesmo o cartão de visita deste disco (“The Librarian”), tem David Sylvian como convidado especial, um gesto de retribuição pelo facto de o ex-Japan ter convidado Friedmann para o seu “Nine Horses” e para a digressão que realizou nos últimos meses. Há aqui algo do chill out de um alter-ego do teclista alemão, Drome, e do cyber-jazz de álbuns como “Con Ritmo”, se descontarmos os elementos latinos, além de algum psicadelismo e de “dub”, procedimento em que o mesmo Burnt Friedmann se especializou no projecto Nu-Dub Players. As referências mais óbvias são as do Herbie Hancock eléctrico e dos Weather Report, mas mais em termos de atmosfera do que outra coisa. Nesta colaboração a dois, é óbvio o protagonismo de Burnt Friedmann, com Liebezeit a posicionar-se mais recuadamente, mas se os ritmos deste são bastante complexos (sem nunca usar pedais, o que quer dizer que o bombo e o “hi hat” foram suprimidos, uma inovação no seu “setup”), o trabalho melódico do primeiro é de uma simplicidade extrema, e tão “loose” quanto a sua gestão dos pormenores sónicos é obsessiva. Uma característica distintiva, aliás, deste “easy listening” de dimensão experimental que, se não acrescenta muito ao já proposto no primeiro volume, solidifica as premissas por ele introduzidas.
(10-03-2006)

1. Sikkerhed
2. Sticks
3. Librarian
4. Mikrokasper
5. Niedrige Decken
6. Broken Wind Repair
7. Fearer
8. Caracoles

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Camera Obscura
«Let's Get Out of This Country »
CD Elefant Records, €16,95

1. Lloyd, I m Ready To Be Heartbroken
2. Tears For Affairs
3. Come Back Margaret 
4. Dory Previn
5. The False Contender
6. Let s Get Out Of This Country 
7. Country Mile
8. If Looks Could Kill
9. I Need All The Friends I Can Get
10. Razzle Dazzle Rose

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The Cannery
«There Is Life In This Old Land»
CD Awful Bliss, € 15,50

Um pouco do campo da Califórnia, algum sol do sul e uma pitada de influências sonoras do Kentucky. Estas são as canções que queremos levar connosco numa 'road trip', canções que nos transportam para aqueles lugares da nossa memória onde desde que tenhamos um copo de 'bourbon' na mão e uma cadeira confortável para nos sentarmos, tudo está bem.
Inicialmente juntando-se apenas para se divertirem a fazer música, Roger Riedlbauer (ex-membro dos Transmission, Boxcar Saints, e da banda de Jolie Holland) e Charles Sommer (Halifax Pier) chegaram à conclusão que algo valioso surgia das suas sessões a altas horas, e assim decidiram fazer um álbum. Podemos quase escutar os sons da floresta que serviu pano de fundo para estas sessões nocturnas. Uma destilação dos interesses destes dois amigos, estas canções vão buscar inspiração ao absurdo, ao conflito e ao orgânico. O resultado final é um som pungente ao qual não ficaremos alheios. Com um vasto leque de colaboradores que já tocaram com nomes tão distintos como Tom Waits, Jolie Holland, Sean Hayes, Court and Spark ou John Vanderslice, The Cannery trazem-nos aqui um álbum de estreia de canções acústicas melódicas acompanhadas por Ara Anderson (trompete), Tom Heyman (guitarra), Jason Schwartz (baixo vertical), Josh Tillinghast (percussões), Alison Johnson (vozes), e Kristina Forester (violoncelo), do qual não nos esqueceremos facilmente.
(09-11-2007)

1. Feelin' Country
2. Starshuttle
3. Just September
4. Through Rivers
5. 'til Halloween
6. Hold the Ghost
7. It Ain't
8. New Machine

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Carl Michael von Hausswolff
«Leech (plays Olafur Eliasson, Carsten Höller, Tommi Grönlund/Petteri Nisunen and Richard James)»
CD Raster-Noton, € 16,50

