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[home: crítica]
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| Pág.1(A-D)--Pág.2(E-I) Pág.3(J-N)--Pág.4(O-S)--Pág.5(T-Z) | UPD 20071228 | info@ananana.pt |
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Jackie-O
Motherfucker Disco 1: Disco 2:
Jackie-O Motherfucker O título já diz o que vai dentro deste CD.
Chama-se Sacred Harp ao repertório tradicional americano dos hinos religiosos, e
o que fazem os Jackie-O Motherfucker é o que sempre fizeram com outros formatos:
pegam nele e viram-no do avesso. A música é lenta, lentíssima, e muitas vezes
dissonante, jogando com o factor repetição, e se nos faz pensar nos campos de
trigo do Novo Mundo fá-lo com uma perspectiva citadina e que pouco tem que ver
com qualquer nostálgico desejo de regresso à terra. O que aqui encontramos é
gospel, sim, mas dessacralizado e tornado num corpus auditivo entre outros da
era da informação, uma evocação da espiritualidade do ser humano mais do que uma
celebração divina. Folk (country mesmo, por momentos), sons do quotidiano, muito
experimentalismo, improvisação e trabalho de “patchwork” estilístico, noise
quanto baste, se bem que em versão psicadélica (space rock revisitado, mas com
sensibilidade punk) “drones” de guitarra e electrónica, mas tudo isto ao jeito
das “campfire songs” que estão a reintroduzir o sentido comunitário na sociedade
individualista erigida do outro lado do Atlântico. Os Jackie-O recuperaram o seu
lugar na montra da “weird (‘wonderful, arty and obscure’, como alguns críticos
têm acrescentado) music” feita nos EUA. 1.
Nice One
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Jackie-O Motherfucker/My
Cat Is An Alien
Jackson and His Computer Band Depois de vários EPs com
inspiração na house e fama conquistada nos meios da electrónica de
dança (fez “remixes” de Femi Kuti, Air, Luke Vibert e Vanessa
Paradis, por exemplo), eis que o francês Jackson Fougeraud surge com
o seu primeiro álbum, resultado de um trabalho de quatro anos.
Descolado já daquele género, a música que nos apresenta em “Smash”
integra elementos de funk (é um admirador confesso dos Funkadelic),
soul, electro-pop e techno, recorrendo a técnicas de “cut and paste”
que lembram os Prefuse do início. Logo para dar uma ideia do
percurso percorrido neste tempo de preparação, a primeira faixa,
“Utopia”, é a mesma de um single surgido em 2003, com a
particularidade de ter a sua mãe, Paula Moore, a cantar. Daí em
diante as situações vão-se atropelando, entre o robótico e o
alegremente sincopado, com uma frescura e uma inventividade que já
não são muito comuns nos domínios da “club music”. É, de qualquer
modo, a postura do “produtor” (que não a do
instrumentista-compositor) que Fougeraud assume por inteiro, na
linha instituída pelas práticas digitais que convidam ao movimento
dos corpos. O que quer dizer que a Computer Band indicada pelo nome
do projecto não existe verdadeiramente; a banda é o próprio
computador, alimentado por samples de mil e uma músicas do circuito
comercial, quer as reconheçamos ou não. “Francofunk”, chamam já ao
tipo de equação operado por este “laptoper” do entretenimento
inteligente. O músico parisience prefere definir o que aqui ouvimos
como uma “orgia de estilos” e uma “celebração psicadélica do
conflito”... 1.
Utopia
Jacob Kirkegaard 1.
Church
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Jacob Kirkegaard 1. Ala
Jaga Depois de dois
anos de interregno para reformulação e de uma sessão de
improvisações gravadas ao primeiro "take" que depois foram editadas
e misturadas em estúdio, eis que os Jaga Jazzist regressam com um
trabalho em que "Jazzist" já não surge no nome do decateto liderado
por Lars Horntveth, denotando a nova orientação mais rock
(progressivo, entenda-se, não o rock FM que invadiu as ondas
radiofónicas) de um projecto que se distinguiu por associar o jazz
de uma sólida secção de sopros aos "soundscapes" da electrónica
digital. Resultado: "What We Must" é um CD mais incisivo do que
todos os anteriores, tal como, aliás, se descobre logo na faixa de
abertura, "All I Know is Tonight", com o seu muro de guitarras
eléctricas e uma secção rítmica particularmente energética. A faceta
rock agora estreada faz por vezes lembrar os My Bloody Valentine e
até os Godspeed You! Black Emperor, mas trata-se ainda de uma "big
band" de matriz jazzística - motivo pelo qual, de resto, foi
agendada para o próximo Jazz em Agosto da Gulbenkian. A origem
escandinava desta música está bem patente, parecendo provir de
etiquetas como a Rune Grammofon ou a ECM, a que se acrescentam os
factores distintivos da "club culture", "chill out" incluído (Marcus
Schmickler é um dos produtores e isso nota-se). Ingredientes que
tornam os Jaga numa proposta única, experimental sem dúvida, mas
bastante acessível, algo que já foi apresentado como "Charles Mingus
with the Aphex Twin up his arse". E se "The Stix" já tinha sido um
passo adiante em relação a "A Livingroom Hush", com a sua rítmica
agitada, neste retorno estão ainda mais orgânicos. O que se explica
pelo facto de a dimensão "live" do grupo ter invadido por inteiro o
seu labor composicional e ao nível dos arranjos, que continuam a ser
tão subtis e complexos como sempre. O disco abre com um sample dos
ruídos da transportadora de "Star Trek", querendo com isso dizer que
vamos ser levados numa viagem muito especial. Façam o favor a vocês
mesmos de embarcar... Atenção aos desvios: o segundo CD deste duplo
álbum inclui demos e misturas "rough" de peças que vêm no primeiro. Alinhamento: Disco 1: 1.
Mikado (demo)
James Nice 1. Use Hearing Protection
- The Factory Club, Maio 1978 - Abril 1980
Jamie Lidell 1. Yougotmeup
Jan Jelinek 1.
A Concert For Television
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Jan Jelinek 1.
Universal Band Silhouette
Jana Hunter Depois do “split album”
de Devendra Banhart com Jana Hunter, não surpreende que o primeiro
título da editora fundada pelo excêntrico cantor e autor de canções
da nova folk tenha precisamente o nome da texana na capa. Mas não se
pense que o fez para dar uma oportunidade àquela que já foi apontada
como a sua maior discípula. Hunter tem uma personalidade musical
própria e isso fica cabalmente demonstrado ao longo da audição deste
disco muito especial. Inclusive, se o formato escolhido é o típico
da folk (uma voz e uma guitarra de caixa são o que consta
simplesmente na maior parte das faixas), não é pacífico classificar
o que aqui se ouve com o que regra geral leva essa designação no
Novo Mundo, e já agora também no Velho. A aparição da electrónica,
mesmo que lo-fi, dá-lhe outro âmbito e as letras têm um referencial
gótico que não é comum nesta área. O percurso de Jana é, aliás,
outro, e centrado sobretudo na pop psicadélica. Bem pode ela
escrever “cowboy poems” (aqui vai um, totalmente grátis: “I love to
be at home on the ranch / Wind blowin’ round through my hair / Cause
when I’m ridin’ I am free / From life, without a care / The smell of
leather, horse and dust / Has no beginin’ or end / It hangs and
lingers, driftin’ on sunbeams / Like an old forgotten friend / And
when I watch the horses run / Across the fields of green / My heart
is runnin’ with them / I’m dancin’ with my dreams / Whether it be
the horses / Or the sweet fresh smells of hay / I see this place
with new eyes every time / And it’s where I wanna stay!”), que a sua
perspectiva é diversa da de um baladeiro das pradarias. O que aqui
temos é o resultado de um labor de solidão, e como tal dificilmente
o poderemos inserir numa realidade global e muito menos num
movimento. Poucos “songwriters” de hoje têm tanto de pessoal. 1.
All The Best Wishes
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Jandek Foram precisos 40 discos
e 27 anos sem fotografias, nem concertos, nem entrevistas, o
primeiro dos quais datando de 1978 (“Ready for the House”), para que
Jandek finalmente desse a cara na actuação ao vivo não anunciada do
Instal Festival que aqui se documenta, o que torna o presente álbum,
logo à partida, num objecto histórico. Figura de culto das mais
referidas quando se fala do lado “weird” da música popular urbana,
era também a personalidade do rock alternativo mais misteriosa de
todos os tempos, o exemplo da anti-superstar por excelência. Depois
deste espectáculo, começámos a vê-lo a cores ou a preto-e-branco nas
revistas e nos jornais, e parece que Jandek tomou mesmo o gosto de
subir ao palco, pois chegam-nos sucessivas notícias de concertos
seus. A música surge-nos um tudo nada mais acessível, em forma de
canções excêntricas e viradas do avesso que só remotamente nos
lembram determinadas coisas dos Red Krayola, do “Lorca” de Tim
Buckley, dos primeiros Half Japanese, dos Godz ou de Skip Spence.
Eterno solitário, estranha encontrar outros nomes a acompanhá-lo
nesta primeiríssima apresentação pública: Richard Youngs no baixo,
músico sobejamente conhecido nas áreas da free folk e do
abstraccionismo minimalista, e Alexander Neilson na bateria. Tudo o
que se considera como um elemento identificatório do rock é mandado
por Jandek às urtigas: não há melodias nem “riffs”, acordes é coisa
que ele evita fazer com a guitarra, a voz é dissonante e “off-tempo”,
os ritmos são quebrados e pouco consentâneos com os ditames do
binarismo e as letras não falam propriamente de amores desavindos,
isto quando conseguimos perceber alguma sequência nas palavras que
atira contra o microfone. Ainda assim, essas palavras derramam uma
enorme tristeza. À máxima depuração de materiais sonoros e até de
estruturas musicais corresponde, contraditoriamente, a máxima
expressividade: com pouco, pouquíssimo mesmo, Jandek faz muito. E
regra geral nada preocupado com a “validade” musical das suas
propostas. As suas canções são feias, disformes e aparentemente “mal
tocadas”, tudo isto com o maior dos propósitos e das convicções. O
céu para quem está farto da pop certinha que se vai fazendo hoje em
dia... 1. Not Even Water
Jane Um dos membros deste
duo, Noah Lennox, mais conhecido como Panda Bear, pertence aos muito
aplaudidos Animal Collective, mas nem por isso podemos esperar que
estes Jane tenham qualquer tipo de afinidade com aquele outro
projecto. Lennox e Scott Mou dão largas em “Berserker” ao seu gosto
pela música de dança, que contextualizam em canções pop nas quais o
elemento “ambient” também é uma constante. E como não podia deixar
de ser, há uma vertente experimental que passa pela utilização
inconvencional da electrónica, por vocais onomatopaicos ou simples
murmúrios e por uma geral configuração “weird”. A duração dos temas
dá-nos logo uma indicação do estado de espírito dos dois músicos: “Swan”,
a mais longa faixa do álbum, ultrapassa os 24 minutos, e mesmo a
mais breve (quase seis minutos), a que dá título à edição, não
obedece ao formato determinado pela rádio, pelo que não é de esperar
ouvi-lo na Comercial ou mesmo na Radar. Associar o “beat” com a
psicadelia e “drones” minimalistas com “loops” estrelados de vinil
não é propriamente o que há de mais óbvio. Imaginem uma mistura de
Keith Fullerton Whitman e Arthur Russell, ou de “Selected Ambient
Works Vol. 2” de Aphex Twin e “Delirium Cordia” dos Fantômas e
andarão lá perto. Segundo o brincalhão Panda Bear, esta foi uma
experiência de gozo, ainda que para levar a sério porque é a isto
que se chama “qualidade de vida”: “Regra geral, tratou-se de
convivermos um pouco, falando, tocando música, pensando, sentindo,
divertindo-nos e dançando.” Como verificamos por estas palavras, já
nem é uma questão de “fazer arte”, mas de viver a vida
“artisticamente”. Não se deixem influenciar pela violenta imagem da
capa. Esta era também a imagética dos Grateful Dead, e vejam como
eles puseram tanta gente feliz. Como prova de que a vocação “feel
good” de Noah Lennox é mesmo para valer, fica uma informação para
quem ainda não sabe: ele apaixonou-se por uma portuguesa e veio
viver para Lisboa. 1.
