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| Pág.1(A-D)--Pág.2(E-I) Pág.3(J-N)--Pág.4(O-S)--Pág.5(T-Z) | UPD 20071228 | info@ananana.pt |
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O
Yuki Conjugate 1.
Noiseflaw
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
O'Questrada Universal e indescritível, a sua sonoridade ousa uma fusão única impregnada do espírito do fado, do ska, da pop, e de outras histórias que cruzam o seu caminho, esta trupe de 5 músicos, com os seus instrumentos base: a guitarra à portuguesa, a contrabacia, a guitarra rítmica, a voz e o acordeão, falam uma língua singular, energética e popular numa viagem sonora 99% acoustic style. “ ... os O'QueStrada são
mais que um novo projecto no panorama musical português. Desde logo
se distinguem pela sua formação instrumental suigeneris totalmente
acústica - uma guitarra portuguesa, uma viola dedilhada, um
acordeão, uma contrabacia e voz – mas acima de tudo pelo universo
caleidoscópico de estilos e linguagens musicais que apresentam, que
ainda assim se consubstanciam numa identidade musical já muito
assumida. “ Os O`queStrada
apresentaram uma agradável desconstrução dos cânones habituais da
música, reinventando a canção. (…) Um excelente momento, em que
públicos antagónicos se reuniram (…) sem preconceitos e sem ceder a
separatismos” “(…) Em O’queStrada tudo
é imprevisto. (…) O caminho de O’queStrada é feito de uma fusão
musical sem limites, sem barreiras e sem horizontes castradores, de
uma originalidade imparável. (…) “ (….) A sua vitalidade
é impressionante, a sua capacidade comunicativa também.
Impressionantes são, também, a competências musicais, a
versatilidade e a disponibilidade de cada um e do grupo. Populares e
de grande qualidade.” Escute em www.oquestrada.com
Odd Nosdam Era ele o produtor dos
cLOUDDEAD o responsável pelas "soundscapes" de
carácter ambiental que se construíam por trás
das vozes dos MC Why? e Dose One no surpreendente álbum homónimo
daquele colectivo entretanto desfeito. É ele ainda, como
este "Burner" confirma, o mais arrojado de quantos se
propuseram renovar o hip-hop e tornar a dar a este a carga revolucionária
que teve há umas décadas, quando ainda era uma música
de rua e não um filão comercial com formato definitivamente
estabelecido. E se o hip-hop experimental de Odd Nosdam transborda
para outras áreas musicais, é porque nenhuma tipologia
da música é hoje uma ilha. Reconhecemos nos "field
recordings" urbanistas deste álbum algo dos Negativland
e dos Tape-Beatles, o uso da electrónica tem tudo a ver com
as actuais tendências do "drone" e do "looping"
e mesmo o pop-rock mais sofisticado (o de uns My Bloody Valentine
ou uns Slowdive, com as melodias a emergirem de um mar de distorção
líquida) faz uma intervenção decisiva quando
as paisagens lunares e os "beats" (desconjuntados) de
dança dão lugar ao que parecem ser verdadeiras canções.
Este hip-hop é psicadélico e absorveu a estética
do noise, o que distingue Nosdam, por exemplo, dos Dalek, mais virados
para as rimas, ainda que o ruído seja um ingrediente fundamental
na colaboração destes com os alemães Faust.
"Burner" tem alguns convidados de peso: Orvar Smárason,
dos Múm, intervém em "Small Mr. Man Pants"
com uma simples melódica, Mike Patton, dos Fantômas
e ex-Mr. Bungle, vocaliza em "11th Avenue Freakout nº
2", e o canto de Jessica Bailiff é reconhecível
em "Untitled Three", apesar dos "tratamentos"
operados. Alguns dos cLOUDDEAD fazem uma perninha, como Dosh, Jel
(Themselves), Josiah Wolff e Doug McDiarmid (Why?). E se alguém
achar que isto já não é hip-hop, só
acertou em metade da questão. O que aqui temos é meta-hip-hop
subversivo, bem humorado mas com uma dose q.b. de perversidade,
sonicamente saturado (à la Flying Saucer Attack), superproduzido
ainda que "lo-fi", feito com uma atitude punk de não
virtuosismo técnico e por vezes lembrando até Prince
Paul. 1.
Untitled One
Olaf Rupp/Tony Buck/Joe Williamson 1.
Naugahyde
Old Jerusalem Old Jerusalem, ou melhor,
Francisco Silva, é o Will Oldham português. De resto,
assim se intitula uma canção deste contida em “Viva
Last Blues”, pelo que um dos modelos perseguidos pelo jovem
cantautor fica claro desde logo o início – o outro vem
mais de trás no tempo e chama-se Nick Drake, perceptível
na extrema delicadeza das suas composições. Como Oldham,
Old Jerusalem pratica uma folk-country-pop (atenção:
com umas pinceladas de electrónica aqui e ali, fazendo valer
o adjectivo “alternativa”) de recorte intimista e anunciando
o êxodo espiritual (pelo menos) em direcção
ao campo a que cada vez mais vamos assistindo nas metrópoles
ocidentais. Tudo, como já se percebeu, cantado em Inglês
e buscando a matéria-prima à música popular
americana, dado que o folk luso não é folk, mas folclore.
Designa-se também este entendimento suave e despido de efeitos
da canção como “slowcore”, um rótulo
que serve, afinal, para menorizar a importância de todos os
outros, dado que não é a componente folk e a componente
pop que verdadeiramente importam, mas a acção abstractizante
do seu relacionamento. O anterior disco de Francisco Silva, “April”,
de 2003, foi considerado o melhor do ano em Portugal, mas “Twice
the Humbling Sun” é mais maduro e especialmente bem
conseguido, pelo que é de prever outros ecos além-fronteiras.
120
Days 1.
Come Out, Come Down, Fade Out, Be Gone
One
Self 1.
Fear The Labor
OneTwo 1.
Sister Artigos relacionados: Claudia Brücken+Andrew Poppy «Another Language» CD
OOIOO OOIOO é o nome de um grupo
japonês feminino, formado com base na nebulosa Boredoms (ah, bom!)
e com o krautrock como fonte inspiradora. Com o apoio de uma mão-cheia
de convidados, Yoshimi (P-We, baterista do grupo de Yamataka Eye
e membro das Free Kitten de Kim Gordon, aqui surgindo como multi-instrumentista)
, Hayano, Maki e Yoshico experimentam tudo o que é possível fazer
com canções rock sem destruir os aspectos formais das mesmas. Instrumentos
tradicionais da Ásia e de África como o koto, as tablas, o santoor
ou o djembe fazem a sua aparição, mas a linha da frente é ocupada
pelas guitarras eléctricas, com alguma electrónica e gira-discos
à mistura e uma bateria que anuncia as direcções a tomar. Tocados
com “punch”, mas também com um agudo sentido do pormenor e com bem-vindas
respirações, de maneira que recebemos o próximo impacto sonoro como
se fosse a primeira vez. Os ritmos são “funky”, regra geral, e o
pendor tribalístico, tal como muito do rock alemão dos anos 1970
e a influência destes nos Boredoms mais recentes, mas é para a frente
que as quatro nipónicas olham. Nunca, de facto, os Faust ou os Can
tiveram este tipo de recorte, que é tão próprio do país do Sol Nascente
quanto uma Kawasaki. O álbum saiu no Japão em 2000 e só agora no
Ocidente, mas cinco anos não envelheceram esta música. Foi mesmo
gravado antes de “Kila Kila Kila” (2003), apesar de parecer uma
evolução desse outro disco, e se o dito tinha o free jazz como ponto
de partida, há uma tónica “ambient” em “Gold & Green” que está
na ordem do dia. Tudo isto, claro, com um embrulho pop, para aumentar
a confusão. 1. Moss
Trumpeter
Opsvik
& Jennings Opsvik começou a tocar percussão muito cedo, gradualmente
mudando para a guitarra baixo e ao mesmo tempo explorando o seu gravador de 4
pistas. Em N. Iorque tem agora o seu próprio projecto Eivind Opsvik Overseas,
fazendo também parte de uma leque de grupos vanguardistas daquela cidade como
Kris Davis Quartet, David Binney's Out of Airplanes (com Bill Frisell), Tone
Collector, Rocket Engine, UP, Hari Honzu e Ben Gerstein Collective. Recentemente
fez uma gravação com Jacob Sacks no piano, Mat Maneri na viola e Paul Motian na
bateria. Tal como muitas das edições da Rune Grammofon, também esta é
difícil de categorizar. Ambos os músicos têm um passado jazz, mas essa é apenas
uma pequena parte. Aqui influências folk e country dão uma característica rural,
e um ambiente relaxado a toda a obra. Guitarras, concertinas, órgãos, banjos e
várias técnicas de gravações e manipulações electrónicas criam uma história
musical cinemática, originada por uma orquestra pop experimental de sonho. "Fløyel Files places emphasis on lyricism, texture and mood. It's an intimate and introspective album, imbued with a stripped-down pop mystique." JazzTimes ”A delicate and enduring piece of work, each track shows new
layers of complexity and intricacy and opens up new grounds.” The
Milkfactory 1.