O título diz tudo: no seu novo álbum, Carl Michael von Hausswolff age como uma sanguessuga, extraindo os conteúdos de peças electrónicas de Olafur Eliasson, Carston Holler, Tommi Gronlund / Petteri Nisunen e Richard James, aka Aphex Twin, para deles apresentar aspectos que antes estavam subterrâneos ou não eram particularmente evidentes. Por vezes detém-se mesmo na parte do processo em que, para continuar a usar linguagem figurada, é preciso furar a pele e a carne a fim de obter o sangue indispensável para nutrir tal objectivo – de resto, fá-lo com um prazer algo sádico, aquilo a que se chama vulgarmente “escarafunchar na ferida”. Se, como se diz, o microfone funciona como um microscópio, com as capacidades de “sampling” do computador este monarca dos reinos virtuais de Elgaland / Vargaland trabalha com um telescópio de longas distâncias. Aliás, em tudo o que este poliartista sueco faz, seja ao nível do som ou da imagem, o factor captação é fundamental, e o seu trabalho passa mesmo por registar, ou pelo menos por tentar fazê-lo, quaisquer indícios de actividade paranormal. Continuador das pesquisas de Friedrich Jurgenson no domínio dos EVP (Electronic Voice Phenomena), von Hausswolff dedica-se a detectar as falas dos mortos na estática radiofónica, e o certo é que já gravou, e tornou públicos, documentos bem estranhos. Curiosamente, tamanho esforço em ampliar o não-ouvido (ou o não-visto, noutros casos que não o aqui em análise) resulta em obras de carácter minimal, feitas de impulsos eléctricos, murmúrios e crepitações de desconhecida identificação, simples sinusoidais e ritmos esqueléticos. É o que aqui ouvimos, com a clara percepção de que aquilo que nos parece pequeno, noutra dimensão da realidade, aquela sobre a qual von Hausswolff se debruça, é uma enormidade.
(14-07-2006)

1. Blitzableiter Induktionsspule
2. Atomium Phi
3. Swingers
4. DJ Set

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Caroline
«Murmurs»
CD Temporary Residence, € 15,95

Situando-se numa tradição da pop que vem da década de 1980 (quem não se lembra dos Cocteau Twins?), Caroline, de apelido Lufkin, canta sobre temas adultos com voz de menina – mesmo quando lembra amores da infância a perspectiva é nostálgica, um sentimento “maior de idade”, adquirindo até tonalidades escuras, assemelhando-se frequentemente a Joanna Newsom. Nascida em Okinawa, no Japão, mas agora residente em Los Angeles, depois de uma passagem por Boston (onde estudou no prestigiado Berklee College of Music), a autora deste álbum de estreia cruza o ambientalismo com a canção mantendo a perspectiva minimal do primeiro. O “glitch” electrónico combina-se engenhosamente com harmonias de piano e arranjos para instrumentos de sopro nestes “murmúrios” que lembram encantos perdidos e falam de (des)esperanças futuras. Se não estamos muito longe da música de dança, é do chill out e do “after party” que mais se aproxima. As atmosferas criadas são habitualmente “soft”, mas os estados de espírito não têm necessariamente de ser passivos e conformados. O mais curioso destas canções é precisamente o facto de Caroline contradizer a dado momento a própria sintonia a que nos convida, com um súbito assomo de raiva ou uma breve alegria. O que quer dizer que “Murmurs” necessita de várias audições para apanharmos todas estas nuances de sentido. Pode ser que esse tipo de escuta não seja muito pop, mas esta também não é propriamente a pop de Anastacia. E no entanto, tem a irrealidade que conhecemos no género, como se tudo não passasse de um sonho à beira de se converter em pesadelo. A inocência transmitida tem tanto de falso quanto de desarmante, como se nota em letras como esta: “I can’t remember your face / But I remember your bycicle / How it took my breath away.” A sexualidade feminina infantil como princípio do fetichismo, eis o que aqui temos...
(06-04-2006)

1. Bicycle
2. Pink & Black
3. Sunrise
4. Where's My Love
5. Everylittlething
6. All I Need
7. Drove Me to the Wall
8. I'll Leave My Heart Behind
9. Winter

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Castanets
«First Light’s Freeze»
CD Asthmatic Kitty, € 15,50