Berserker
Jazkamer 1.
Friends Of Satan
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«Endless Coast» CD No Fun Productions, € 15,95 O colectivo Smegma é um peso pesado da música americana
alternativa/underground (associada ao Free-Jazz mais experimental), tanto pela
sua longevidade (os Smegma têm origem na organização Los Angeles Free Music
Society - LAFMS, fundada em 1973), como pelas ricas e variadas colaborações ao
longo dos anos (Merzbow (1996), Wild Man Fischer (1997) Wolf Eyes (2003), etc.)
1. Heavy Fog
Jean-Jacques
Perrey & Luke Vibert  2001 UMA ODISSEIA NO MOOG Em 2001 Jean-Jacques Perrey e Luke Vibert encontraram-se pela primeira vez para
enveredarem por uma fantástica viagem que os levaria à criação deste genial
álbum mais de seis anos depois. Para aqueles menos atentos à história da música, Jean-Jacques Perrey é o pioneiro da electrónica francesa, que utilizou os métodos da música concreta - nomeadamente na astuta montagem em fita magnética - e do som sintetizado de modo a criar obras primas da pop tão complexas como as peças de Brian Wilson ou de George Martin. Perrey foi descoberto pelo famoso Jean Cocteau, ensinou Edith Piaf a tocar o sintetizador, mudou-se para os Estados Unidos onde escreveu o tema para a Disney World, e conviveu com Salvador Dali, que classificou de genial a sua versão da peça de Rimsky-Korsakov "O Vôo do Moscardo" (criado com a utilização de gravações tratadas e modificadas de insectos voadores). JJP é também responsável pelo tema "E.V.A.", remisturado em 1997 por Fatboy Slim e transformado num verdadeiro sucesso comercial. Ele também é co-autor do tema "Remember", dos Air no álbum "Moon Safari". Com a avançada idade de 77 anos, ainda actua ao vivo por todo o mundo, tendo inclusivamente estado recentemente na Rússia e nos EUA. Luke Vibert é o homem dos Wagon Christ, Plug, Amen Andrews, Kerrier District e muitos outros projectos. Gravou já para a Warp, Virgin, Mo' Wax, Ninja Tune, Rephlex, e recentemente para a Planet Mu, e com os seus colegas Richard ‘Aphex’ James e Tom 'Squarepusher’ Jenkinson foi um dos responsáveis pela revolução da música electrónica britânica no início da década de 90. O álbum "Moog Acid" é uma amálgama de estilos, não fossem os seus autores bem versáteis na criação de peças sonoras, sinónimo da criatividade do duo. Montagens inesperadas de criações de Perrey com influências do drum & bass, nu-disco, hip hop ou funk, e a adição de instrumentos como a cítara, o trompete, o Moog, e a própria voz do compositor francês dão origem a um dos discos mais originais e cativantes que escutámos este ano. "Moog
Acid could hardly be more likeable, the project sidesteps any potential descent
into the realm of kitsch whilst remaining utterly joyful at all times,
faithfully referencing both Perrey's lifetime of experimentation with recording
techniques and Vibert's contemporary production savoir faire. Ace."
Boomkat 1.
Intro
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Jel O novo álbum de Jel (ou Jeffrey Morgan,
como os seus pais lhe chamaram) continua a lançar as mesmas pontes entre o
hip-hop experimental, o rock psicadélico e o ambientalismo concretista que
se tornaram na imagem de marca da Anticon, com o apoio de uma mão-cheia de
colaboradores: Wise Intelligent (Poor Righteous Teachers), Stephanie Bohm
(Ms John Soda), Hervé Salters (General Electrics), Pedestrian e Odd Nosdam,
dos celebrados cloudDEAD. Com muito “beat” de drum machine e muito
“sampling” – Jel é um aficionado da SP-1200 e tem como base de dados do
seu DJing três décadas de hip-hop – “Soft Money” destaca-se sobretudo pelo
prenunciado melodismo, algo que virá decerto dos 13 & God, a sua (e de
Doseone, outra personagem de destaque do “rapping” alternativo) recente
parceria com o grupo pop The Notwist. As letras, como é hábito nesta
editora, revelam uma boa dose de consciência social e política, indo desde
apelos ao não consumismo (“Don’t buy this product / You don’t need it”, em
“To Buy a Car”) até diatribes contra a administração de George W. Bush (“WMD”).
Há aqui de tudo, no que respeita a situações musicais ou simplesmente
sonoras: estática, “drones” vagamente baseados em cordas de arco, baixos
de acentuação “funky”, pescadinhas de rabo na boca (leia-se “loops”) com
efeito rítmico, o velhinho mas sempre incontornável Fender Rhodes,
guitarras eléctricas que ora lembram Fennesz ora distorcem numa espécie de
rhythm ‘n’ blues cibernético, vocais com processamento e muito fuzz e
reverb. Se ouvirem bem reparam que Jel não programa a SP: são os seus
dedos que trabalham sobre os “pads”, em tempo real. Porque vem marcando a
diferença (chegou-se mesmo a comentar na imprensa que muito tem
“contribuído para reescrever o manual de regras do hip-hop”), alguns nomes
na ribalta procuram a companhia de Morgan, como Malcolm Mooney, o “outro”
vocalista dos Can, ou Mike Patton, o ex-Faith No More e ex-Mr. Bungle
agora nos Fantômas. Este novo título reforça a fama conquistada, e segue
até na esteira do seminal “Endtroducing” de DJ Shadow, percorrendo o mesmo
caminho em direcção ao desconhecido, se bem que com armas e argumentos
distintos. Àqueles que o acusam de se ter vendido à pop, ele tem a
resposta na ponta da língua, assinalando que a dita não passa de uma
estrutura dentro da qual é possível encontrar muito espaço para se
movimentar livremente. Como em tudo o mais, afinal, há pop e há pop... Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Joanna
Newsom 1.
Colleen
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Joanna Newsom 1.
Emily
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Jóhann Jóhannsson Jóhannsson não é propriamente o
artista típico de uma “label” como a 4AD, como verificamos conhecendo o percurso
do islandês no colectivo Kitchen Motors, e este não é o álbum que seria de
esperar mais no seu catálogo. Uma composição para orquestra de 60 elementos, a
Filarmónica de Praga, conduzida por Mario Klemens, a que se acrescentam alguma
electrónica e instrumentos como o órgão Hammond B-3, o piano, a celesta e sinos,
sons do velho computador modelo 1401 da IBM e “spoken word” estrategicamente
distribuída (a voz do seu pai, técnico da IBM, num fita com 30 anos de
existência com instruções para o uso daquela máquina), “IBM 1401, A User’s
Manual” tem a dimensão de um álbum conceptual mas um carácter de curiosidade que
desfaz à partida qualquer pretensiosismo. Para “nerds” de informática e
apreciadores de boas melodias.
1.
Part I
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John Duncan & Carl Michael von Hausswolff Agora que a realização de
filmes pornográficos parece ser coisa do passado na vida de John Duncan,
eis mais uma incursão do americano expatriado pela electrónica
experimental, desta feita com um dos monarcas (Carl Michael Hausswolff)
dos reinos unidos de Elgaland-Vargaland, um país unicamente existente na
Internet que tem artistas como cidadãos. A conversa telúrica indicada pelo
título é aquela em que os dois “escultores sonoros” se envolvem, mas
também encontramos um monólogo, dito aparentemente por Duncan. Trata-se de
uma estória de cunho fortemente burroughsiano, sobre um homem que viaja
até ao Egipto para estudar o veneno das cobras e até à Tailândia para
observar os lagartos locais. Coincidência ou não, a música tem um carácter
ziguezagueante, como se fosse o sucedâneo dos movimentos motores de um
réptil. Podemos, inclusive, entendê-la como uma analogia entre a locomoção
dos animais rastejantes, as transmissões radiofónicas (Duncan preza muito
especialmente a manipulação de ondas curtas) e os fluxos e descargas
eléctricos (algo que interessa a Hausswolff). O domínio é o da “drone
music”, mas sem a densidade desta, antes procurando uma qualidade que não
é própria do ruído, sendo este o tipo de material habitualmente utilizado
nestas construções, tal como aqui acontece – até a estática surge em “Our
Telluric Conversation” com uma transparência e uma cristalinidade que
surpreendem. Seja como for, os autores falam de magnetismo a propósito
deste álbum, tanto no que diz respeito ao fenómeno físico que explica a
atracção ou a repulsa entre objectos, como aos estados psicológicos de
duas pessoas que passam pelos mesmos processos de aproximação e
desencontro no seu relacionamento. O certo é que, não sabendo nós o que
aconteceu nesta colaboração (a segunda entre ambos), mesmo que tenha
havido alguma má química entre John Duncan e Carl Michael Hausswolff os
resultados são magníficos. Não muito dissemelhantes do que nos têm
ofertado nos respectivos projectos a solo, mas somando-lhes as
implicações. Se é assim que soa o conflito e a disfuncionalidade, tanto
pior ou tanto melhor, o que neste caso vai dar no mesmo. 1.