Last Country Village
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Orange Juice E por falar em história,
os escoceses Orange Juice têm alguma para contar e é isso que faz
“The Glasgow School”, uma revisão das suas contribuições para a
pop. Tanto assim que, como se vem dizendo e insistindo, não haveria
uns Franz Ferdinand nem uns Belle and Sebastian, ou mesmo uns Mogwai
e uns Jesus and Mary Chain, se não fosse o pioneirismo deste grupo
que chegou a ser visto nos anos 1980 como os Velvet Underground
britânicos. A presente compilação recolhe os primeiros quatro singles
dos Sumo de Laranja e junta essas canções ao primeiro álbum da formação,
“Ostrich Churchyard”, que só seria publicado tal como foi pensado
e gravado originalmente em 1992 (em vez dele saiu uma versão mais
comercial pela “major” Polydor, com o título “You Can’t Hide Your
Love Forever”). E quando se fala de pop assinale-se, a quem não
os conhece, que se trata de pop de guitarras a rasgar e de sincopação
agitada, segundo o modelo “indie”, que não aquele a que os quiseram
obrigar. A sua primeira influência foi o punk dos Sex Pistols, dos
Buzzcocks e dos Subway Sect, mas o interesse de Edwyn Collins e
dos seus companheiros pela música negra americana, tão grande quanto
o seu desagrado relativamente ao blues-rock chegado dos Estados
Unidos, levou-os a buscarem inspiração na soul e até no disco. A
música dos Orange Juice é o resultado dessa mistura pouco óbvia
que se tornou distintiva do “som Glasgow”. É importante não esquecer
de onde este vem... 1. Falling and Laughing
Oranger 1. Crooked In The Weird
Of The Catacombs
The Orb Reedição do primeiro título (e logo duplo!)
dos The Orb, saído em 1991 e então referido como um “álbum techno para
dançarinos cansados” pelo facto de se inspirar nas horas de “chill out”, a
“deluxe edition” de “Adventures Beyond the Ultraworld” integra um terceiro
CD com as John Peel Sessions registadas por este grupo que se deslocou das
pistas de dança para as salas de estar, num composto de house, dub,
ambientalismo e experimentação que antecedeu a actual Electrónica.
De resto, o próprio carácter conceptual desta colecção de peças que
procura contar uma história inaugurou uma forma diferente de ouvir o
techno, já não funcionalizada para o movimento dos corpos. Muita baseada
na utilização de samples, a obra agora remasterizada inclui muita “spoken
word”, em várias línguas porque interessa mais a musicalidade das falas do
que o seu significado, “found sounds” de índole vária, de materiais da
natureza a outros de produção humana, e até citações de música clássica,
como o coro e o violino solo de “Into the Fourth Dimension”. Já
houve quem identificasse o que aqui vem com
“Echoes”, o tema mais abstracto de “Meddle”, dos Pink Floyd, e até com
“Vision Creation Newsun”, dos japoneses Boredoms, o
que é um bom indicativo de que os avanços da música popular urbana
passaram por este projecto de Alex Paterson que acabou por ser vencido nas
próprias coordenadas que inventou pelos mais espertos Orbital e
Underworld. Um documento imprescindível para quem quiser conhecer as
origens daquilo que gosta. Disco 1: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Oren
Ambarchi 1.
Fever A Warm Poison
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Organ
Eye A versão em vinil é limitada a 250 exemplares com
uma capa especial.
Organum Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Origami
Replika 1.
Untitled
Otomo
Yoshihide’s New Jazz Quintet Como nos disse Otomo certa vez, “não é o que se
toca o que importa, mas como se toca”. Este “como” é tudo para o compositor,
arranjador e improvisador japonês, tendo sido com naturalidade e respondendo às
exigências dos próprios processos musicais que ele mudou de rumo na última
década. Depois da sampladelia em “overdose” de informação e do grupo Ground
Zero, no qual promoveu um rock “arty” de dimensão teatral, não muito distante em
termos de “collage” do que fizeram antes Frank Zappa e John Zorn, tornou-se num
patrono do minimalismo, reduzindo os materiais ao essencial. Quando veio a
Portugal em 2004 para uma participação na edição desse ano do festival Jazz em
Agosto, mostrou isso mesmo em dois concertos. Com o “turntablista” canadiano
Martin Tétreault usou os seus gira-discos sem discos, manipulando apenas os
“pickups” e as agulhas com superfícies de papel, borracha e metal, assim
forjando uma noise music brutal com muito pouco. E com o seu New Jazz Quintet
tocou com uma guitarra eléctrica não para frasear e para fazer acordes, mas para
produzir “feedbacks” controlados. É o que ouvimos em “Live in Lisbon”, o registo
desse memorável concerto e o último, aliás, desta formação antes de se converter
num ensemble de oito instrumentistas e cantores e depois numa “big band” de 12
com o acrescento de músicos tradicionais e de electrónica. O “quê” deste Otomo
Yoshihide New Jazz Quintet é o jazz, o “como” é bastante diferente de tudo
aquilo que se abriga sob tal rótulo, e isso mesmo quando Otomo interpreta
respeitosamente a música dos grandes nomes do género. Foi o que aconteceu com a
integral de “Out to Lunch” de Eric Dolphy, numa versão com uma vertente exótica
e ambiental que não se encontrava no original. Neste novo registo ao vivo com o
saxofonista Mats Gustafsson como convidado especial voltam a constar “covers” de
temas do jazz (destaque para “Song for Che” de Charlie Haden e para “Serene” de
Dolphy, tendo ficado lamentavelmente de fora interpretações de Ornette Coleman -
“Lonely Woman” - e de Charles Mingus – “Orange Was the Color of Her Dress, Then
Blue Silk”) e até um vindo da produção pop de um músico experimental, “Eureka”
de Jim O’Rourke. As execuções são surpreendentes, com destaque para as do
saxofonista alto Tsugami Kenta, um discípulo no estilo de Paul Desmond e Lee
Konitz, o já mencionado Gustafsson, aqui com o seu típico expressionismo muito
mais controlado, e obviamente para o próprio Otomo Yoshihide, cujos “drones” de
guitarra funcionam como pinceladas de vermelho numa tela em tons de azul.
Pajo 1.
Who's That Knocking
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Pajo David Christian Pajo tem
um currículo de fazer inveja: passou por Slint, Tortoise,
Zwan (a banda falhada de Billy Corgan) e Papa M / Aerial M (ele
mesmo sob peseudónimo com alguns convidados), mas só
agora se atreveu a um primeiro álbum a solo sob o seu nome.
Para dar nova vida ao chamado pós-rock? Erraram, se a vossa
resposta foi um sim esperançado (ou receoso, caso o "género"
musical em questão não vos tenha entusiasmado por
aí além). Moveu-o o seu velho objectivo de transfigurar
a pop? Também nada disso. O que encontramos neste álbum
homónimo são canções folk acompanhadas
à guitarra acústica sobre uma cama de paisagens sonoras
computadorizadas. Uma contradição de termos? Pode
ser que sim, mas oiçam como resulta bem. A tradição
folk/country não sofre qualquer beliscadura, e as sinusoidais
electrónicas poderiam ter sido congeminadas pela mente irrequieta
de Fennesz, se este também adoptasse software barato. Ou
seja, não há mistura, mas coexistência de parâmetros,
o que é muito mais aliciante. Pode parecer, a dado ponto,
que espreita a influência de Syd Barrett, ou que se trata
de uma versão pós-moderna e algo irónica da
dupla Simon & Garfunkel - poderíamos também apontar
Bob Dylan, os Beatles, Buffalo Springfield, Brian Wilson dos Beach
Boys e até Brian Eno -, mas esta voz, esta maneira de construir
as canções com base na simplicidade e no inusitado,
remetem-nos para um senhor chamado Elliott Smith, que infelizmente
já não habita o mundo dos vivos. E se mencionar o
nome de Smith vos sugerir que a melancolia é uma escolha
estética, assinale-se que não é por aí
que Pajo vai. Em "Mary of the Wild Moor" toda a gente
morre, mas é caso único. Aliás, às tantas
ouvimos nem mais nem menos do que os Simpsons, o que dá uma
boa indicação do humor deste filho de Louisville,
mesmo quando nos fala de amores perdidos e vidas desperdiçadas.