Tetuzi Akyama, um dos pais da cena “onkyo” do Japão (guitarra, toca baixinho...), anda a tocar boogie-woogie numa seis cordas? Pois. E os Castanets fazem uma mistura de country com free jazz, com o som Nashville a moldar os seus temas enformados no “indie rock”. Os híbridos são uma constante da música dos nossos dias. Já nem sequer é notícia e só resta aos puristas enfiarem-se num buraco e ruminarem no escuro as suas paranóias. A crítica até já disse, não sem algum espanto, que “First Light’s Freeze” parece REM. Apesar dos ingredientes, apesar de estas canções parecerem ter sido feitas com pilhas Duracell, não cabendo nos formatos radiofónicos. Apesar das quantidades de “fuzz” e dos “drones”. Pop e experimentalismo fizeram as pazes – acabou-se a contracultura, agora só há “outras” culturas musicais, coexistentes e iguais na sua diferença. Tudo surge como uma alternativa ao que já é alternativo, à excepção, claro, da MTV, que apenas programa mais do mesmo, cega e surda aos sinais dos tempos em que vamos vivendo. Daniel Carter, o veterano saxofonista de jazz, é um dos convidados principais do disco (não, não é gralha – aliás, sabiam que Chris Corsano, outra enorme figura da improvisação, é membro fixo do grupo de “weird folk” Sunburned Hand of the Man?), mas não é para admirar. Ray Raposa, mentor dos Castanets, quer tocar a seguir com Fennesz, Prince e os nipónicos Ghost. Com Bach já não é possível, pois morreu...
(07-10-2005)
 

1. (The Waves Are Rolling Beneath Your Skin)
2. Into the Night
3. Song Is Not the Song of the World
4. Good Friend, Yr Hunger
5. (We Drew Uncertain Breath)
6. Bells Aloud
7. First Light's Freeze
8. Evidence (A Mask of Horizon, Distortion of Form)
9. No Voice Was Raised
10. (Migration Concentric)
11. All That I Know to Have Changed in You
12. Dancing with Someone (Privilege of Everything)
13. Reflecting in the Angles

 

Cat Power
«The Greatest (Ed.Especial)»
CD Matador, € 17,95

Chan Marshall volta a adoptar a designação Cat Power num disco que transpira soul por todos os poros. Tanto assim que na formação que a acompanha constam o guitarrista e parceiro de Al Green na escrita de canções, Mabon “Teenie” Hodges, e o baterista que substituiu o falecido Al Jackson nos Booker T. and the MGs, Steve Potts. Os restantes músicos são todos da cena de Memphis e dão uma cor muito própria a “The Greatest” – sopros e cordas têm arranjos muito conotados com o funk dos anos 1970, e volta e meia espreita mesmo o gospel, como em “Living Proof”. Enquanto “songwriter”, no entanto, as referências de Chan são múltiplas, indo da folk (especialmente evidente no muito aplaudido “The Covers Album”) ao rock de guitarras (aliás, ela chegou a fazer uma “cover” de “I Found A Reason”, dos Velvet Underground). As suas letras parecem ter algo de autobiográfico, ideia que é reforçada pelo seu tom intimista e a pressupor confissão, mas há algum distanciamento da parte de Chan, não deixando designadamente que a voz seja arrastada pelo peso do que canta. Se o são na realidade ou não, ela tem o cuidado de manter o mistério, embora seja claro que o denominativo Cat Power é uma persona que veste quando sobe ao palco para tirar quando depois do concerto segue para a sua vida. Aliás, representar está no âmbito das suas actividades – participou como actriz, por exemplo, no filme “Rockets”, com Buddy Bolden, desempenhando o papel de uma treinadora de galos. Uma especialista num divertimento reputadamente “masculino”. Parece até estranho que alguém aparentemente tão seguro de si possa assinar temas tão melancólicos e desesperançados (“I hate myself and I want to die”, murmura em “Hate”), mas o que é a música senão uma forma teatral, e o teatro um modo de exprimir sentimentos, mesmo que por fingimento? O certo é que este regresso às raízes do Sul americano profundo surge como uma procura da verdade, por mais crua que esta pareça para o ser mesmo. Para todos os efeitos, a verdade pode não estar onde a julgamos, mas “elsewhere” e não necessariamente disposta a ser colhida...
(03-02-2006)

1. The Greatest
2. Could We
3. Lived In Bars
4. Islands
5. After It All
6. The Moon
7. Living Proof
8. Empty Shell
9. Willie
10. Where Is My Love
11. Hate
12. Love & Communication

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The Chap
«Ham»
CD Lo Recordings, € 19,50