...Like a Lizard Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
John Duncan / Mika Vainio / Ilpo Vaisanen É caso para dizer: olhem que três! Figura
controversa da electrónica experimental, John Duncan fugiu das autoridades
dos Estados Unidos na sequência de uma performance abjeccionista em que
violou o cadáver de uma mulher (“foi como f***r com um bocado de carne”,
conta) para se tornar num cineasta pornográfico no Japão e só depois no
reconhecido, mas especialmente difícil, compositor que hoje é. Mika Vainio
e Ilpo Vaisanen, por sua vez, são os dois membros do projecto Pan Sonic,
os mesmos que num concerto à beira-Tejo, há uns anos, tocaram com um tal
nível de decibéis e uma tão virulenta agressividade na gestão das
frequências altas e baixas que se viam pessoas a saírem precipitadamente
do espaço da actuação para vomitar. Nós estávamos lá e se isso não nos
aconteceu, a verdade é que durante dois dias ficámos com os ouvidos a
zumbir. Juntar os três poria qualquer um apreensivo, mas se as duas
primeiras das “Nine Suggestions” deste CD são bastante duras, e
desaconselháveis para quem gosta de usar “headphones”, o resto do álbum é
bastante suave – se é que o termo se aplica a estas paisagens sonoras que
parecem anunciar a entropia – e foca até a nossa atenção nos mais pequenos
pormenores e nas diversas matizes expostas. Reunindo trabalhos em
colaboração desenvolvidos num período de três anos, neste disco Duncan
utiliza sobretudo rádio de ondas curtas e os seus companheiros da
Finlândia simples osciladores, ainda que seja perceptível o muito labor de
processamento em estúdio que aqui está investido. Como diz o avô de um de
nós, “com a idade todos nós nos acalmamos”. 1. Scratch Ring
John Foxx 1. Oceanic
John Parish Nome associado a PJ
Harvey, Eels, Giant Sand e Sparklehorse, não admira que o novo álbum
a solo de John Parish tenha aspectos da música ouvida em discos
assinados por esses nomes, entre os blues da primeira, a melancolia
dos Eels, o folk de Howe Gelb e os acentos góticos da banda de Mark
Linkous. Outra particularidade de “Once Upon a Little Time” é a voz
de Parish, que não se fazia ouvir há mais de uma década. Ainda que
fique claro que ele não é um cantor, assume aqui por completo que a
sua condição de autor de canções implica a interpretação destas. E a
verdade é que não se sai mal, suportado por um grupo italiano (só o
parisience Jean-Marc Butty é de outras paragens; alguns poderão
estar lembrados da colaboração dele em “To Bring You My Love”, da
superestrela alternativa Polly Jean Harvey) e por alguns “special
guests”, como Adrian Utley (Portishead), Jeremy Hogg (PJ Harvey) e
Hugo Race (Bad Seeds). As letras, essas, combinam elementos ora
intimistas, ora épicos, umas vezes mundanos e outras dissertando
sobre os grandes temas da existência, com tratamentos que vão do
sério (sério no sentido de que nos põem a pensar) ao humorístico. E
que diferente é este disco acentuadamente vocal do anterior “How
Animals Move”, com o seu carácter morriconiano e instrumental, uma
demonstração de que há outras coisas que interessam a este grande
obreiro. Ainda bem que as figuras de bastidores do rock (de
bastidores, mas decisivas para a sua evolução) se coloquem de vez em
quando sob os focos de luz para fazer valer o dito “a César o que é
de César”. 1. Salo Clique aqui para escutar todos os temas
John Tilbury
AMM John Tilbury: 1. Cascando: A radio
piece for music and voice AMM: 1. Track 1
John Wall A “sampling music” sempre teve como
característica a demasia de sons, quase em “overdose” de informação, como
se quisesse compensar com sugestões de gestualidade – é, por natureza, uma
abordagem teatral – a inexistência de “verdadeiros” instrumentos e
instrumentistas. Também John Wall passou por aí, realizando colagens com a
clássica, o rock e o jazz como fontes, na prossecusão de um dos ideais
deste tipo de investimento – o meta-estilismo, que acabou por tomar as
feições até de uma metamúsica. Até que tudo mudou – Wall foi reduzindo
drasticamente a paleta de elementos, cortou com a maior parte das amarras
idiomáticas, encurtou a duração das suas obras (à semelhança de outras
edições recentes, “Cphon” não ultrapassa a marca dos 20 minutos), abriu
espaços, assim desdensificando a sua música, e em alguns casos até
convidou músicos de carne e osso para os seus projectos, em vez de
simplesmente “picar” os discos que vai comprando. Continua a utilizar as
técnicas do “sampling”, se bem que agora num computador, mas já não é
possível identificar o que faz com aquela corrente. Este EP é bem um
exemplo disso mesmo, provindo a maior parte do material utilizado de
gravações do próprio autor ao piano, se bem que não seja possível
reconhecer este enquanto tal – aliás, essa é outra das características do
novo John Wall, a dificuldade, senão impossibilidade, do reconhecimento, o
que é precisamente o contrário das estratégias que nortearam, ou ainda
norteiam as poucas práticas assim identificáveis ainda reminiscentes, a
plunderfonia e o plagiarismo. Foi outra coisa o que ele divisou nos
processos proporcionados pelo sampler: a abertura de todo um campo de
possibilidades a nível da composição. Esta há muito deixou de ser uma
questão de caneta e papel, e se quiséssemos escolher um rosto que melhor
representasse as novas formas de compor essa escolha poderia recair sobre
Wall, que compõe com uma máquina, a mesma que depois executa a sua música.
Com pessoas dentro, a começar por ele próprio.
John Zorn «Moloch: Book of Angels Vol.6 - Uri Caine Plays Masada» CD Tzadik, € 16,50 A composição é de John Zorn e integra-se na série
“Book of Angels”, de que “Moloch”, aliás, é o sexto volume, mas os arranjos e a
interpretação são de Uri Caine e, de facto, ninguém melhor do que este
pianista-camaleão para dar vida a partituras que reflectem a história do piano
jazz (Art Tatum e Bill Evans pressentem-se muito claramente), acrescentando-lhe
elementos clássicos (Satie!!) e do riquíssimo universo musical judaico, que de
resto parece marcar cada vez mais o Zorn autor. E se este vem manifestando um
crescente fascínio pelo lado negro do Velho Testamento (Moloch é um dos demónios
dos idólatras israelistas, mas também de fenícios e cartagineses), o certo é que
as leituras de Caine são luminosas e inspiradas, comunicando-nos “sentires” que
não são propriamente os inspirados pelos sacrifícios de crianças que no passado
remoto do Médio Oriente eram realizados em louvor do deus que dá nome a este
disco. É um outro Uri Caine que se revela aqui, já não o que adaptou Mahler,
Bach, Beethoven, Mozart, Wagner e Schumann com a inclusão de um DJ, não o que
toca um Fender Rhodes com Dave Douglas e não aquele que se fez acompanhar por
músicos brasileiros em “Rio”. Nem sequer já o do seu primeiro disco a sós com um
piano, “Solitaire”, mas um grande executante que maturou mais uma forma de estar
na música, segundo muitos até a mais difícil de todas: o solo. Depois do
compositor, do arranjador, do líder, do “sideman” ilustre, finalmente o
performer de corpo inteiro. 1.
Rimmon
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John Zorn A edição em disco das composições para o
grande e o pequeno ecrãs de John Zorn já vai no tomo 18, constituindo
mesmo uma área à parte na sua produção composicional. Destinada a um filme
de Oren Rudavsky, “The Treatment”, a primeira comédia romântica que lhe
foi proposta (género que não é muito do seu agrado, tanto assim que no
início esteve tentado a recusar), o conteúdo deste “Filmworks XVIII” tem
uma instrumentação invulgar (violino, acordeão, vibrafone e contrabaixo, a
que se associa em duas faixas uma guitarra) e mesmo em termos estilísticos
trata-se de uma nova experiência, se bem que dentro do quadro de colagem
que lhe é habitual: tango de câmara, segundo o modelo estabelecido por
Astor Piazzolla, klezmer (mais uma vez descendo às raízes da música
judaica), um certo minimalismo reichiano e muito jazz. O produto final é
acentuadamente melódico e de uma leveza que só não estranhamos em Zorn
porque este tem dado conta ultimamente do seu gosto pelo chamado “easy
listening”, contendo inclusive um humor menos malicioso do que lhe
conhecemos nalgumas (raras) ocasiões, tendo em conta que o também
saxofonista de Nova Iorque gosta de parecer “deadly serious”, mesmo quando
se inspira nos desenhos animados. E isto não obstante algumas passagens
mais soturnas em termos dos estados de espírito investidos. Uma coisa é
certa: não é neste CD que encontramos um exemplo da sua “new radical
jewish music”. Mark Feldman, Marc Ribot e Kenny Wollesen são os nomes mais
sonantes entre os intérpretes desta partitura que, aparentemente, lhes
deixou espaços para improvisar (e swingar!), mas seria injusto não referir
o acordeonista Rob Burger e o contrabaixista Shanir Ezra Blumenkranz –
este, aliás, com uma função estruturadora determinante. O grande destaque
vai, porém, para o papel dado ao vibrafonista (Wollesen), o qual, apesar
de não se cingir a manobras colorativas, remete-nos para um modelo de
sucesso da música cinematográfica / televisiva: a “soundtrack” de
Badalamenti para “Twin Peaks” deve muito das ambiências criadas à
utilização desse instrumento. Não obstante ser fácil de ouvir, o que aqui
encontramos não dispensa alguns padrões rítmicos bem complexos e uma
gestão do contraponto que não envergonha os grandes clássicos. Aliás, John
Zorn é um músico de contrastes, em muitas ocasiões saltando de um extremo
para o outro. “O meu mundo musical é como um pequeno prisma. Olhamos
através dele e o que vemos vai num milhão de direcções diferentes”, lemos
no seu website pessoal. Alguns críticos já disseram que esta bem pode ser
a sua melhor banda sonora de sempre. 1.
The Treatment
Joseph Holbrooke Trio A morte de Derek Bailey no
Natal de 2005 dá uma ainda maior relevância a este duplo álbum que
documenta o reagrumento em 1998 do seminal Joseph Holbrooke Trio para uma
gravação de estúdio e um concerto em Koln, na Alemanha, e seminal porque
foi, entre 1963 e 1966, dos primeiros a configurar uma abordagem
especificamente europeia da improvisação (isto não obstante a sua
inspiração inicial no trio Bill Evans / Scott LaFaro / Paul Motion e no
período modal de Miles Davis), tendo esta como exclusivo meio criativo –
aquilo que o próprio Bailey viria a baptizar como “música não-idiomática”.