Ainda assim, há em "Pajo" um elemento de nostalgia
que diz muito a nós, portugueses, sempre saudosos do que
não vivemos. E agora? Significará este disco o início
de uma nova orientação por parte desta figura de culto?
Irá Pajo abandonar o rock instrumental e mais ou menos experimentalista
que tem sido a sua causa? Trata-se, este título, apenas de
um intervalo? Sigam os próximos episódios. Tudo é
possível... 1. Oh
No No
Panda Bear "Brian Wilson quis fazer de «SMiLE» uma elegia adolescente a Deus, mas durante 40 anos o divino manteve-se escondido, amaldiçoado. Panda Bear, um dos Animal collective, nunca fez declaração semelhante, mas é impossível ouvir «Person Pitch» e não pensar na analogia - com a diferença que o disco está aqui, agora, e nada tem de amaldiçoado. Tudo em «Person Pitch», álbum luminoso, álbum de uma serena e radiante espiritualidade , se baseia na voz humana (...) «Person Pitch» é um vitral dos tempos modernos, é um vitral para todos nós, medievais de 2007." Mário Lopes in Ípsilon/Público "Aqui encontramos canções texturalmente
ricas numa multidão de acontecimentos. Pérolas raras talhadas com cautela para
evirtar erupções de som ou fossos de silêncio sugerindo padrões onde a repetição
arrebata a cada novo ciclo. Um paraíso flutuante de sensações sugeridas, num
disco de excepção para descobrir aos poucos." Nuno Galopim in
6ª/Diário de Notícias 1.
Comfy in Nautica
The
Paper Chase Na capa vemos uma sala, com um
televisor no canto direito e virado para o aparelho, no esquerdo, um homem
nu da cintura para baixo, de costas, suspenso no ar. Mensagem possível: a
televisão esvaziou de tal modo o cérebro a este personagem que ele perdeu
peso e ganhou a propriedade de levitar, significando o rabo ao léu um
estado de demência sem retorno possível. Feita esta leitura, começamos a
ficar preocupados com o título, que diz que nós, os que ouvimos este álbum
dos Paper Chase, somos como eles, ou seja, revemo-nos todos nesta imagem
de despossessão das capacidades mentais. É sabido que os Estados Unidos (o
grupo reside em Dallas, no
Texas) têm das piores estações de TV do mundo (Portugal também está na
lista), pelo que se compreende. Quanto ao interior, uma boa surpresa:
eles, afinal, não são tão idiotas quanto querem aparentar (um dos temas
chama-se “The Kids Will Grow Up to Be Assholes”), fazendo um rock “indie”
de vocais desaustinados (fixem este nome: John Congleton), guitarras
abruptas, cordas de arco para uma dimensão quase orquestral e um piano (na
verdade dois - um deles Congleton outra vez –, mais outros teclados) que é
do melhor que temos ouvido neste contexto desde Jerry Lee Lewis,
curiosamente parecendo-se mais com algo que John Cage poderia ter feito do
que com os papéis definidos habitualmente para este instrumento pelo rock
‘n’ roll. Ora aqui está uma linguagem musical longe do esgotamento de que
tanto se tem falado, mesmo que para tal utilize elementos alienígenas. Um
grande disco, em suma, fresco como o vento no mar e desestabilizador como
uma casca de banana no passeio. 1.
It's Out There and It's Gonna Get You Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Partisans 1. Max
Paul
Wirkus 1.
View Finder
Pearls and Brass 1.
The Tower Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Pelt Hoje em dia, quando se
fala em "drone music" fala-se inevitavelmente em electrónica.
Isso não é assim com o grupo formado por Jack Rose,
Mike Gangloff, Patrick Best e Mikel Dimmick: os "overtones"
dos Pelt são inteiramente fabricados com instrumentos acústicos
como a guitarra, o violoncelo, gongos, taças tibetanas, sruti
e esraj, inspirados nos usos orientais e no minimalismo do Theatre
of Eternal Music de La Monte Young, ele próprio um devoto
da música, da filosofia e da religiosidade indianas. Mas
não só: uma boa parte da personalidade deste agora
quarteto (Dimmick é o novo elemento) assenta sobre a "americana",
ou seja, a folk, o country e os blues dos Estados Unidos, entendidos
segundo um prisma transformador que respeita as raízes sem
as considerar um património inerte. Um exemplo disso é
a aplicação de técnicas não convencionais
no manejo da parafernália utilizada, o que é especialmente
evidente na forma como Rose trabalha as cordas. Para todos os efeitos,
o que os Pelt continuam a fazer neste "Untitled" - título
em sintonia com uma prática corrente na pintura -consiste
numa tentativa de reinvenção das tradições
a que vão beber, sob o signo da criatividade e da liberdade
expressiva. Quando se refere a existência de "drones"
(massas sonoras contínuas, parecendo não ter início,
meio ou fim), importa acrescentar que não se trata de estatismo
puro: do denso magma em questão irrompem "objectos"
(sons isolados) que captam a nossa atenção para logo
se dissiparem e darem lugar a outros pequenos eventos, de modo que
a diversidade é exaltada pela própria permanência
do mesmo. Os minimalistas originais entendiam o "drone"
como uma forma de alterar a consciência ou de contribuir para
a indução desta, conceito que, se decorreu da época
áurea da cultura da droga (os anos 1960) e do psicadelismo,
adopta hoje conotações que não têm necessariamente
a ver com o consumo de substâncias ilegais. A música
dos Pelt é hipnótica sem ser "druggy" (estamos
muito longe do "stoner rock") e convida à introspecção
sem nos dominar os sentidos. Pode ter uma vertente rural e até
naturalista, mas não é tribal nem hippie à
maneira dos Amon Duul, colectivo que hoje voltou a ter seguidores
- de resto, sabe-se como os hippies que ainda restam podem ser reaccionários.
É preciso desfazer o mito de que o abstraccionismo musical
está umbilicalmente ligado às "trips" de
LSD. Com os Pelt, a música é a própria "trip"...
People Alguém ficou realmente
surpreendido com a recente parceria do saxofonista "avantgarde"
Anthony Braxton com o grupo "noise" Wolf Eyes? Não
havia motivo para tal, sabendo-se que as últimas barreiras
existentes entre as linguagens musicais caíram por si próprias,
aliás sem qualquer estrondo. Simplesmente, aconteceu o que
tinha de acontecer. Temos nos People um bom exemplo. Mary Halvorson,
a guitarrista e vocalista, foi aluna do referido Braxton e participou
nalguns episódios do seu projecto Ghost Trance Music. Mais
recentemente, encontrámo-la numa tentativa, bem sucedida
aliás, de conciliação do jazz com o metal no
Trio Convulsant de Trevor Dunn, o baixista dos Fantômas e
antes dos Mr. Bungle. Kevin Shea, o baterista, pertenceu a um dos
mais bizarros grupos de rock de que há memória, os
Storm and Stress (até o nosso saudoso Fernando Magalhães
os achou "esquisitos"), e ao mesmo tempo afirmou-se como
percussionista nas novas tendências da improvisação,
juntando-se à trupe Crouton, a etiqueta que tem dado voz
ao mais radical experimentalismo americano que compõe na
altura de interpretar e que raras vezes faz soar uma nota, daquelas
que podemos assentar numa pauta segundo a escrita convencionada.
E o que fazem os People? Bom, canções rock, ainda
que dissonantes, desafinadas (a voz de Mary parece uma PJ Harvey
"on acid") e à beira do colapso, com uma rítmica
que hesita entre manter o tempo e desbundar. A bem dizer, trata-se
de pop, mas entre este álbum homónimo e a pop de Madonna
vai uma distância intransponível. Nem de helicóptero
lá chegamos. De resto, não nos lembramos de alguma
vez a "material girl" ter usado a palavra "motherfucker"
- Halvorson repete-a várias vezes. É pouco provável,
no entanto, que Al Gore, o paladino da censura na música
norte-americana, venha alguma vez a ouvi-la. 1.
Likelihood of BANG
Pere
Ubu 1. Moon, I'm Coming Home -
Remix by Keith Moliné
Pere Ubu 1.