Johannes von Weiszacker começou por utilizar o nome The Chap como um projecto solo paralelo à sua actividade nos Karamasov, mas depressa o que era um investimento solitário se transformou num grupo, com a inclusão de Panos Ghikas (com quem, de resto, se movimentava na cena improvisada radical de Londres), Keith Duncan e Claire Hope. Multi-instrumentistas (Weiszacker multiplicando-se na guitarra, no violoncelo, nos teclados, no computador e na voz; Ghikas intervindo em baixo, guitarra, violino, teclados, computador e voz), tal como era de tradição no rock progressivo (afinal, a última faixa deste álbum intitula-se “Emerson, Lake and Palmer”), são bem outras as coordenadas com que lidam, num híbrido em que krautrock, funk, free jazz, disco, electrónica e pop disputam influências, sempre com o experimentalismo como linha condutora. Aplica-se-lhes bem a designação “post-everything” com que são apontados os inclassificáveis e aqueles que, embora adoptando formas e vocabulários de correntes musicais definidas, já não têm nenhum vínculo estético ou estilístico com as mesmas. Os Chap cultivam até o “non-sense”, não só misturando idiomas e materiais de improvável relacionação (apesar de terem um substracto comum: funk, disco, jazz e rock são subprodutos da cultura musical afro-americana), como escolhendo títulos que não têm necessariamente de significar algo. Chamar “Presunto” a um disco decorre de um exercício de escrita automática e é ao mesmo tempo a sua parodização, que é o que acontece igualmente na faixa “The Premier At Last”, cuja letra utiliza o jargão corporativo e do mundo dos negócios. Entrevistá-los não é tarefa fácil. Duncan pode tentar definir os Chaps como um cruzamento de Kraftwerk com Sonic Youth, para logo depois comentar que de Kraftwerk não têm muito. E menos ainda de Sonic Youth, apesar de também eles gostarem de distorção guitarrística (oiça-se “Now Woel” e “Arts Centre”, por exemplo). Tocar pop, para o colectivo, é fazer algo que “soa realmente estúpido”, mas de que se gosta por isso mesmo, e “Ham”, nesse aspecto, aproxima-se mais do modelo do que o anterior “The Horse”, por mais estranha que esta pop nos pareça. Nem sempre esse “encosto” acontece, porém: “Clissold Park” é o resultado de uma “jam” e talvez a melhor peça do conjunto.
(03-02-2006)

1. Baby I'm Hurt'n
2. Woop Woop
3. Now Woel
4. Long Distance Lovin'
5. Woop
6. Auto Where To
7. The Premier At Last
8. Arizona
9. Arts Centre
10. I Am Oozing Emotion
11. Younger People
12. Clissold Park
13. Emerson Lake and Palmer

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Charalambides
«A Vintage Burden»
CD Kranky, € 17,50

Christina e Tom Carter já não estão casados, mas cumprindo a máxima “amigos, amigos, negócios à parte” (deve haver um equivalente em Inglês), mantêm o projecto comum a que deram o nome de Charalambides. Depois de nos terem habituado a um free folk guitarrístico feito de espaços entre as notas, de repetições, de melodias deturpadas e de estranhas harmonizações, o novo “A Vintage Burden” é o seu álbum mais acessível, constituído por verdadeiras baladas em que descobrimos um ocasional travo a blues, desta vez sem as colaborações de Heather Leigh Murray ou de Jason Bill. Tanto assim que, nos vocais, Christina já não nos oferece os mantras livremente improvisados (ou assim pareciam) dos títulos anteriores, como o audacioso “Joy Shapes”, mas versos estruturados e com refrões. O psicadelismo continua a ser a tónica destas canções, mas o envolvimento é bem diferente. Não se pense, porém, que no presente disco não há lugar para as abordagens exploratórias que deram fama a esta dupla – em “Black Bed Blues”, o único tema instrumental incluído (com sobregravações), Tom divide a sua atenção entre o “finger picking” de uma guitarra acústica, uma “pedal steel” com funções estruturantes e comentativas e uma eléctrica cheia de “fuzz”, evoluindo de forma minimal (ou seja, por repetições a que se vão acrescentando pequenos apontamentos à parte) em direcção a um objectivo antecipadamente fixado – como já alguém escreveu, parece uma lenta viagem no dorso de uma mula através do deserto do Texas, com o Sol a provocar-nos alucinações. O curioso é que nunca como neste trabalho o fantasma de Jerry Garcia, dos Grateful Dead, esteve tão presente – na excelente canção que é “Two Birds”, Tom e Christina parecem mesmo apostados em fazer uma nova versão de “Dark Star”, mas segundo a combinatória de timbres e malhas que John Oswald propôs em “Grayfolded”, o remix que este mestre do plagiarismo realizou com base nos solos ao vivo do desaparecido guitarrista. Muito bom.
(22-06-2006)

1. There Is No End
2. Spring
3. Dormant Love
4. Black Bed Blues
5. Two Birds
6. Hope Against Hope

 

Charlemagne Palestine & Tony Conrad
«An Aural Symbiotic Mystery»
CD Sub Rosa € 15,95