Além do guitarrista que desenvolveu novas técnicas e um novo léxico para
as seis cordas, faziam parte deste grupo Gavin Bryars (contrabaixo), que
entretanto se notabilizou na composição “clássica” com obras como “Jesus
Blood Never Failed Me Yet” e “The Sinking of the Titanic”, refutando a sua
anterior prática improvisacional, e o baterista Tony Oxley, neste contexto
já distanciado do jazz, o seu território de acção original e aquele a que
foi regressando diversas vezes ao longo dos anos, como no caso recente da
sua parceria com Cecil Taylor e Bill Dixon. Só agora estes registos vêem a
luz do dia porque o seu responsável, Gary Todd, da editora Organ of Corti,
sofreu um grave acidente que o vem obrigando a uma hospitalização
permanente, tendo acabado por passá-los à Tzadik de John Zorn. A principal
incógnita deste retorno residia em Bryars, cujas negativas opiniões sobre
a improvisação são conhecidas e que tinha abandonado o seu instrumento
para se dedicar apenas à escrita, mas é com agrado que o descobrimos em
“The Moat Recordings” como a coluna vertebral de tudo o que vai sucedendo,
com Oxley a concentrar-se muito especialmente na percussão metálica, não
se preocupando com métricas e tempos, e um Derek Bailey igual a si mesmo,
ora tocando eléctrico, ora acústico com os seus típicos, mas sempre
surpreendentes, fraseados alineares, uma curiosa utilização do pedal de
volume, para acentuação das dinâmicas, e uma subtil mas eficaz gestão de
“feedbacks” e dissonâncias. Esta edição vem colmatar a inexistência de uma
discografia do projecto que permitisse compreender, a quem não os ouviu na
altura, por que motivo continuava a ser tão falado décadas depois – a
única excepção foi um CD-ROM da Incus Records, a etiqueta de Bailey, que
incluía um ensaio de 1965 da formação (“Rehearsal Extract 10’26’’”) com
base num tema de John Coltrane, “Miles Mode”. Se alguns dos nossos
leitores ainda tiverem reservas quanto à suposta “secura” dos guitarrismos
baileyanos, diga-se que esta música não é desprovida de humor. Aliás, nem
outra coisa seria de esperar de um trio que nunca interpretou o compositor
de que usa o nome, Joseph Holbrooke. Disco 1: Clique aqui para escutar excertos do álbum
Josephine Foster Característica fundamental das
artes e da cultura contemporâneas, o fenómeno de hibridização a que vamos
assistindo parece definitivamente instalado. Mas se este é um procedimento
comum, ainda surge quem nos surpreenda, propondo algo que ninguém tinha
imaginado antes. O último caso é-nos apresentado por este “A Wolf in
Sheep’s Clothing”: nele, a cantora folk Josephine Foster faz um intervalo
no seu namoro com o rock psicadélico para pegar nalguns “lieder” de
Schubert, Brahms e Schumann, compositores típicos do romantismo germânico
do século XIX, e oferece-nos versões altamente intrigantes dos mesmos (no
Alemão original, atenção!), com acompanhamento de guitarra eléctrica em
distorção e muita dissonância (um essencial Brian Goodman, sempre a
caminhar na corda bamba mas a sair-se muito bem), contrastante com os
acordes de guitarra de caixa da autora destes arranjos, que têm a
simplicidade das baladas de fogueira à luz das estrelas, e com a sua voz
dobrada em tons diferentes, para maior tessitura e com vista a estabelecer
jogos de doçura e tensão, luz e sombra. Tudo isto é um anacronismo, está
claro, mas precisamente por o ser é que estamos perante um disco
excepcional – mais ainda pelo facto de não soar pretencioso nem rebuscado.
A vertente “retro” desta música é apenas aparente – simplesmente, Foster
resolveu mergulhar numa das grandes tradições da canção e mostrar o que
ela seria hoje se tivesse tido efectiva continuidade, ou seja, se a
fórmula não tivesse congelado e sido constantemente reproduzida nesse
estado de suspensão, e ainda se outras correntes da música vocal não
tivessem ganho uma relevância pública superior (referimo-nos à
sobreposição do canto americano popular sobre os europeus, “lieder”
clássicos alemães e ópera italiana incluídos, que no seu tempo eram pop)
relativamente a esta outra via.
1.
An
Die
Musik
Josh Rubin
Tal como prometido, finalmente disponibilizamos as
versões remasterizadas e editadas em vinil de 180g. Fiéis aos
originais, com as capas genuinamente reproduzidas, salientamos
especialmente o duplo álbum "Still", que, tal como os primeiros
exemplares da versão de 1981, vem envolvido num pano e numa fita.
Imprescindíveis.
Junior Boys 1.
Double Shadow
Clique aqui para escutar excertos do álbum
Kammerflimmer Kollektief 1.
Matt (David Last's Doki Doki Rock mix)
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Kangding Ray
«Stabil»:
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
«Set Your Center Between Your Parts in Order to»: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Karen
Dalton (10 "My favorite singer in the place was Karen Dalton. Karen had a voice like Billie Holiday's and played the guitar like Jimmy Reed." Bob Dylan "She is my favorite female blues singer." Nick Cave "Without a doubt, she is my favorite singer." Devendra Banhart "She sure can sing the sh*t out of the blues." Fred Neil 1.
Something on Your Mind Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Keiji Haino and Tatsuya Yoshida Um encontro entre o “guitar anti-hero” dos
Fushitsusha, conhecido também pelos seus álbuns a solo de sanfona,
percussão, electrónica e voz num estranho misto de psicadelismo, trova
medieval e improvisação livre, e o baterista dos Ruins, que tão bem soube
conciliar a tradição do rock progressivo com a verve do punk, só podia ser
algo de especial. E “New Rap” é-o sem sombra de dúvida, e mais até do que
poderíamos esperar. Como os americanos gostam de dizer, e pelo ouvido o
conceito existe também no Japão, o presente disco “kick ass”. Entrando
decididamente em território do “japanoise”, este duo de mestres senta-se
nos ombros de um gigante, os blues, e aí está a sua diferença
relativamente ao “noise” de “drones” (sons contínuos) ou de texturas que
muitos dos seus pares na cena nipónica preferem. Não se trata, bem
entendido, de um disco de rimas e “scratch”, ao contrário do que o seu
título pode sugerir, mas é evidente a vontade de propor uma nova música de
rua, tal como o rap em tempos já o foi. Nem que seja por ironia. Keiji
Haino toca rápido sem entrar na armadilha do virtuosismo, e o que faz com
as seis cordas e os pedais de que dispõe ocupa vários planos do espectro
sonoro, como se fosse mais do que um músico a tornar a electricidade num
fundamento criativo. Sobre as muralhas de “feedback” e distorção que vai
construindo cola por vezes alguns vocais do inferno, conciliando a
tradição Dada com o guturalismo do death metal. Se já estávamos cientes da
sua capacidade para gerir densidades e intensidades, nesta nova edição da
Tzadik de John Zorn excede-se a si mesmo. É a isto que se chama “extreme
music”, e muito mais apropriadamente do que noutros casos a que foi
aplicado tal rótulo. Wolf Eyes? Mouthus? Ao lado do que aqui encontramos
não passam de meninos de coro. Inacreditavelmente, Tatsuya Yoshida
encontra espaço para as suas pontuações rítmicas irregulares e os seus
fraseios percussivos quebrados. Cada batida das baquetas nas peles é de um
essencialismo que surpreende. O resultado pode parecer excessivo, mas os
meios para o obter são de um controlo e de uma oportunidade absolutos. E
não, nas intenções de Haino e Yoshida não está a prioridade de encadear
explosões de energia, mas de ir construindo uma aguda consciência do
corpo. O que eles pretendem é que os seus corpos ressoem no ar por meio
dos instrumentos. O guitarrista de que toda a gente fala costuma falar
disso nas entrevistas, e com um discurso que se aproxima do limiar do
misticismo. Esta é uma música com carne, sangue, nervos e vísceras.
Performarte. 1. Houston Street
Keiji Haino Quando já nos
habituávamos a vê-lo como o “guitar hero” da cena noise japonesa,
Keiji Haino pôs de lado a guitarra e experimentou outros sons, como
os da medieval sanfona e os da percussão metálica, além da própria
voz. E se as “seis cordas” já ele as processava fortemente, fosse a
solo ou no seu projecto Fushitsusha, ei-lo que surge com um disco
inteiramente electrónico. Como seria de esperar da parte de um
músico tão performativo, a electrónica de “Uchu ni Karamistsuiteiru
Waga Itami” (“Tangled up in the universe, my pain”, em Inglês) não é
a computadorizada, mas precisamente a que lhe permite uma maior
gestualidade, a proporcionada pelo theremin em versão digital e por
aquilo a que ele chama de “air synth” e “air FX”, ou seja,
instrumentos e gadgets que necessitam da proximidade do movimento
para serem accionados. A energia e a densidade do conteúdo deste
disco são as de sempre, mas aqui a um nível microscópico, para não
dizer subatómico, particularista na forma como esculpe cada
pormenor, incisivo sem ser matemático e altamente concentrado – os
drones são habitados por seres liliputianos e as investidas sonoras
têm carne e substância, que não apenas aparência. O que significa
que continua a fazer uma “body music” para as sinapses, condicionada
por um factor que Haino, assumido xamã contemporâneo, considera
básico na criação sonora, a experiência da dor, o mesmo factor que o
leva a contestar as pretensões daqueles que dizem fazer música “de
cura”, com o argumento de que não é possível curar sem antes ter
vivido a “doença”. Pelo ouvido, o antigo mentor dos seminais Lost
Aaraaff prefere ficar pela sintomatologia do que não funciona bem
organicamente. Esta é uma música de clínica geral (identificação das
patologias), não de cirurgia recuperadora.
Ken Vandermark/Paal Nilssen-Love 1.
First Hit, Second Fall
Também disponíveis:
Paal Nilssen-Love/Ken Vandermark
Kevin
Ayers (1) in UNCUT Outubro 2007 "The question 'why isn't Kevin Ayers an almighty star?' is up there with 'how did the universe begin?" Nick Dalton in Record Collector (14-09-2007)
1.
Only Heaven Knows
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Kid606 1.