Two Girls (One Bar)
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Pete Namlook/Klaus Schülze Figura de proa do
ambientalismo germânico, Pete Namlook gosta de revisitar velhos
projectos e levá-los um pouco mais longe do que tinham ficado
das últimas vezes que lhes pegou. É o caso do volume
X de "The Dark Side of the Moog", partilhado com um ex-Tangerine
Dream, Klaus Schulze, personagem histórica do rock "cósmico"
tocado com os instrumentos inventados por Robert Moog. De novo sem
a colaboração do baixista Bill Laswell, que os acompanhou
entre os tomos IV e VII, este álbum agora surgido nos escaparates,
três anos depois do IX, não deixa de soar a algo de
comemorativo, se bem que seja patente a preocupação
de ambos em trazer os sintetizadores "vintage" para a
contemporaneidade de uma música que se situa entre os domínios
do experimentalismo radical e do techno (importa referir que Pete
Kuhlmann, de seu verdadeiro nome, tem-se apresentado igualmente
como DJ, sob o pseudónimo Sequential), parte "dark ambient",
parte "chill out" e parte "space music". E é
o caso de "Koolfang III - Be Aware", em duo com David
Moufang, este nove anos nove após o volume II. O cenário
é de novo o "chill out", mas desta vez com um envolvimento
"lounge" e uma tónica funk-jazz-house de que despontam
as "spoken words" do próprio Namlook, aqui e ali
enveredando por autênticos mantras, como não podia
deixar de ser conhecendo-se as coordenadas que o regem. "The
Dark Side of the Moog", como já se percebeu, faz alusão
ao mais procurado dos discos dos Pink Floyd, e mesmo a única
peça que o integra, dividida em seis partes, "Astro
Know Me Domina", lembra os títulos do grupo fundado
por Syd Barrett. A filiação floydiana não vai
muito mais longe do que a adopção do mesmo modelo
neopsicadélico. É inútil procurar semelhanças
com as partes mais abstractas de "A Saucerful of Secrets":
Namlook e Schulze dirigem-se àqueles que se sentaram depois
de uma noite inteira de "trance". Já "Be Aware"
tem como referência a "club music" de Detroit. A
sua sonoridade quente e sincopada transpira sensualidade e erotismo,
não sendo por acaso que uma das faixas se intitula "Fuerteventura",
pois esse é o nome de um local na costa central americana
onde se reúnem os golfinhos em grandes orgias. Pete Namlook/Klaus Schülze: 1. Part I Pete Namlook/David Moufang: 1. Be Aware
Peter
Brötzmann/Han Bennink No final do Inverno de 1977, o saxofonista
e clarinetista alemão Peter Brotzmann e o percussionista holandês
(em “Schwarzwaldfahrt” também em instrumentos de sopro e de cordas,
muitos deles de brinquedo) tiveram a ideia peregrina de pedir uma
licença para tocar e gravar em plena Floresta Negra, inclusive em
zonas totalmente vedadas ao público. Bem pensado e logo feito: este
duplo álbum da colecção Unheard Music Series, organizada pelo crítico
e músico John Corbett, reedita o LP da FMP há muito fora de circulação
em que tal experiência foi documentada e junta-lhe alguns inéditos
dessas mesmas sessões de gravação ao ar livre. O resultado é a aplicação
dos princípios da “land art” na música. As memórias dos dois improvisadores
registam o muito frio que encontraram neste encontro com a natureza
silvestre e com a fonte de muita mitologia germânica. Muitos dos
sons produzidos são os da manipulação dos materiais “site specific”
aí existentes, e designadamente de pedras, paus e outros utensílios
de circunstância de que sobretudo Bennink fez amplo uso (até água
ouvimos, vinda do degelo das montanhas, bem como vento e pássaros
que parecem mesmo querer participar no ritual). Escreve Brotzmann
nas notas que acompanham esta edição: “Usámos o que tinhamos e o
que encontrámos, e com tudo isso fizemos música, o que até é o verdadeiro
significado de improvisar: trabalhar com o que há”. Dizem os dois
aventureiros que foi muito difícil fazer soar os instrumentos que
levaram, tão baixas eram as temperaturas e tão elevado o índice
de humidade, mas nada disso notamos nesta colecção de duetos em
que ouvimos o espaço e a movimentação dos dois intervenientes, numa
variedade de localizações face aos microfones que não seria possível
em estúdio. Um álbum histórico e essencial nestes tempos em que
tudo convida a um regresso à floresta. Disco 1: Disco 2:
P.G.
Six "This is a record you musn't ignore, and I expect we will be seeing Gubler's name mentioned by critics across the world in a very short space of time. P.G Six might not yet have the profile of Joanna Newsom, but fans of Drag City need to sit up and take notice straight away, or they'll be missing one of the unexpected treats of 2007." Boomkat 1.
Untitled Micro Mini
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Phill Niblock CD 1:
Phonºnoir
1.
Warm from the Inside
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Phonophani «Phonophani»: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas «Hornswoggle»: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Phonophani
Piano
Magic 1.
The Last Engineer Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
1.
You Can Hear The Room
Piano Magic O gosto dos Piano Magic de
Glen Johnson pelo formato EP confirma-se mais uma vez com este
“Incurable”, consequência certamente da constatação de que a “attention
span” dos sobreviventes à passagem do milénio não tem tempo para mais do
que meia-hora de fruição musical. Mas outro factor importante é-nos
certificado, e designadamente a directa inspiração do grupo na electro-pop
de vozes angélicas personificada por Cocteau Twins, This Mortal Coil e
Dead Can Dance. A inclusão como vocalista de Angele David-Guillou, dos
Klima, leva-nos mesmo a pensar em Liz Fraser mais do que uma vez, o que só
pode ser positivo. Com a mais-valia de Johnson não ter uma visão “retro” e
nostálgica de tal legado, ao contrário do que, infelizmente, vai
acontecendo neste tempo de estranhas ressuscitações. Se temas com títulos
como “I Have Moved Into the Shadow” poderiam ter feito as delícias dos
“depressivos” vestidos de negro que assistiam nos anos 1980 aos concertos
das bandas referidas, o certo é que a música dos Piano Magic é solar e não
propriamente nocturna, mesmo que as palavras cantadas (“In letters from my
sister she asks me how I’m feeling / I say that I am better / But I lie in
every letter”) transpirem melancolia e seja do Sol de Inverno que
estejamos a falar. Estas diferenças dever-se-ão ao facto de a electrónica
praticada pelos PM ter como contexto mais a “club music” da actualidade do
que a pop de Manchester, o que transparece na forma como é gerido o “beat”
ou no quase “chill out” das paisagens sonoras de tipo ambiental que dão
substância às canções. A mistura de referências, no entanto, já lhes valeu
o rótulo de “ecuménicos”, claro que com uma componente de ironia, dado o
carácter etéreo das composições que vão colocando em circulação, com
especial destaque para estas quatro. Algo que o cruzamento nos primeiros
anos feito entre Joy Division e música barroca já anunciava, mas acabou
por ter curiosos desenvolvimentos como o presente. O que se seguirá agora?
1. Incurable
Pierre-Yves Macé 1. 1st Movement For Percussion
Plumbline/Roger
Eno Álbum de colaboração entre
dois músicos com personalidades muito vincadas, o segredo de
“Transparencies” começa pela clara divisão de tarefas: Plumbline, ou
melhor dizendo, Will Thomas, tem à sua conta os “field recordings”
(espaços interiores com diferentes tipos de ressonância, de edifícios de
habitação a igrejas, com sons acidentais de relógios, sinos e automóveis a
passar), os sintetizadores e os “beats” electrónicos, e Roger Eno (irmão
de Brian, se houver ainda quem não saiba) acrescenta ao seu inseparável
piano o órgão, o acordeão e o harmonium. O disco está entre o
ambientalismo melódico bem distintivo de Eno (embora em “Intersection”,
por exemplo, seja clara a opção pela atonalidade) e o quase chill out de
Thomas, um produtor de dança americano em plena ascensão, domínios que,
para além de coexistirem, procuram interferir-se mutuamente, já tendo sido
comparado à banda sonora de Cliff Martinez para o “remake” do filme
“Solaris”. E de facto tem uma qualidade cinemática muito pronunciada,
parecendo mesmo que estamos a ouvir uma longa-metragem com a solidão no
espaço urbano como tema. O que não é de estranhar, sabendo que Roger Eno
tem composto para cinema e televisão, como foram os casos de “Dune” e de
“Nove Semanas e Meia”. Mesmo a fórmula aqui concretizada teve no percurso
deste pianista influenciado por Erik Satie e pelo impressionismo francês
uma primeira incursão, ao lado de Lol Hammond, figura do techno de que é
muito elogiado o sentido do “groove”. E convirá não esquecer a
participação de Roger em “Nerve Net” de Brian, edição em que a “ambient
music” deste já se cruzava com a rítmica de discoteca. A crítica fala de
arquitectura ao comentar este trabalho, tal é o nível de precisão e
equilíbrio conseguido, e tem havido quem teça paralelismos com as artes
plásticas, e em particular com a pintura de Rothko. Está bem visto e
faz-lhe inteira justiça. 1.
Transparency
Pluramon 1.