Os seus caminhos foram muitas vezes paralelos (são ambos compositores / músicos e videastas e tanto um como outro seguem ainda hoje as premissas do minimalismo) e chegaram a cruzar-se algures entre as décadas de 1960 e 70, mas nunca fizeram nada em conjunto nem se contactaram durante os 30 anos seguintes. Até que, em 2005, decidiram uma colaboração para concertos em França, Bélgica e Itália – um deles, realizado no Petit Théâtre Mercelis em Bruxelas no Luc Ferrari Day, é o que está documentado neste disco. O “mistério simbiótico” de que fala o título denota bem a surpresa destas duas grandes figuras do século XX, e agora do XXI, relativamente à empatia comseguida nessas actuações ao vivo, parecendo mesmo que desde sempre tocaram juntos. “Como é que eu e o Tony pudemos funcionar tão bem sem termos discutido ou planeado fosse o que fosse? Não faço ideia!”, confessa Charlemagne Palestine nas notas de capa. A verdade é que estamos perante o testemunho de um encontro histórico de interesse musical único, com Tony Conrad no violino eléctrico, escolhendo um tipo de abordagem não muito distante do que lhe ouvimos com os alemães Faust, e com Palestine a sobrepor “clusters” pianísticos sobre bases electrónicas, volta e meia acrescentando a sua voz de contratenor. Eis, assim, mais um produto excelso da “dream music” que vêm praticando, mas desta feita com a mais-valia da combinação de dois entendimentos que, embora vizinhos, são muito personalizados. Pelo que vemos nas fotos, não havia ursinhos de peluche sobre o piano, mas lá estão Charlemagne Palestine e Tony Conrad com os seus inseparáveis chapéus.
(03-11-2006)

 

Charley Patton
«Screamin' and Hollerin' The Blues: The Worlds of Charley Patton»
CAIXA 7CD's+Livro Revenant, €132,50

Não há notícia de outro guitarrista e cantor de blues ter merecido edição tão sumptuosa: uma caixa com sete CDs, muita documentação escrita e visual (128 páginas dela!) e um livro de 112 páginas (escrito por John Fahey, o grande inovador da guitarra folk/country que enraízou o mais que pôde a sua arte na tradição e na história) explicam porque Charley Patton é uma das figuras mais seminais da música praticada no delta do Mississipi - e seminais, curiosamente, em domínios muitos distantes desta geografia musical e designadamente entre experimentalistas e improvisadores como Noel Akchoté e o português Manuel Mota. Algumas das gravações aqui recuperadas remontam aos anos 20 do século que passou e envolvem outros nomes a quem Patton esteve de alguma maneira ligado, como Walter Hawkins, Edith North Johnson, Henry Sims, Willie Brown, Son House, Louise Johnson, os Delta Big Four e Bertha Lee, além de músicos que pegaram no seu repertório da estirpe de Ma Rainey, Furry Lewis, Tommy Johnson, Howlin' Wolf, Joe Williams e Staple Singers. Muita da música ouvida, seja sob a forma original dos blues do Delta, com uma voz e uma guitarra simplesmente, ou com vestimentas de "vaudeville jazz" e de gospel, traz consigo a marca do tempo, com camadas maiores ou menores de estática e o crepitar da agulha nos velhos discos de 78 rpm de onde foi retirada. A "patine" não é um escolho para a fruição destas preciosidades da canção negra americana, antes lhes empresta uma dimensão existencial, de coisa vivida. Com uma voz enrouquecida pelo tabaco e pelo uísque, que consumia em grandes quantidades, a forma como cantava (como se tivesse berlindes na boca, diz-se) e tocava (entre o "finger-picking" e o "slide" com uma navalha) teve descendentes directos em Howlin' Wolf, Robert Johnson e, mais recentemente, John Lee Hooker. Charley Patton também utilizava a madeira da guitarra em situações rítmicas, um processo mais tarde adoptado por quantos desenvolveram técnicas extensivas para este instrumento - ouvi-lo a fazer isto há sete décadas faz-nos crer que a vanguarda, afinal, não acrescentou muito ao que indivíduos com o génio deste já faziam.
(15-04-2005)

 

Charlie Alex March
«When The Clouds Clear»
2x3"CD LOAF, € 9,95

Disco 1:
1. Goodbye Penny
2. Francisca's Theme
3. London
4. Animals
5. Piano Song (Metronomy Mix)