Let It Roll
Clique aqui para escutar excertos de alguns dos temas
Kid 606 Já nos habituámos a que
cada novo disco de Miguel Depedro seja diferente do anterior e ainda
por cima mantendo a mesma identidade, o que é algo de notável, tendo
em conta que lança pelo menos três num ano. Para os que vibraram com
os impactantes “Down with the Scene” e “Kill Sound Before Sound
Kills You”, será necessário avisar desde já que este “Resilience” é
muito, mas muito mais calmo e “down to earth”. Em vez do noise à
Merzbow misturado com as rítmicas galopantes do digital hardcore de
uns Atari Teenage Riot e com o quase-ambientalismo de algum Aphex
Twin, o que agora encontramos é melodias simples sobre “beats”...
como dizer... “domesticados”, com colorações que vão do reggae ao
disco, mas sem a esquizofrenia sonora e estilística a que nos
habituou. Esta “normalização” da música do Kid levou já a que se
falasse neste álbum como no da sua maturidade, mas será de esperar
que o próximo título venha a desmentir que Miguel tenha assentado e
calçado as pantufas. Uma coisa é certa: “Resilience” é dedicado à
sua mãe, o que pode querer dizer que ele, por uma vez que seja,
desejou fazer algo de aceitável até no entender de quem nos deu a
vida e não quer estar por perto quando colocamos certas coisas no
tabuleiro do leitor de CDs. O que, atenção, não tem necessariamente
de ser mau. O disco fala por si mesmo, constituindo até uma prova de
que este “enfant terrible” da electrónica está igualmente à vontade
numa abordagem mais “mainstream”. Quem gosta de sintetizadores fique
também a saber que uma boa parte dos sons aqui ouvidos provém dos
ditos, ainda que samplados e manipulados em computador. 1.
Done With the Scene
Kieran
Hebden & Steve Reid Bastante diferente dos dois volumes
de “Exchange Session”, o novo álbum da dupla constituída por Kieran Hebden (Four
Tet) e Steve Reid (baterista com um currículo que passou por James Brown, Miles
Davis, Fela Kuti e Archie Shepp) é uma colecção de peças curtas, implicando um
enfoque em situações e já não em desenvolvimentos do tipo “jamming”. Numa altura
em que o formato duo de electrónica e percussão vai ganhando adeptos na área
experimental / improvisada – lembrem-se os casos de Lasse Marhaug / Paal
Nilssen-Love, Tom & Gerry (Thomas Lehn e Gerry Hemingway) e Humcruch (Stale
Storlokken e Thomas Stronen), a inflexão pode ser estratégica, mas tal
encapsulamento resulta numa via mais de associação do “sampling” (caso
vertente), do computador ou dos sintetizadores com as peles e os pratos de um
“kit” de bateria. Uma via pop será, como já a crítica observou, e de facto
“Tongues” é o título mais acessível desta colaboração, mas permite igualmente
aos dois músicos uma maior objectividade. Isso tem implicações na forma como
Hebden dispara os seus sons, com uma economia de recursos e um espírito de
síntese que, de facto, lhe faltavam enquanto improvisador em contextos de longa
duração, bem como no modo com que Reid centra as atenções num único quadro
rítmico, sem preocupações a nível de progressão. É verdade que se perde em “drive”,
sentido de construção e espontaneidade, mas ganha-se em termos composicionais e
formais. Será, no entanto, de crer que o futuro deste dueto não estará na
continuação desta vertente, mas num meio-termo entre as duas abordagens. Se
assim for, o melhor do projecto está para vir...
1.
The Sun Never Sets
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Kieran
Hebden & Steve Reid Ora aqui está um duo que ninguém imaginaria
possível, entre um dos mais interessantes cultores da electrónica com “beat”,
Kieran Hebden, mais conhecido como Four Tet, e um mestre da bateria, Steve
Reid, que tocou com os maiores do jazz (Miles Davis, Archie Shepp, Dexter
Gordon, Sam Rivers, etc.) e com nomes grandes da música negra como James
Brown e Fela Kuti. Segundo volume de uma colaboração que no início do ano
surpreendeu mas não foi muito mais além, esta nova “Exchange Session”
avança pelas pistas então anunciadas e conduz-nos a mais saciantes
desfechos. Quem tem apreciado as parcerias entre Stronen e Storloken sob a
designação Humcrush encontra aqui ainda melhor filão. À semelhança do tomo
anterior, a música contida neste CD foi inteiramente improvisada, e isso é
perceptível a cada momento, e não só naqueles em que estão claramente à
procura do que fazer a seguir. Tentar estradas secundárias para entrar na
via rápida sempre foi uma característica deste tipo de abordagem, e se nem
sempre isso é interessante para quem ouve, o que nos oferece de mais
impactante teve necessariamente de passar por aí. Como dizem os religiosos
progressistas, são muitos os caminhos para chegar a Deus, e o certo é que
esta dupla tem o êxtase como finalidade e propósito, aproximando-se muito
da epifania. Sobretudo em “We Dream Free”, e é efectivamente uma “free
music” o que ouvimos, plena de jazz e funk, mas com uma envolvência e uma
sonoridade que não encontramos normalmente nesses domínios. Não está muito
longe de “Africa / Brass” de John Coltrane, cujo modalismo é reinvindicado
por Reid, mas em vez dos sopros temos samples e sínteses. Muito bom. 1.
Hold Down The Rhythms, Hold Down The Machines
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Kim Hiorthøy 1.
I Thought We Could Eat Friends
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King
Kong 1. Bulldozers
Kites Kites é Christopher Forbes e este
“Peace Trials” um trabalho feito no singular, apenas com um
convidado episódico, Eric Rosenthal dos Udog. Com electrónica
“homemade” (não há computador, nem sampler nem sintetizadores
envolvidos) e guitarras (a acústica que se ouve por vezes tem apenas
três cordas e foi igualmente construída pelo próprio), tudo no
presente disco tem inscrita a filosofia DIY (de Do It Yourself, para
quem não sabe). A gravação, aliás, foi feita em cassete de quatro
pistas, sem recurso a produção de estúdio nem enfeites ou
correcções, seguindo a máxima “what you hear is what you get”. E o
que ouvimos vai do “noise” brutal à la Wolf Eyes, com uma atitude
punk de aparente displicência performativa (encenada, está claro,
pois Forbes mostra saber exactamente o que quer), a canções que nos
remetem imediatamente para os Pink Floyd dos primeiros anos e para
os vocalismos harmónicos típicos de Syd Barrett, ainda que com uma
dimensão “folky” acrescentada, consistindo estas no lado neo-hippie
do disco. Algo, de resto, que só surpreenderá quem não seguiu o
processo de continuidade dos princípios do “flower power” para os da
estética “no future” gerido pelos britânicos Crass, um paradigma no
que a esta questão diz respeito. A combinação no mesmo projecto de
materiais tão diferentes, longe de o tornar incongruente, surge sim
como as duas faces da mesma moeda: abstracções sónicas e figuras
melódicas, ruído branco e baladismo, são entendidos apenas como
formas possíveis do fazer musical nos dias que correm, mesmo que de
forma “revisionista”, uma não excluindo a outra. A coexistência de
muitos conceitos e práticas sonoras nas sociedades plurais de hoje
está a ser cada vez mais transposta para as visões personalizadas
dos músicos criativos. Nesta área, o certo é que já não vai sendo
possível identificar alguém como sendo exclusivamente “de rock”, “de
jazz” ou seja o que for. Tornou-se até difícil categorizar um
criador como “experimental” só porque parte das suas produções foge
à norma – aliás, se de normas quisermos falar, repare-se como as
explosões de “feedback” aqui registadas colam com o que fizeram
antes, e estabeleceram como vias de actuação, formações de “extreme
music” como Throbbing Gristle ou Whitehouse. Para todos os efeitos,
algumas das melhores canções pop dos últimos anos foram escritas por
músicos experimentais, e este Kites junta-se à lista. 1. Flag Torn
Apart
KK
Null "In June of 2006 i had the good fortune of
visiting Darwin in the Northern Territory in Australia and explored in Kakadu
National Park with some good friends. I took my digital recorder along with me
and did some live field recordings there. First we encountered a flock of wild
birds (Little Corella or Cacatua Pastinator) just beside the South Alligator
River, and then we happened to find "bush fire" flaring just beside the road we
were on. I also had a unique opportunity to record a magnificent symphony
orchestra of insects, frogs and birds in wetlands just before sunset. 1. Untitled
KK Null Este é o disco português do
guitarrista / vocalista do grupo punk-noise Zeni Geva, o mesmo que tocou
com Tatsuya Yoshida, dos Ruins, nos YB02, e com Seijiro Murayama, antigo
baterista dos Fushitsusha de Keiji Haino, nos Absolut Null Punkt, além de
ter colaborado com Mazami Akita, mais conhecido como Merzbow. Neste EP de
20 minutos que parecem uma eternidade, engolindo-nos na sua voragem como
um buraco negro (virá daí a referência cósmica do título?), deixa cair a
vertente punk, trocando a guitarra pela electrónica, e trabalha apenas com
a noise, ainda que se trate de um noise muito particular, inspirado nos
seus estudos do Butoh. Ensinou-lhe a dança imóvel do seu Japão natal a
obter o máximo de efeito com o mínimo de gestualidade musical e física, e
daí a tónica quase ambiental deste breve “Kosmo Incognita”, não obstante o
impacto sonoro inerente. E não, não se trata de uma “kosmic muzik”
convertida ao entendimento nipónico: em vez da impávida ordem sideral
metaforizada pelos electrónicos alemães, o que encontramos aqui é pura
entropia. Meteoros a embaterem violentamente contra planetas.
Kubik "Oblique Musique" já tem
um sucessor e chama-se "Metamorphosia", o novo álbum de Kubik,
heterónimo que identifica a "sampling music" de Victor Afonso,
guitarrista da Guarda que vem ganhando nome dentro das fronteiras
portuguesas e fora delas - Mike Patton, por exemplo, é fã. Aliás,
foi Kubik quem fez a primeira parte do recente concerto dos Fantômas
em Lisboa, a convite do antigo vocalista dos Faith No More. Afonso
apresenta este CD como uma "evolução na continuidade" e se, de
facto, as coordenadas são as mesmas (junção de situações sonoras que
se diriam incompatíveis, mas que nas suas composições ganham uma
notável lógica sequencial), o certo é que tem um sentido de nuance
que antes parecia estar ausente. Não que à estreia faltasse
subtileza; simplesmente, tinha um objectivo e pressa de lá chegar.
Agora, o também programador e responsável do serviço de educação
musical do Teatro Municipal da Guarda permite-se alguns desvios do
caminho traçado e umas pausas para respiração, dele e nossa, seus
ouvintes. A lista de colaborações a que recorreu é curiosa e denota
bem o seu interesse pela diversidade, indo do poeta sonoro Américo
Rodrigues a Adolfo Luxúria Canibal, dos Mão Morta, com o seu
embargado "spoken word". Um destes convidados especiais é Old
Jerusalem (Francisco Silva), curiosamente surgindo num contexto
musical que nada tem a ver com a folk e o baladismo e que resulta
mesmo num dos melhores momentos deste trabalho dividido em duas
partes, como se se tratasse de um disco de vinil que fosse
necessário virar. No labirinto desta obra de constantes metamorfoses
reencontramos o Victor Afonso mais experimental, aquele que se tem
revelado na sua faceta de improvisador, mas com maior evidência
ainda o que se interessa pela pop e pela música popular em geral,
incluindo as franjas mais criativas deste universo - uma certa "world
music" (atenção à gaita de foles e à forma como "casa" com tudo o
resto), os "beats" electrónicos de dança e os "riffs" de heavy metal
que reconhecemos ao longo das faixas são apenas alguns exemplos.