Turn In
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Plush
Polar Bear 1. Was Dreaming You Called
You Disappeared I Left
The Ponys Com a mãozinha de Steve Albini
na mesa de mistura, o que é desde logo um selo de qualidade,
os Ponys já foram apontados como o melhor que Chicago tem
para oferecer no pop-rock para além dos Wilco. "Celebration
Castle" é o seu segundo álbum, e se o primeiro
("Laced with Romance") tinha uma vertente de "garage
band" que foi bem-vinda, este funciona como uma visão
artística desse mesmo estilo a que já se chamou de
"nihilista" e "ébrio", ou porque os membros
do grupo cresceram musicalmente ou porque o referido Albini garantiu
a "profissionalização" da sonoridade inicial
do projecto (as duas hipóteses podem também ter-se
somado, está claro). A energia, essa, é a mesma, bem
como a atitude "in your face". Estamos em terreno pós-punk,
com um reconhecível sabor "indie" e uma boa dose
de blues (não falta, de resto, a harmónica). Jered
Gummere e Melissa Elias partilham as vocalizações,
e o que cantam/gritam não vem propriamente de uma mansão
de Beverly Hills: "Saving all my pennies up / trying to get
some cigarettes / but that's the way I gotta live." Esta música
dirige-se mais àquela porção da juventude que
não consegue encontrar trabalho ou cujos empregos são
precários do que a estudantes universitários protegidos
financeiramente pelos pais. Isto é rock do Midwest americano,
com uma sensibilidade pop, sim, mas denotando uma crueza que só
pode vir de quem mergulha na realidade em vez de a alienar. Enquadrados
entre Velvet Underground, Richard Hell and The Voidoids, Joy Division
e Cure (Gummere parece-se às vezes com Robert Smith), os
Ponys mostram que a pop não tem de ser bonitinha.
Prefuse 73 Guillermo Scott Herren já foi
apontado como um “b-boy” de vanguarda e não há dúvida de que a designação
se encaixa bem com a sua música, que tem tanto de discoteca como de
experimentalismo free-noise. O “sampling” é a sua principal ferramenta de
trabalho, mas em vez de mimetismos sonoros o que nos oferece é um “kitchen
sink style”. Ou seja, a operação é mais importante do que o efeito obtido.
Nisso, encontra no convidado Kieran Hebden (mais conhecido como Four Tet)
alguém que denota preocupações similares. Não só as estruturas estão à
vista como as próprias técnicas com que são montadas, a que não são
alheios o “scratch” e o “glitch” editados do DJing e da “laptop music”
mais radicais – aliás, DJ Shadow e Kid 606 vêm-nos à ideia mais do que uma
vez. “Security Screenings” (uma alusão aos controlos nos aeroportos após
os atentados de Nova Iorque, Londres e Madrid) é feito de camadas de
“drones” quase ambientais, fragmentações reorientadoras, muita parasitagem
sonora e “beats” congestionados, tudo isto sucedendo-se a uma velocidade
que deixaria o teórico da tele-realidade Paul Virilio certamente
encantado. Ainda por cima com durações extremamente curtas em se tratando
de electrónica, indo dos 31 segundos a quatro minutos. O projecto Prefuse
73 já esteve mais enraizado no hip-hop do que nesta sua encarnação, e o
anúncio de que este poderá ser o último álbum do heterónimo poderá
significar um afastamento ainda maior, mas ainda que tal venha a
acontecer, a extraordinária mobilidade das montagens / composições de
Herren deve tudo a esse fundamento. Se a hiperactividade nas crianças dá
muitas vezes lugar a adultos passivos (condicionamento social oblige), o
que aqui ouvimos vai contra a norma. Estamos perante um homem que ainda
sabe divertir-se infantilmente com os sons, não receando que o seu parco
sentido de medida irrite alguns ouvidos. Para os nossos, isto é como maná
dos céus. 1. The Letter: "P" Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Prefuse 73 Scott Herren, aka Prefuse73,
pode alinhar no hip-hop "hardcore" abraçado por
uns Wu Tang (e não por acaso, Ghostface, daquele colectivo,
é um dos MC de serviço), mas "Surrounded by Silence"
está longe de ser "mainstream". Acontece tal devido
aos procedimentos "cut and paste" que utiliza durante
toda a duração deste brilhante disco. Em consequência,
esta é uma música fragmentária e com constantes
mudanças de direcção, à maneira dos
experimentalismos electrónicos de outras áreas. Como
o próprio Herren diz, se não tem outra forma de descrever
o que aqui encontramos senão utilizando o termo hip-hop,
não está à espera que venha alguma vez a ser
passado na rádio. O curioso é que, se está
de facto na vanguarda do género, não se preocupa com
afirmar essa condição. Para ele, a única coisa
que importa é não estagnar nas fórmulas e nas
fronteiras por ele próprio definidas para a sua música.
A coincidência ou não coincidência desta com
outras práticas do hip-hop é, pois, um factor secundário
e, citamos, "irrelevante". Ainda assim, faz questão
que os seus "beatscapes" sejam entendidos como uma "troca
de energia e de visões", e daí que tenha buscado
a colaboração de nomes que têm os seus próprios
projectos, nenhum deles se assemelhando ao que o caracteriza. Estão
nessa condição El-P, Masta Killa, Aesop Rock, Kazu
dos Blonde Redhead, as irmãs Claudia e Alejandra Deheza,
Beans, The Books, Tyondai Braxton, Camu, DJ Nobody e o mesmo Ghostface
acima referido. As abordagens são as mais diversas, indo
da manipulação de pedais de guitarra eléctrica
por Braxton em "TV Versus Detchibe" e "Mantra"
ao acento "folky" de "Pagina Dos" com os Books,
um duo de Massachusetts com violoncelo, guitarra, bandolim, banjo,
tubos de plástico e computador "laptop" que começa
a dar que falar. Resultado? Algo que funciona como um misto de The
Last Poets, Aphex Twin, Four Tet, CloudDEAD, K-OS, Boards of Canada
e DJ Shadow, se é que a síntese de todos os respectivos
mundos pode fazer algum sentido. O presente CD faz, sem dúvida.
Psychic TV/PTV3 1.
Higher & Higher Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Psychic TV 1. Those Who Do Not
Public Image Ltd.
Quase 28 anos após a sua edição original, também
esta caixa de metal volta a ver a luz do dia. Incluindo 3 discos no seu
interior, é outra peça a preservar. Gravado pelos membros fundadores dos PiL -
John Lydon, Keith Levene e Jah Wobble - ao lado de um vasto leque de bateristas,
"Metal Box" foi o segundo álbum do projecto, lançado em 1979. Disco 1:
Rafael
Toral 1.
Portable Amplifier
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Rafael Toral 1.
Space I
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Um longo tema de quarenta e dois minutos e dezanove segundos, repõe Rafael Toral nos escaparates musicais após uma cuidada recapitulação da sua obra através da Tom Lab e dos seus originais na Touch. Cada vez mais dedicado à matemática do/no som, Rafael Toral estrutura agora a sua obra em torno das ondas sinusoidais, talvez a mais básica e óbvia das modulações harmónicas. Mas o verdadeiro marco deste disco é o uso de computador pela primeira vez: o computador é agora o seu gerador e mesa de trabalho. Mas ao contrário do que seria normal esperar, o computador em nada altera a sua pesquisa sonora: Rafael Toral continua o seu estudo em torno dos diversos sistemas modulares analógicos e nada é beliscado nesta composição com as potencialidade de execução e manipulação de software. Aliás, não deixa de ser curioso que, com o computador, sejam justamente as sinusoidais as harmónicas escolhidas. E aqui reside a sua arte: dificilmente encontramos trabalho mais atento, meticuloso e, ao mesmo tempo, mais despojado que este. Toral, longe já dos seus trabalhos ambientais de início, procura a destilação total da harmonia, a sublimação do Ambiental. Passados os minutos iniciais de introdução, toda a restante «Harmonic Series 2» é um campo de tensão e surpresa que apenas os mais pacientes podem ter recompensa. No final, a peça torna-se cristal pelo silêncio. Continua a ser música, afinal a essência de muita da música que conhecemos - resta apenas termos curiosidade para tamanha empreitada.
Randall of Nazareth 1.
Safety In The Sand
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«Narcoleptic Cells» CD Thisco, € 8,50 "Narcoleptic Cells" marca o regresso da portuguesa Thisco às (supinas)
edições, com um trabalho do escritor-sensação cyber-punk, o japonês Kenji
Siratori associado ao norte-americano Randy Grief, especialista em criar música
ambiental, electrónica e concreta. Numa faixa única de 54 minutos viajamos num
sonho que podia ser a banda sonora para o último filme de David Lynch. Quem já
leu ou tentou ler os textos de Siratori já sabe que ouvi-lo em japonês ou em
inglês é quase o mesmo, dada a complicada linguagem "cut'n'paste" cibernética
que utiliza. Na colecção de CD's deve ser colocado na secção "Thisco [facção
ambiental/experimental]". Marcos Farrjota in
OSAMAsecretLOVERS
The Red Krayola
with Art & Language 1.