Disco2:
Vídeo de "Goodbye Penny", numa animação de Mat Redvers

Clique aqui para escutar temas do EP e aqui para ver a animação

 

!!! (Chk Chk Chk)
«Myth Takes»
CD Warp, € 15,95

"«Myth Takes» rampages through the annals of kinetic music without letting genre tropes override or diffuse the songs' impact. The cerebral always takes a backseat to the visceral, and the album, while varied, is united by relentless propulsion." Brian Howe in Pitchfork 

"Their third, and most ambitious album so far, Myth Takes sees !!! heightening their aesthetic of electronically-tinged, dancefloor-friendly rock to ecstatic proportions. The band have certainly increased the scale of their productions, with a more spacious, complex approach to production that’s made everything sound a whole lot bigger. (...) Check out the cheekily-titled repetitious krautrock excursion, ‘Bend Over Beethoven’, which goes off like an LCD Soundsystem remix of something from Can’s Tago Mago." in Boomkat
(16-03-2007)

1. Myth Takes
2. All My Heroes Are Weirdos
3. Must Be The Moon
4. A New Name
5. Heart of Hearts
6. Sweet Life
7. Yadnus
8. Bend Over Beethoven
9. Break In Case Of Anything
10. Infinifold

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Chris Watson/BJ Nilsen
«Storm»
CD Touch, € 15,95

Geir Jenssen
«Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet»
CD Ash International, € 15,95

Conta já com vários anos a colaboração entre o ex-Cabaret Voltaire e ex-Hafler Trio Chris Watson e BJ Nilsen, mais conhecido nos meios da “ambient music” (chamemos-lhe assim por conveniência, apesar de muito pouco haver de semelhante ao que Brian Eno designava com estas palavras) por Hazard, representando“Storm” exemplarmente o gosto que os praticantes da electrónica vão tendo cada vez mais pela utilização de “found sounds” ou mesmo pela recolha intensiva e sistemática dos sons do mundo, a começar pelos da natureza, vulgo “field recordings”, para posterior tratamento e estruturação. No caso, temos uma montagem de sons de tempestades nos mais inóspitos locais das ilhas britânicas e no Mar do Norte (ilhas suecas), com uma peça assinada pelos dois artistas sonoros (“SIGWX”), uma de Watson (“No Man’s Land”) e outra de Nilsen (“Austrvegr”). Não se trata apenas, nem podia, de simples amostragem documental dos fenómenos da atmosfera – os sons são isolados, amplificados, analisados a fundo (o que implica a passagem pelo crivo da tecnologia de captação e gravação utilizada e da subjectividade do operador / artista, expressa pelas escolhas realizadas e pelos processos decididos) e parametrados de modo a que a nossa percepção deles seja uma experiência única. Tal é verdade igualmente no que diz respeito à “música das montanhas” oferecida por Geir Jenssen (o homem por detrás do nome Biosphere) em “Cho Oyu 8201m”. Colecção de registos feitos nos Himalaias, Tibete, o que aqui ouvimos é bem distinto das “soundscapes” digitais que coloca em disco. Não se trata propriamente de um filme para os ouvidos, com as respirações, os sinos dos iaques, o vento a soprar e as emissões de um rádio de ondas curtas confundindo-se entre si como num curtocircuito de sensações; a experiência surge-nos, sim, como algo de estranho e personalizável (sobretudo se ouvirmos com auscultadores), com as figuras sonoras episodicamente reconhecíveis evidenciando ainda mais que esta é uma realidade outra, desconexa e à beira do abismo. É como se nós mesmos também sentíssemos a vertigem e a desorientação dos alpinistas.
(17-11-2006)

«Storm»:
1. No Man's Land
2. SIGWX
3. Austrvegr

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«Cho Oyu 8201m – Field Recordings From Tibet»:
1. Zhangmu (Crossing A Landslide Area)
2. Tingri (The Last Truck)
3. Jobo Rabzang (A 6666 Metre Peak In The Cho Oyu Himal)
4. Chinese Basecamp (Near A Stone Shelter)
5. Palung (A Yak Caravan Is Coming)
6. Cho Oyu Basecamp (Morning)
7. Nangpa La (Birds Feeding On Biscuits)
8. Camp 1 (Himalayan Nightfight)
9. Camp 1.5 (Mountain Upon Mountain)
10. Camp 2 (World Music On The Radio)
11. Camp 3 (Neighbours On Oxygen)
12. Summit (Only Slight Breeze On The Summit At 8201m)

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Christian Wolff
«Percussionist Songs»
CD Matchless Recor