Altamente recomendado. Side a Side b
The Ladybug Transistor 1.
Here Comes The Rain (Jackie McCauley) Clique aqui para escutar excertos de alguns dos temas
The Lappetites 1.
Tzungentwist
Lasse Marhaug 1.
Alarmed And Distressed Duckling
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Lasse
Marhaug | Nils
Henrik Asheim
1.
Bordunal Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Lauren Hoffman
LCD Soundsystem Dois anos após o aclamado 1º álbum homónimo, e
inúmeros singles, eis que finalmente James Murphy regressa com os seus LCD.
O difícil segundo álbum é, na opinião de muitos, o consolidar do projecto no
panorama musical alternativo, mas para outros é também uma decepção, enveredando
por áreas mais dançáveis e pondo de parte a influência rock que marcava o
primeiro disco. A nossa opinião é a da maioria: a de que James Murphy voltou a
surpreender-nos com um álbum fora do vulgar, intenso nos ritmos, e arrojado nas
composições. E a crítica é também unânime. "Ao segundo álbum, James Murphy volta a responder, e fá-lo com uma distinção que talvez não fosse previsível" Vítor Belanciano in Ípsilon/Público "Certamente um dos álbuns mais esperados do ano, «The Sound Of Silver» não soa tão revolucionário quanto o primeiro disco da banda mas não deixa de ter óptimas canções." Davide Pinheiro in Disco Digital "James Murphy e Tim Goldsworthy regressam com som ainda mais refinado. Brilhante." Rui Miguel Abreu in Blitz 1.
Get Innocuous!
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas ou então aqui para escutarem o álbum completo
LCD Soundsystem Disco 1:
Leafcutter
John 1. Let It Begin Clique aqui para escutar excertos de alguns dos temas
Lee Ranaldo, Carlos Giffoni, Thurston Moore,
Nels Cline Gravado ao vivo em 2001 num
bar de Brooklyn que entretanto fechou as portas, mas só agora editado,
este registo junta dois consagrados da distorção guitarrística (e membros
dos Sonic Youth), Thurston Moore e Lee Ranaldo, a duas figuras das seis
cordas que na altura se encontravam em plena ascensão: Nels Cline divide
agora a sua actividade entre os Wilco e um jazz-country-rock de cunho
experimental, e Carlos Giffoni tornou-se num dos grandes militantes do
presente noise nova-iorquino, seja enquanto membro dos Monotract (e em
parcerias como a que teve com Lasse Marhaug, o Merzbow europeu) ou a
organizar o New York No Fun Festival. Totalmente improvisado, o que quer
dizer que, para além de não haver temas melódicos nem estruturas, não há
igualmente nada que se pareça com um “riff”, “Live At Luxx” tem um
substracto rock, sem dúvida, mas depois de passado pelo alambique
eléctrico / electrónico destes quatro “enfants terribles” do género ou
próximos dele. O que temos, então, é muito “feedback”, harmónicos de
cortar à faca, explosões sónicas vagamente inspiradas no punk ou no metal
(vulgo “power chords”) e logo seguidas por parasitagens de dimensão quase
microscópica (é preciso escutar várias vezes e de muito perto estas
texturas para detectarmos tudo o que acontece), jogos tonais / politonais
/ atonais e uma particular devoção pelas dinâmicas. O nirvana de quem
gosta de guitarrismos experimentais, em suma, bem como do tipo de
improvisação em que os egos capitulam face à lógica colectivista
ambicionada. De facto, não é possível perceber quem faz o quê nesta
amálgama, e isso apesar da excelência da gravação em multipistas, com cada
vibração sonora claramente perceptível. Quem tem acompanhado o trabalho de
pesquisa realizado por Moore e Ranaldo fora dos Sonic Youth, ou nos discos
mais “off” destes, saberá à partida o que pode encontrar aqui, mas o
envolvimento de Cline e Giffoni impede-lhes uma cristalização nas suas
formulações habituais. O primeiro terá influído no cuidado que, apesar de
tudo, é dado à forma, e o músico de origem venezuelana parece arrastá-los
ainda mais para os extremos da estética do ruído. Daqui resulta a vívida
impressão de que há mesmo ordem no caos. 1.
Live At Luxx
Leslie Woods and Dark Mountain Orchid Disco 1: 1.
Train
Disco 2: 1.
Velvet Sky
Letters
Letters 1.
Favorite Hands
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Liars 1. Be Quiet
Lightning Bolt Se nos últimos anos o
noise parece ter mudado de armas e bagagens para a electrónica, o
duo de baixo e bateria (e vocais por meio de “throat miking”)
Lightning Bolt tem sido dos poucos, com, por exemplo, os Wolf Eyes e
os Black Dice, a trazê-lo novamente para o abraço do rock. Mas não
se pense que num formato free, como é habitual acontecer quando
noise e rock se mesclam. O noise de “Hypermagic Mountain”, mais até
do que no anterior “Wonderful Rainbow”, é acompanhado pelo constante
alinhamento de “riffs” e até encontramos o que podemos entender como
melodias, figuras animadas numa paisagem brutal de cor cujos
contornos não conseguimos adivinhar. Vendo bem, apenas se distinguem
do preciosismo métrico de uns Ruins pelo facto de serem mais
primários (na medida, claro, em que um “modern primitive” o pode
ser) na gestão do seu virtuosismo instrumental (virtuosismo de
facto: atente-se bem na metralha rítmica de Brian Chippendale), o
que ainda se torna mais óbvio por cada uma das suas actuações
funcionar como uma cerimónia xamânica, toquem eles ao vivo ou em
estúdio. Para ajudar nesta adequação do noise à moldura do rock, a
produção deste álbum procura colocar tudo a claro, ao arrepio da
atracção da “noise music” pelos ruídos branco e cor-de-rosa. É assim
que a voz se ouve melhor, em vez de surgir embrulhada pela massa de
distorção e “feedback” herculeamente mantida por Brian Gibson, e é
assim igualmente que nos apercebemos melhor das construções tonais,
que deixam de ser apenas elementos de contradição e surpresa num mar
abstraccionista para se tornarem numa quase permanente antítese. 1. 2 Morro Morro Land
Lindstrøm A capa do EP é da autoria do também genial Kim Hiorthøy. 1.
The Contemporary Fix
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Lindstrøm "A carreira de Lindstrøm disparou após uma série de máxis que só por si deram início a um movimento que a imprensa viria a chamar de “space disco”. É também sobejamente conhecido pelas suas misturas, que incluem LCD Soundsystem, Roxy Music, Franz Ferdinand, Annie e o artista da DFA Juan McLean. No ano passado Lindstrøm também editou um álbum de parceria com o amigo DJ Prins Thomas, denominado “Lindstrøm and Prins Thomas”, um disco editado na Eskimo Records e enormemente aclamado pela crítica mundial. O seu tema mais conhecido, “I Feel Space”, que saíu em 12” na Playhouse e na Feedelity, já vendeu mais de 17.000 cópias em todo o mundo, um número impressionante para uma edição em vinil. Agora chegou finalmente a altura de compilar todos os seminais máxis de Lindstrøm num só CD. O álbum inclui também ”The Contemporary Fix”, um tema novo do 12” já divulgado por Pete Tong e Annie Mac na BBC radio. No início de 2007 sairá também um single/EP do álbum com uma remistura de EYE dos Boredoms." Press Release da Smalltown Supersound "Todos os movimentos têm o seu porta-estandarte. Lindstrøm é quem carrega o do nu-disco, a reencarnação do disco-sound vestido de poderes cósmicos e de fato espacial. O nu-disco, sobretudo o de Lindstrøm, está algures entre a pista de dança e os limites do espaço-tempo, é brilho, sombras e grooves que funcionam a nível epidérmico. Isso e melodias que escorregam num elegante fio de azeite que, apesar de algumas ameaças (perigosas em "I Feel Space") nunca resvala para o kitsch inconsequente." Isilda Sanches in Diário de Notícias "O título remete para o nome da editora. Seria difícil produzir ideia mais banal. Só que as aparências ainda enganam. Sobretudo quando se trata de quem já revelou sagacidade no desempenho da espinhosa tarefa de procurar uma saída para o impasse da estética de dança." Ricardo Saló in Expresso "O norueguês, como qualquer amante de "disco" não resiste a um efeito de sintetizador, a um arranjo de cordas faustoso ou a uma percussão eloquente, mas aquilo que o distingue é a exacta medida das proporções. As suas longas suites, quase sempre intrumentais, são polidas e equilibradas. Os elementos digitais e acústicos sucedem-se voluptuosamente, a instrumentação é orgânica, as texturas luxuriantes e a acção rítmica pacificadora. Há um clima de suspensão imutável, como se esperássemos por um clímax que nunca acontece." Vítor Belanciano in Público 1.
Fast & Delirious (retirado de Lindstrøm - Untitled Ep Feed000)
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LJ Kruzer 1. This Is How I Write
London Sinfonietta Se nos EUA o Kronos Quartet sempre
perseguiu a ideia de que se podia dar um enquadramento pop à música “clássica”
contemporânea e na Alemanha o colectivo de câmara Zeitkratzer vem entendendo que
o experimentalismo pode ter o mesmo tratamento, chega-nos agora da Grã-Bretanha
um duplo álbum da London Sinfonietta em que ambos esses parâmetros – o
“clássico” (entre aspas porque, neste como em outros casos, o rótulo não
corresponde à realidade dos factos – afinal, o classicismo ficou-se pelo século
XVIII e o que depois surge nessa linha são ressurgências “neo”) e o experimental
(um termo que, mesmo sem aspas, é muito discutível) – são associados numa
embalagem teoricamente destinada ao grande público. O curioso de “Warp Works &
Twentieth Century Masters” é juntar interpretações / adaptações de obras-chave
de alguns grandes compositores do passado recente e do presente (John Cage,
Conlon Nancarrow, Steve Reich, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varèse e Gyorgy
Ligeti) a nomes que se notabilizaram na electrónica popular da actualidade,
simultaneamente inovadora em termos musicais e ligada ao universo do lazer, pois
vive no seio da “club music” (Aphex Twin e Squarepusher). O curioso é que não
foi a London Sinfonietta que assim procurou expandir a sua audiência e adoptar
uma aura de “modernidade” (queira isso dizer o que for nestes dias em que o
próprio conceito por detrás da palavra se relativizou) – foi a própria Warp, a
editora de Aphex Twin e Squarepusher, que o fez. O álbum saiu nesta etiqueta e o
seu conteúdo resulta de concertos da orquestra em 2003 e 2004 promovidos por ela
mesma. É um factor inverso que tem lugar: uma estrutura alicerçada na cultura
pop, ainda que conhecida pelo seu interesse em relação às práticas “underground”
com utilização de instrumentário electrónico, interessou-se em buscar
relacionamentos com a música “do outro lado”, a vulgarmente (e em muitos casos
erradamente) designada por erudita. E a verdade é que há paralelismos – de
resto, o primeiro CD abre com duas peças de Aphex Twin para piano preparado, uma
“invenção” de Cage na década de 1940. O simples facto de existir uma edição como
esta significa que as hierarquizações existentes na música (sociais, etárias,
etc.) estão a ser postas em causa. Anseia-se pelo definitivo desmoronamento. Disco 1: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Loose Fur 1.