Fairest Of All
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The
Red Krayola 1.
Paris
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The Red Krayola 1.
Introduction
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Red Crayola with Art & Language «Coconut Hotel» 1. Boards «Kangaroo?» 1. Kangaroo? «Corrected Slogans» 1. Maharashtra
Red Sparowes Formada por membros dos grupos Neurosis
e Isis, esta é a superbanda que faltava ao pós-rock/pós-core.
Parte Mogwai e parte Godspeed You! Black Emperor, a música
- totalmente instrumental - de "At the Soundless Dawn"
é de lenta digestão mas imediato reconhecimento para
quantos esperam "walls of sound" e atmosferas carregadas
de electricidade. "Noise" harmonizado tal como encontramos
no primeiro álbum dos Sigur Ros, "Von", com os
guitarrismos ascencionais que se tornaram distintivos do catálogo
da Constellation, há nele algo de épico, ainda que
seja o apocalipse o que anuncia, com títulos que mais parecem
frases de uma novela de ficção científica como
"Mechanical sounds cascaded through the city walls and everyone
reveled in their ignorance" ou "A brief moment of clarity
broke through the deafening hum, but it was too late". A agressividade
do metal é um dos pilares deste disco, mas tudo evolui segundo
os princípios paisagísticos de uns Cocteau Twins ou
uns My Bloody Valentine, fase "Loveless". Não falta
mesmo uma pedal steel para reforçar os ambientes nocturnos
e sombrios, por vezes soando como um violoncelo. Quem gostou de
"Panopticon", dos Isis, tem aqui uma óptima extensão
do que já nesse CD é apresentado. 1. Alone And Unaware,
The Landscape Was Transformed In Front Of Our Eyes.
Regina Spektor Disco 1: Disco 2:
The Residents "Animal Lover"
é mais um álbum conceptual dos Residents numa altura
em que já não se fazem álbuns conceptuais -
uma característica individualizadora a juntar a outras, como
o facto de insistirem em percorrer os caminhos da pop e do rock
sem que, na verdade, seja pop e rock o que fazem, ou a particularidade
de cultivarem o anonimato quando o que vai valendo por estes dias
é o culto da personalidade. Pegando num dito de Sigmund Freud
(o de que "os cães amam os seus amigos e mordem os seus
inimigos, ao contrário dos homens, que têm a necessidade
de misturar amor e ódio nas suas relações"),
este novo trabalho tem como tema as semelhanças e diferenças
entre os seres humanos e os animais, e dizem os próprios
que estas peças foram totalmente baseadas nos ruídos
produzidos por cigarras e rãs durante o acasalamento, mas
é muito provável que tal não passe de mais
um embuste, pois nada de audível nos conduz a tal conclusão
nesta música inteiramente instrumental e de manipulação
de estúdio (as partes vocais, por exemplo, surgem frequentemente
distorcidas, e não se trata propriamente de um Vocoder).
A farsa é mesmo uma estratégia criativa deste grupo
da Califórnia que transformou a "amusia" (a incapacidade
de reconhecer ou reproduzir sons musicais) num procedimento musical
e cujas bizarras canções têm a bizarrice, precisamente,
como objectivo. Este novo título assinala os 25 anos do lançamento
de "Commercial Album", mas a verdade é que tem
mais a ver com "Not Available", por sinal também
agora disponível, do que com aquele disco constituído
por peças de um minuto apenas. Não com o conceito
nele aplicado (foi gravado em 1974 com a ideia de só ser
tornado público quando os membros do grupo já não
se lembrassem dele, assim concretizando a sua "teoria da obscuridade"),
mas com o tipo de situações vocais e instrumentais
que encontramos nos quatro assaltos à racionalidade que o
integram. Há, de facto, muito de comum entre estes dois trabalhos
e se alguns desvios os Residents experimentaram, a palavra de ordem
deste projecto é agora a continuidade.
The
Residents A morte da rádio teve
início na década de 1970 (pelo menos) e os estertores deste medium
de comunicação e de difusão da música continuam até hoje a nível
mundial. Uma das primeiras reacções a este lento processo de decomposição
foi protagonizada pelo colectivo de músicos anónimos The Residents,
sob a forma de um disco que tem tão de delirante e satírico (em
versão “humor negro”) quanto de seminal, sendo uma das obras de
referência da “sampling music”. Chama-se “Third Reich ‘n Roll”,
data de 1976 e tem agora uma edição especial, com reprodução em
“booklet” de luxo das imagens de choque então concebidas para o
acompanhar. De choque porque a utilização de suásticas, e sua associação
com o universo da pop “bubble gum”, ainda continua a incomodar muita
gente. O trabalho, terceiro na linha de produção do grupo, é, bem
entendido, uma crítica à tirania dos “tops” e das “play lists” e
à tentativa, bem conseguida aliás, de homogeneização do gosto das
massas, agora reforçada pela televisão. A este cenário atreveram-se
os Residents, e logo nos primórdios do fenómeno, a acusar de fascismo.
A capa, de resto, diz tudo, com Dick Clark, o “disc-jockey” que
fez do rock uma música radiofónica, enfiado numa farda nazi. Quanto
ao conteúdo, trata-se de dois longos temas de colagem de “hits”
pop-rock, em que os originais recebem um tratamento que os vira
do avesso, desmembra e deturpa, conseguindo o milagre de os tornar
musicalmente interessantes. O quarteto de mascarados (nunca se lhes
viu as caras) viriam agitar as águas mais uma vez com o projecto
“Wormwood: Curious Stories From the Bible”, de 1999, um retrato
do lado obscuro do Cristianismo. O DVD com o mesmo título é o documento
de uma digressão que levou este álbum para os palcos, não na forma
de um normal concerto (o último que deram foi em 1990), mas enquanto
performance multimédia. De novo, a “banda mais influente de que
ninguém ouviu falar” procede a uma revisão da cultura pop, surgindo
esta criação como o reverso do que foi “Jesus Christ Superstar”,
com electrónica em vez de guitarras eléctricas e uma recapitulação
dos episódios mais violentos descritos pela Bíblia, desde dedos
cortados a violações e decapitações. CD: DVD:
RF
& Lili De La Mora "Em vez de ser um disco repetitivo, Eleven Continents é um disco coeso; em vez de ser um conjunto de canções aleatórias, o disco de estreia desta dupla é um registo onde cada canção parece pegar na anterior para, cuidadosamente, se afirmar de forma positiva." André Gomes in Bodyspace.net "The result is music that moves efficiently without sounding hollow and artificial, music that is full of embellishment while sounding neither gaudy nor ostentatious." Jason Morehead in OpusZine "Flecks of piano and percussion shine through the musky arpeggios, but for the most part, "Eleven Continents" is pristine and retiring, just a few vocal shrills and several minutes short of fitting in with Newsom's own oeuvre." Pitchfork “Guitar-toting pixie and vocalist Lili De La Mora, Ken Negrete and various collaborators together play subtle dream pop based on spring and beauty, weaving cello and choral embellishments into their music, while at the same time symphonic textures are washed away with evocative pop melodies.” download.com
1.
Through the Trees
Sir Richard Bishop 1.
Cross My Palm With Silver
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Richard
Youngs O John Fahey inglês está
de volta e com um disco que faz as pazes com o seu lado mais experimentalista,
o de “Advent”, o seu primeiro opus datando de 1988, com canto modal,
muita electrónica lo-fi (ah, estes velhinhos “loops”...), uma guitarra
baixo que parece perfurar-nos o cérebro e o mesmo kazoo que ele
utilizou em “New Angloid Sound”, de 1992. Já tinhamos saudades deste
som e deste tipo de aproveitamento da tecnologia de estúdio como
um instrumento mais de criação musical. Vão a “Spaced” dos Soft
Machine e tracem uma bissectriz: a abordagem é a mesma e tão eficaz
em termos de resultados que não compreendemos porque não é mais
utilizada, à excepção, talvez, do que se passa no dub, cuja natureza
é precisamente essa, manipular o que foi gravado (é o que se vai
fazendo também nas hostes digitais, mas essa é outra história).