Hey Chicken
L-R
& RadioMentale A música que acompanha, sublinha, perturba e enriquece este fluxo de palavras não é mais do que o ambiente sonoro que nos envolve. Sons de rua, excertos de discos, frequências perturbantes e máquinas em funcionamento The music that accompanies, underlines, perturbs and enrichs this flow of words, mirrors the sonic environment that surrounds us. Everyday sounds, samples from hit records, disturbing frequencies and banging machines opõem-se a este coro polifónico de vozes e memórias. Co-escrito por Jean-Yves Leloup, Eric Pajot e Jean-Philippe Renoult, "I Could Never Make That Music Again" começou como uma série de entrevistas realizadas entre 1990 e 2004 para a imprensa musical francesa (as revistas Coda e Trax) e faziam parte integrante do livro "Global Tekno" (co-escrito por Renoult e Leloup). Foram também transmitidas na famosa estação parisiense de música electrónica Radio FG, e também na estação pública France Culture. ao longo dos últimos quinze anos Leloup e Pajot têm vindo a trabalhar juntos como RadioMentale (originalmente um programa de rádio na FG) e em 2000 Renoult lançou "Sonotales", um workshop experimental para rádio transmitido na France Culture. Esta aproximação dupla é o que faz deste álbum uma peça
original e única. Arquivos históricos, artigos, criações sonoras e fragmentos
musicais enterlaçam-se e formam um trabalho híbrido que poderá lembrar a alguns
o ponto alto das emissões radiofónicas da BBC e da Radio France. "I Could Never
Make That Music Again" é uma peça de arte rádio que mistura crítica musical e
inovação sonora, e coloca todas as ideias tecnológicas e culturais
nascidas no final do Séc.XX ao mesmo nível. 1. I Could Never Make That Music Again
Luc Ferrari Luc faleceu pouco mais de um mês após esta
experiência. Acabou por ser a sua brincadeira derradeira.
Luc Ferrari 1-5.
Far-West News Episode 2 (May 1999) Sept 17–24, 1998 - From Page to the Grand
Canyon
Luc Ferrari 1.
Presque Rien No. 4
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Luigi Archetti/Bo Wiget
Existirão poucas bandas na história da música pop e da música independente com um percurso no caminho das canções tão brilhante quanto o dos Galaxie 500. A banda de Dean Wareham, Naomi Yang e Damon Krukowski deixou três álbuns de estúdio repletos de canções perfeitas e saiu de cena de forma inesperada, em nota altíssima, entrando quase imediatamente para os cânones e não dando espaço a que o seu legado ficasse poluído pelas falhas que o tempo pode trazer. (Conferir em «This Is Our Music», «Today» e «On Fire», claro, mas também no DVD «1987-1991: Don’t Let Our Youth Go To Waste», editado pela Plexifilm). De muitas formas os Luna foram sempre a ressaca dos Galaxie 500. Dean Wareham partia do trio de alguns dos meninos mais bonitos dos independentes norte-americanos da segunda metade dos anos 80 para formar uma espécie de super-grupo de indie rock, com o baixista Justin Harewood (dos Chills) e o baterista Stanley Demeski (ex-Feelies). O lirismo da incendiária guitarra de Wareham continuou intacto, contudo o que antes era urgência passou a ser placidez, palidez lírica e um tipo de electricidade mais experiente e sábia. Se os Galaxie 500 eram as primeiras cervejas bebidas em idade ilegal numa festa adolescente de sótão, os Luna foram margueritas em Miami, por entre palmeiras – ou aperitivos preparados para acompanhar leituras amadurecidas de Douglas Coupland e Brett Easton Ellis. Doze anos e seis álbuns depois da estreia com «Lunapark» (sem contar com o registo ao vivo «Luna Live»), os Luna editam o seu derradeiro longa-duração, «Rendezvous». Para quem acompanhou minimamente o caminho dos Luna até aqui é precisamente aquilo que está a imaginar que é, imaculadamente composto, executado e gravado. Está cá a influência do terceiro álbum dos Velvet Underground, os «rockers» à Jonathan Richman eléctrico «vintage», o humor irónico e mordaz «thirtysomething» e as boas canções, as faixas mais vagarosas e «mellowed out», como um Neil Young com swing. Está cá, em todo o seu esplendor, o clássico «interplay» de dois dos «guitar heroes» do indie da década de 90: Dean Wareham e Sean Eden. Mestres no solo lírico-melancólico, exercem com total controlo e elegância o seu poder sobre a guitarra. Eden finalmente canta num álbum dos Luna, em «Broken Chair» e «Still At Home» (dois dos pontos altos), depois de vários créditos de compositor ou co-compositor em prévios lançamentos dos Luna. Britta Phillips, a baixista do grupo para o século XXI, adiciona à equação uma sensualidade e languidez próprias, acentuando o carácter etéreo e sonhador da banda. É com a sua voz que se misturam hoje os falsettos de Wareham, naquele inominável ponto de efervescência dourada, brilho intenso e ausência de gravidade que recordamos dos tempos dos Galaxie 500. Neste ponto já ninguém esperava (alguma vez esperámos?) uma revolução na música dos Luna. Apesar disto, não deixamos de ficar com uma sensação de dever cumprido de uma que abandona a actividade com classe, coerência, homogeneidade estética e imaculado percurso. Afinal de contas, «Rendezvous», como todos os melhores discos dos Luna, é um óptimo álbum para domingos à tarde pachorrentos, preguiçosos, confortáveis e leves. E todos sabemos como isso toca a todos de vez em quando.
The Magic Band Pode até ser que a
motivação que tenha levado ao reagrupamento da Magic Band
com músicos que pertenceram a diversas formações de Captain
Beefheart tenha sido a nostalgia pela época
de ouro do rock and roll, um sentimento, aliás,
que explica muitos regressos actuais a estéticas de há 30,
40 anos, mas mesmo que a única justificação
que encontremos seja essa (decididamente não
é, e diga-se mesmo que a visão da música de Don Van Vliet não teve
propriamente continuadores), a excelência dos resultados
finais é suficiente para considerarmos que
certos impulsos neo-modernistas valem, afinal, a
pena. A única diferença é que, se a Arkestra de Sun Ra sem
Sun Ra não faz mais do que continuar o legado
do imigrante de Saturno na Terra, o que é
perfeitamente legítimo, a Magic Band sem Don Van Vliet / Captain
Beefheart,
à semelhança dos Fast 'n' Bulbous do saxofonista Philip
Johnston, que contam igualmente com a
contribuição de Gary Lucas (parceiro do cantor no período
"Ice Cream for Crows" em grande forma neste "21st Century Mirror Man"),
constitui um tributo e uma relembrança de uma maneira de estar no
rock e nos blues eléctricos que parecia ter
ficado definitivamente arrumada no armário
do tempo, estéril e esquecida. Pois a verdade é que música
que consegue atingir tal grau de excitação
não pode estar morta e música que ainda mantém
este carácter inovador está muito à frente de propostas actuais cujo
selo de validade será com certeza bem mais
curto. Se nos é permitido torcer o nariz ao
critério que levou John "Drumbo" French a cantar com uma voz em tudo
semelhante à do "shouter" que resolveu retirar-se dos palcos e dos
estúdios
de gravação e dedicar-se exclusivamente à pintura, tanto
assim que parece estarmos em presença do dito
cujo, o que (re)encontramos neste CD e neste
DVD gravados em vários concertos de 2003 e 2004 - um deles,
inserido no All Tomorrow's Parties,
comissariado por Matt Groening, o pai da série
televisiva de animação "The Simpsons" -, mantém uma pertinência
notável nos dias de hoje. Tanto mais que
aconteceu num contexto de revitalização das
raízes do rock que explica a existência de uma PJ Harvey ou de uns
White
Stripes. Não é a primeira vez que o passado se torna
futuro, ainda que raramente com esta "garra".
A pop "buble gum" é que ainda não percebeu que o
presente não existe, apenas o "antes" e o "depois" de cada
momento. Quando "Mantis" Lucas
assinala no seu diário online que nasceu no mesmo dia que
Brian Wilson e Eric Dolphy e que estes são os seus pólos
referenciais, ele
não está mais do que a apontar dois nomes do "antes" que em
associação prefiguram esse "depois" que Van
Vliet adivinhou e que os seus próximos ainda
estão a construir. Bem hajam... 1. Matt Groening Spoken
Introduction
Magoo 1.
Welcome
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Make Up Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Man 1.
You're In For It
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Manhead Manhead (noutros contextos também
conhecido como Headman) é a cabeça que está por trás da etiqueta
Relish, Robi Insinna, o mesmo que vem animando como DJ as noites de
Zurique desde 1999 e editando "remixes" de Franz Ferdinand, Annie e
Mylo. A sua causa é o disco-punk, na versão Manhead pretendidamente
mais electrónico e mais pop, ainda que sempre com a pulsação da
house que é a sua imagem de marca seja qual for o pseudónimo
escolhido e a mesma referenciação na música de dança da década de
1980. As piscadelas de olho vão-se sucedendo faixa a faixa, "Show Me
the Way" sugerindo o que poderia ser um encontro de Weatherall com
Air, "Hey Now" funcionando como uma homenagem a "Hey Ya" de Fac 51 -
D-Shake, "Sister" dirigindo-se descaradamente aos fãs da fórmula
Music For Freaks e "Special" aludindo aos New Fast Automatic
Daffodils. A atitude de Insinna é, no entanto, tudo menos
estereotipada: "Posso trabalhar com computadores, mas não quero nada
que pareça limpo", assegura. Admirador confesso dos New Order e dos
Liquid Liquid, este reciclador de estilos apresenta-se como um
retrofuturista que vai buscar às memórias da "club music" e da pop
os ingredientes para a sua própria invenção de um futuro em que
reine o que apelida de "música electrónica para o corpo", feita de
rock, funk e hip-hop, géneros desenvolvidos a pensar na motricidade
humana e na inventividade da líbido. O muito "swing" e o "groove"
deste disco saído da nebulosa techno, bem como a vontade de que esta
música seja "all about feelings", têm um evidente enfoque europeu.
Manhead inscreve-se mesmo na típica linha germânica de robotização
dos ritmos, pelo que os Kraftwerk não andam longe.
Mapstation 1.
Horns Version
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Marc Leclair
Maria Taylor 1. Leap Year
Marissa Nadler Contar histórias é uma
tradição na folk, sobretudo a britânica, mas como com Marissa Nadler
a balada é um formato em processo de reinvenção, a personagem (Mayflower
May, que já tinha utilizado no seu primeiro registo) importa mais do
que a narrativa. E como no cinema, que mesmo quando realista trata
de temas “out of the ordinary”, Nadler canta episódios que não são
propriamente os mais banais, ainda que possamos identicar-nos com os
sentimentos expressos. A melancolia pode não se compadecer com o
dia-a-dia das grandes cidades, mas é sem dúvida uma consequência dos
contratempos próprios da existência moderna, nas suas diversas
manifestações. Mesmo as mais agrestes – note-se que algumas destas
canções entram na categoria das “murder ballads”, não para nos
falarem de violência, mas sim da perda dos que nos são queridos. Só
“Lily, Henry, and the Willow Trees” foge a este figurino, adoptando
mesmo características que já foram classificadas pela crítica como
“gore”. Importa não esquecer que em “Balladas of Living and Dying”,
a sua estreia discográfica, Marissa Nadler utilizou poemas de Edgar
Allan Poe, um mestre do género. E quem disse que a melancolia se
pinta necessariamente a cinzento e mostra campos cobertos de neve e
árvores despidas? “The Saga of Mayflower May” está cheio de cores,
sejam a cor dos olhos de um amante ou a de uma certa incidência da
luz do sol sobre a vegetação e as casas. A melancolia da folk
psicadélica sempre foi diferente, e a verdade é que é no caldeirão
da década de 1960 que esta cantora vai beber inspiração e
referências. Por vezes, lembra-nos até Linda Perhacs e Vashti Bunyan.
Além disso, a voz de Marissa consegue ser misteriosa e sedutora sem
perder o encanto da sua fragilidade e o alcance do que pretende
afirmar, mesmo que nos leve para terreno desconhecido, o que
significa que podemos tecer dela várias interpretações num mesmo
fôlego. Para todos os efeitos, a alma humana é complexa e
incoerente, capaz do mais sublime mas também afoita à traição e ao
assassínio. Se gostarem de Mazzy Star, como nós, vão com certeza
querer ouvir este trabalho. 1. Under An Old
Umbrella
Mark Fosson 1.
Jubilaya
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Markus Kienzl Quando se pertence a um
colectivo com a forte personalidade dos Sofa Surfers, quaisquer
actividades a solo são secundárias, e foi esse o trajecto de Markus
Kienzl por EPs, bandas sonoras e remixes. Até que aconteceu este "Product"
e nos vimos obrigados a abandonar tal noção. Inserível na distintiva
"escola de Viena" da música feita com "beats", este álbum é muito
mais "negro" do que qualquer produção da dupla Kruder & Dorfmeister
para as pistas de dança, graças em grande parte ao trabalho
desenvolvido ao nível das vozes pelos convidados, que vão do mais
literal rap (Oddatee) ao soul/jazz (Barbara Stanzl), passando pelo
ragga (Paul St. Hilaire), mas também a composições, arranjos
instrumentais (atenção aos sintetizadores analógicos de Andy Meecham
aka Emperor Machine aka Chicken Lips) e misturas pouco comuns nas
práticas "dub", chegando mesmo a incluir uma vertente experimental,
especialmente evidente na última peça do disco, a admirável "Found",
com a sua percussão quase de música de câmara contemporânea. Muito
do atractivo deste excelente álbum vem dos contrastes operados, tudo
se encaixando como que por milagre. "Dundy Lion" e "Like a Ghost"
são bons exemplos do jogo entre a electrónica de recorte
ambiental/industrial (Kienzl ouviu com certeza "In the Shadow of the
Sun", dos Throbbing Gristle) e os vocalistas centrados em universos
estilísticos totalmente alheios, um em termos de impacto e o outro
de lirismo, ambos alicerçando a sua eficácia precisamente na
estranheza das combinações. Como o próprio autor desta surpresa já
teve ocasião de afirmar: "Se a 'club music' é obviamente importante
para mim, aborrecer-me-ia de morte se tivesse de fazer um disco
inteiro só com música de dança." Para colocar na estante ao lado de
CloudDead, "Derbe Respect, Alder" da parceria Faust/Dalek, Third Eye
Foundation, Autechre e Squarepusher.
Martin Lilleker
Alinhamento do CD: Clique aqui para ver o trailer de "Made In Sheffield"
Martyn Bates Martyn Bates: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas Eyeless In Gaza:
Na ideal documentação do jazz, assegurada ou não a fidelidade do registo, é natural dar-se primazia aos concertos. A razão é simples e de todos conhecida: para além do planeado numa pauta, do gravado em estúdio ou do que nasce por entre ensaios, há na maioria das composições que no género se inscrevem (quando as há) espaço previsto para a improvisação e espontaneidade dos seus intérpretes. O que, diga-se, em si mesmo e por si só não é aval de excelência - são muitos os factores que contribuem para que a imortalização de um momento preciso documente algo de verdadeiramente excepcional. Mas, paradoxalmente, a história do jazz está deles repleta. Charlie Parker, Bill Evans, John Coltrane, Lester Young, Albert Ayler, Sonny Rollins, Miles Davis ou Keith Jarrett possuem na edição em CD de concertos das suas formações alguns dos mais lúcidos e esclarecedores momentos nas suas carreiras. John Zorn, como é sabido, sempre privilegiou esta faceta da sua produção. Por isso, agora, a fechar o ano, surge com naturalidade um DVD dedicado ao seu projecto Masada, com Dave Douglas, Joey Baron e Greg Cohen – porventura o mais emblemático, sólido, original e bem sucedido quarteto a surgir no mundo do jazz nos últimos 15 anos. E desta vez não nos ficaremos apenas por ouvir tudo o que de novo surge nas suas apresentações. Podemos, pela primeira, vez, assistir por inteiro ao ritual que lhe dá origem. E, como não poderia deixar de ser, o resultado é de tirar a respiração. Uma montagem agressiva a acompanhar as improvisações deste virtuoso quarteto, colocando-nos em todos os pontos do palco e colando-nos à pele e respiração de cada um dos seus intervenientes. 68 vertiginosos minutos de concerto no Tonic, em 1999 – 3 câmeras, som stereo/surround 5.1 –, realizado por Antonio Ferrera, prestigiado documentarista da série «With The Filmmakers» (um conjunto de filmes sobre cineastas, onde se incluem capítulos dedicados já a Martin Scorcese, Jane Campion, Wes Anderson e Robert Duvall). Uma intensa e reveladora viagem por 11 capítulos do clássico repertório Masada, consagrado entre ’91 e ’99 nas 10 gravações para a japonesa DIW, e, no novo milénio, reavaliado em 13 volumes com ele relacionados – entre gravações ao vivo do quarteto à sua expansão, transformação e redução pelas mãos de cúmplices de Zorn - para a Tzadik.
The Master Musicians of Joujouka 1.
Boujeloud Al Boudadi
Mats Gustafsson/David Stackenäs Para muitos, a música
improvisada feita no Velho Continente é o free jazz sem o fundamento
dos blues, mas para contrariar quaisquer ideias feitas que possa
haver sobre o que é a livre-improvisação, o jazz ou a folk
afro-americana, os suecos Mats Gustafsson e David Stackenäs
surgem em "Mountain Blues Sweden" a tocar a folk negra dos EUA à sua
maneira (isto é, transfigurando-a, ainda que com a preservação do "feeling"
e da coloração específica do género), com dedicatórias a alguns dos
seus grandes nomes, como Memphis Minnie, Howlin' Wolf, Hound Dog
Taylor e Albert King. E isto, ironia das ironias, produzido e
misturado por Guy Picciotto, do grupo rock Fugazi. Aliás, no que
respeita a este prego na engrenagem dos blues, do jazz e da
improvisação, convirá lembrar o que noutra altura e noutro contexto
Gustafsson disse sobre o guitarrista que com ele emparceira neste
projecto, ao assinalar que a atitude de Stackenäs
é tipicamente rock, mesmo que em contextos por nós julgados alheios
a tal. Como não podia deixar de ser, este disco complica ainda mais
as discussões que se vão fazendo sobre a prática improvisacional
como coisa idiomática ou não-idiomática (enfim, para todos os
efeitos apenas uma questão académica). O facto de estas
improvisações se basearem numa tipologia muito definida da música
poderia bastar para as classificarmos como idiomáticas, mas a
leitura que o saxofonista e o seu parceiro deles fazem não o é
decididamente. Inclusive, ouvimos Gustafsson aqui por vezes a
abandonar a articulação de freaseados, uma característica "não-idiomática"
da "free music". 1.
Shave 'Em Wet (To Memphis Minnie)
Matt Elliott Quando Matt Elliott trocou o projecto electrónico
Third Eye Foundation pela canção folk, entendeu-se tal como a resposta ao mesmo
chamamento da simplicidade que levou outros a aderir ao “lowercase” ou à
electropop, no seu caso indo até um pouco mais longe e ao abandono do sampler em
favor da guitarra de caixa, mas o certo é que o Elliott cantautor está a ficar
com tantos emaranhamentos de situações e particularidades quanto os de, por
exemplo, “You Guys Kill Me”. Até os resquícios de My Bloody Valentine presentes
em “Semtex”, o primeiro Third Eye, voltam a surgir neste novo “Failing Songs”,
se bem que em enquadramento pós-rock. A música dos Balcãs está ainda mais
presente do que no anterior “Drinking Songs”, casando-se com motivos hispânicos
e ciganos, e as atmosferas criadas, tal como as letras de resto, são tudo menos
leves, falando-nos de guerras, morte, desespero, azedume e resignação. É um
disco pesado, sim senhor (e não há padrões rítmicos drum ‘n’ bass que aliviem a
coisa), mas também é belo e tem dimensão política. 1.
Our Weight In Oil
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