“The Naive Shaman” aligeira os recentes compromissos de Richard
Youngs com a folk e regressa a um formato free rock que já fazia
falta, ainda que, como é sua característica, com um enfoque minimal
e repetitivo que torna mesmo as suas intervenções vocais em mantras
encantatórios. Há algo neste disco do “Rock Bottom” de Robert Wyatt,
seja nos usos da voz como nos elementos pró-jazzísticos e na forma
como estes se mesclam com uma geral ambiência psicadélica. Não que
estejamos perante um álbum “retro” – aliás, esta música está mais
à frente do que a maior parte do que se vai fazendo hoje na área
do rock –, mas é por demais evidente que continua a linhagem prog
na sua versão “art rock”. De resto, as suas celebradas parcerias
com os nipónicos Keiji Haino e Makoto Kawabata, dos Acid Mothers
Temple, especialistas em renovar as coordenadas vindas do passado,
decorrem precisamente desse posicionamento. E o mesmo se pode dizer
do que fez com a Vibracathedral Orchestra e com os Sunroof!, colectivos
que não podemos propriamente designar como “nostálgicos”. A vanguarda
só existe porque tem atrás uma retaguarda. 1. Life
on a Beam
Outrora director e fundador do ONCE - lendário festival de artes perfomativas contemporâneas nos anos 60 e do grupo com o mesmo nome -, e co-director do centro de música contemporânea da vanguardista Universidade de Mills, Robert Ashley é sobretudo conhecido como o visionário que levou a ópera até à televisão e o criador de um novo género de obra operático, frequentemente apelidado de New Narrative Opera, donde são exemplos «Perfect Lives» (aclamada pelo Village Voice como a primeira ópera americana), «Atalanta (Acts Of God)», «e/L Aficionado» ou, mais recentemente, «Dust» (apresentada entre nós na Gulbenkian). Contudo, «In Sara, Mencken, Christ And Beethoven There Were Men And Woman», originalmente lançada pela italiana Cramps em 1974, não se encontra inserida em tal género, antes figura ao lado de «Automatic Writing» como uma das mais aclamadas composições de Ashley, em parceria com Keith Waldrop e Paul DeMarinis, baseada na obra homónima do poeta John Barton Wolgamot, para muitos imortalizada através do tema dos Tortoise. Um longo mantra de 128 estrofes, cada uma das quais elaborada a partir da mesma frase, aonde são introduzidas quatro variáveis, podendo se tratar de nomes, grupos ou construções de nomes e uma quarta variante formada a partir de um advérbio, lidas por Ashley e posteriormente montadas, para que entre cada estrofe não houvessem pausas ou tempos de respiração. A Paul De Marinis, coube o difícil mas conseguido papel de musicar o poema através de sete combinações modulares de impulsos programados, executadas através de um sintetizador Moog. Demasiado confuso? Bem, o processo de composição é ainda explicado ao detalhe em parte das 110 páginas do livro que acompanha esta luxuosa edição. Mas o resultado ficou para a história, e é hoje, ouvido à luz da pós-modernidade uma obra imensa. Ou não fosse Robert Ashley um dos maiores e originais compositores da história da música contemporânea.
Robert Henke 1.
Layer 001
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Robert
Wyatt É sempre complicado comentar sobre os álbuns de Robert Wyatt, e
"Comicopera" não é excepção. Músico de grande fama, fundador dos Soft Machine,
com uma vastíssima carreira a solo, Wyatt é uma lenda viva do último quarto do
séc.XX. "Comicopera", uma tragicomédia dividida em três partes, é o seu novo
disco três anos após "Cuckooland", e é também uma obra sobre a sua vida,
pessoal, espiritual e política. Inclui as colaborações habituais (Brian Eno,
Phil Manzanera, Paul Weller, entre outros) e confirma mais uma vez a melodiosa e
intrigante voz de Wyatt a interpretar temas invulgares, sejam eles sobre a sua
guerra com o alcoolismo, sobre batalhas longínquas e próximas ou sobre a vida a
dois. Dedicando a terceira parte do álbum à língua de Cervantes, Wyatt fecha em
grande redescobrindo o tema "Hasta Siempre Comandante", um hino a Che Guevara,
mas também uma versão que fica gravada na nossa memória. Hasta Siempre... "The rest of us will simply be dying to hear what the great man does next, one gets the feeling that 'Comicopera' is just the beginning of a very rewarding relationship. Absolutely essential purchase - and without any question one of the year's very best albums. ESSENTIAL PURCHASE!" Boomkat 1.
Stay Tuned
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Robert
Wyatt & Friends Porque estamos em tempo
de fazer história, o “bootleg” do concerto que o ex-Soft Machine
deu um ano depois de ter caído da varanda de sua casa e de ter ficado
preso a uma cadeira de rodas vê finalmente a luz do dia numa edição
oficial, após ter sido remisturado e remasterizado. Estava-se a
8 de Setembro de 1974 e Robert Wyatt rodeou-se de amigos para interpretar
ao vivo o recentemente saído “Rock Bottom” e outros temas do seu
percurso pelos SM e pelo grupo que formou após a saída destes, Matching
Mole. Eram eles Nick Mason (Pink Floyd), Hugh Hopper (Soft Machine),
Fred Frith (Henry Cow), Dave Stewart (Egg, Hatfield, National Health),
Ivor Cutler, Mike Oldfield (sim, esse mesmo, o de “Tubular Bells”)
e alguns músicos ligados ao jazz e à improvisação, como o sul-africano
Mongezi Feza (Soul Notes, Brotherhood of Breath), Gary Windo e Julie
Tippets (Mujician), entre outros. A actuação no Theatre Royal Drury
Lane foi memorável, até porque entretanto o cantor e “songwriter”
que antes fora sobretudo um baterista tomou a opção de abandonar
os palcos, dado o desgaste físico a que estes o obrigavam. E quando
se está prestes a comemorar o primeiro aniversário da morte do célebre
radialista John Peel, ei-lo que o ouvimos aqui a apresentar o evento
com o seu proverbial humor. O curioso deste documento histórico
é verificar que, para quem se afastou dos SM devido ao rumo tomado
pelo projecto no sentido do jazz-rock, o qual lhe dava menos ou
nenhum espaço para a sua voz, as canções de Wyatt são tocadas num
estilo acentuadamente “jazzy” (atenção aos magníficos solos de Windo
e ao que Mason faz com as baquetas!). O som continua a não ser o
melhor, apesar das melhorias efectuadas, mas permite-nos ter um
pleno entendimento do quão especial foi esta apresentação pública.
As vibrações positivas que atravessam esta música confluem no final
“I’m a Believer”, tema com que esta estrela alternativa do rock
declara a sua confiança no futuro, não obstante a partida que o
destino lhe pregou. E que futuro tem sido! 1. Introduction
By John Peel
Robin
Guthrie & Harold Budd
«After The Night Falls»: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
«Before The Day Breaks»: Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Rodrigo Amado / Kent Kessler / Paal
Nilssen-Love Pode ser que o que aqui ouvimos pouco tenha mais
que ver com o conceito de “jazz de câmara” proposto pelo festival Spectrum,
realizado em 2004 no Porto (Teatro Nacional de S. João), do que o facto de ser
apresentado por um grupo acústico de pequenas dimensões, mas a temática é, sem
dúvida, teatral. A capa do disco é a reprodução de uma pintura do pai do
saxofonista, Manuel Amado, em que vemos um palco e uma plateia, e a dedicatória
vai para o seu avô, Fernando Amado, dramaturgo, director de grupos de teatro
amador e crítico. Mais uma vez, Rodrigo tem a melhor das companhias, no caso as
do contrabaixista americano Kent Kessler e do baterista norueguês Paal
Nilssen-Love, dois parceiros habituais desse grande nome do jazz de hoje que é
Ken Vandermark. Nessa mesma tarde, o trio gravou no próprio local do concerto o
que ouvimos neste disco, uma “fire music” que não seria possível nos aposentos
de um rei, mesmo quando a combustão é lenta. Ainda que sem público, esta é uma
música “de cena”, fortemente performativa e com uma especial tónica na expressão
/ comunicação. O músico português não é, de todo, o equivalente nacional de
Vandermark, até porque este raramente dispensa a ancoragem na composição, sua ou
alheia, e Rodrigo Amado tem-se notabilizado por nunca utilizar estruturas
previamente estabelecidas. Partilha, no entanto, com este um voraz interesse por
diversos géneros e estilos e a mesma vontade de fazer música de hoje com o
espólio do jazz, em particular as tradições do free e do hard bop. Nas revistas
especializadas internacionais começa-se a falar dele, e com toda a justiça,
considerados o bom som que possui, seja no tenor como no barítono (e no alto,
que não toca infelizmente nestas improvisações), a técnica que desenvolveu e a
intuitiva criatividade de que dá provas, com matriz na actual cena nova-iorquina
– coisa, aliás, não muito habitual num europeu. O mais importante, de qualquer
modo, é o facto de nos transmitir, na prática e no concreto, que a música é uma
“stage art” e o músico um actor-encenador, algo que demasiadas vezes se esquece.
Aprovadíssimo. 1. The Iconoclast
Roedelius Compilação de toda uma vida dedicada à
música, este “Works” tem o mérito de não ser o “best of” de Hans Joachim
Roedelius, mas um documentário sobre o que fez ao longo de quase quatro
décadas, incluindo registos dos tempos dos Kluster e dos Cluster, um dos
mais seminais grupos do chamado “krautrock”, que não é possível encontrar
noutras edições discográficas – caso, designadamente, de actuações ao vivo
no final da década de 1960 e ao longo dos anos 70. A mostra vai do
experimentalismo radical do colectivo que manteve com Dieter Moebius e
Conrad Plank até às suas mais recentes obras entre o “easy listening” e o
bizarro para piano, pelo meio deixando exemplos da sua electrónica de
acentuação rítmica ou carácter “espacial”. É a diversidade de Roedelius,
pois, que aqui está representada, podendo o “melhor” de um dos seus
investimentos ser menos valorizado por quem ouve do que outras das suas
realizações, dependendo do gosto e das predilecções de cada um. Ainda
assim, ele deu um rótulo a toda a sua produção musical: Roedeliusmuzik A
selecção, do próprio compositor e multi-instrumentista, é, pois, muito bem
pensada e dá-nos uma perspectiva bastante abrangente dos seus contributos
para o património cultural da humanidade – o que podemos dizer sem grande
exagero dado tratar-se de quem se trata. Encontram neste duplo álbum os
sincopados Harmonia (com Michael Rother, dos Neu!, a seu lado), exemplos
da colaboração que manteve com Brian Eno (lembram-se de “Before and After
Science”?), “freakouts” tendencialmente abstractos e simples, mas
eficazes, melodias em nome próprio, inspiradas em Bach e nas sonatas
clássicas. A música mais extrema que fez resultou de uma vida nada fácil:
passou em criança pelo terror nazi e pelo bombardeamento aliado, antes de
fazer 18 anos foi alistado compulsivamente pela volkspolizei da RDA (vivia
no lado Leste de Berlim), de que desertou fugindo para o parte ocidental
da cidade e, mais tarde, ao tentar visitar a família, foi preso pela
Stasi, a polícia política do regime comunista, sob a acusação de
espionagem. Daí a pouco formaria com Conrad Schnitzler um colectivo de
não-músicos, denominado Gerrausche (Barulhos), que colocou em prática uma
máxima de Joseph Beuys, o de que “qualquer um pode ser artista”, e o certo
é que se tornou definitivamente num, depois de ter sido massagista,
jardineiro e enfermeiro. Esse projecto equivalente aos Musica Elettronica
Viva e aos AMM só não consta da presente recolha porque, infelizmente,
nunca foi gravado. Já o seu duo de “art of noise” com o mesmo Schnitzler,
denominado Human Being, é lembrado nesta preciosidade lançada numa
magnífica, embora pouco prática, embalagem de cor prateada. Entretanto,
Roedelius já passou o marco dos 70 anos de idade e continua activo,
inventando novas estruturas no teclado do seu Bosendorfer. Disco 1:
Róisín Murphy Tudo na vida
funciona como uma fila de dominós a tombar, um após outro. Os Moloko,
grupo em que Róisín Murphy cantou, teve início quando esta tentou
engatar Mark Brydon num bar perguntando-lhe se ele gostava da sua
"sweater" justinha (sim, é mesmo por causa disso que o
primeiro álbum daquele projecto electro-pop se intitula "Do
You Like My Tight Sweater?" e o certo é que os dois acabaram
por casar, para mais tarde se separarem), e Matthew Herbert surge
neste "Ruby Blue", primeiro álbum a solo da dita, porque
este nome cimeiro da electrónica fez uns remixes da música dos Moloko.
E se a voz de Róisín surge sensual como sempre neste disco, a colaboração
com Herbert levou-a para territórios que nunca antes explorara,
ainda e sempre sob o signo da pop e da electrónica segundo o modelo
house, mas com uma encenação musical que lhe era totalmente inédita
e que por vezes parece até um jazz New Orleans digitalizado, com
um balanço swingante e situações composicionais pouco comuns, senão
mesmo bizarras. No início, estas canções não foram mais do que experiências
de sonorização dos mais diversos objectos - um simples bloco de
notas a bater num microfone, por exemplo, mas também despertadores,
capacetes, ventoinhas -, que o seu parceiro de ocasião (neste caso
no estúdio, que não na cama - pensamos nós, dado o seu casamento
feliz com a cantora Dani Siciliano) samplou de forma a obter aquilo
que ouvimos. Sem intencionalidade, antes aproveitando o acaso e
os acidentes, e sem grande trabalho de manipulação, convém que se
acrescente, tanto assim que muitas coisas foram mesmo gravadas ao
primeiro "take". Tematicamente, as letras celebram o verdadeiro
amor (ela ainda acredita em histórias de fadas) e lamentam o passado
de "one night stands" e perda de rumo. Esta reencontrada
candura de adolescente reflecte-se em "Night of the Dancing
Flame", que termina sob a forma de uma valsa. Não sem antes
ter passado pelo rugir de trompetes e a evocação de Josephine Baker
nos anos loucos de Paris... 1.
Leaving the City
RTX 1. Western Xterminator
Depois de um álbum
que em 2004 marcou a transição da fórmula Royal
Trux para os actuais RTX, "Transmaniacon", eis que nos
chega um EP de confirmação da nova fase do grupo de
Neil Haggerty e Jennifer Herrema, mais pop, decididamente, mas com
o "punch" do rock de guitarras (Jaimo Welch e Haggerty
brilham e resplandecem em pequenos solos que condensam as longas
exibições guitarrísticas do psicadelismo dos
anos 1960/70) a prescindir das electrónicas anteriormente
utilizadas. A confirmação feita pelo palco, pois esta
edição integra versões "live" de
temas daquele CD. Punk e metal somam-se nas barragens de distorção
que envolvem os gritos e lamentos de Herrema, uma vocalista da melhor
linha Courtney Love, por vezes parecendo mesmo um Ozzy Osborne feminino.
Aliás, estes RTX são bem a súmula da história
do rock: ouvimo-los e pressentimos os fantasmas dos New York Dolls,
de T. Rex, dos Motley Crue, dos Dinosaur Jr., até dos mais
recentes Queens of the Stone Age ou de certas coisas de P.J. Harvey.
Os RTX são como que o cavalo de Tróia dos Royal Trux
numa nova realidade do rock em que encontramos Yeah Yeah Yeahs,
The Strokes ou White Stripes, uma realidade definida pelo retorno
do género à sua matriz "garage". Digamos
mesmo que são o elo que permite ao "novo" fundir-se
com o "clássico", ressuscitando uma música
que alguns garantiam estar moribunda - the good old rock and roll.
Ryoji Ikeda 1. Data.index
Ryuichi Sakamoto Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Ryuichi Sakamoto 1.
War & Peace (AOKI Takamasa Remix)
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas
Saint
Etienne
The Salsoul Orchestra Um bocadinho
de revisionismo não faz mal a ninguém neste compasso de espera pela
"next big thing". Enquanto aguarda pelos novos movimentos
desse ser vivo chamado música, dê uma escutadela a esta compilação
da que foi, certamente, a mais importante orquestra do "disco
sound" de meados da década de 1970 até ao início da seguinte.
Dirigida pelo vibrafonista de jazz Vincent Montana Jr. nos primeiros
anos (o primeiro CD é-lhe dedicado), a Salsoul Orchestra era a "orquestra
da casa" da Salsoul Records, e à semelhança do catálogo desta
associava funk, soul à maneira de Philadelphia (até nos violinos,
nada menos que 18) e ritmos latino-cubanos, sempre com as pistas
de dança na ideia. A importância deste projecto ultrapassou o período
da sua existência, pois influenciou a house e a electro-pop dos
80*, bem como algum techno que se lhe seguiu, estando a ser relembrado
pelo revivalismo da "club music" a que agora vamos assistindo.
Com o "tamanho certo" ("You're Just the Right Size")
e a "malandragem" ("Nice n' Naasty") como temas,
entre outros que versam o amor e o sexo, são notáveis os solos de
saxofone devedores a Maceo Parker e até o sintetizador Moog tem
um papel decisivo nos arranjos com a marca Montana, depois continuada
e adaptada pelos produtores Tom Moulton, Bunny Sigler, Patrick Adams
e Stan Lucas, tudo tresandando à banda sonora da série de filmes
"Shaft" e mais tarde ao euro-disco, este com um cunho
mais electrónico. Cantoras de primeiro plano na altura como Jocelyn
Brown, Loleatta Halloway, Charo ou Cognac colaboraram com esta formação
que chegou a ter 50 instrumentistas (seis na secção percussiva,
com especial presença das congas) e como não podia deixar de ser
surgem nas faixas mais interessantes desta compilação que mistura
versões originais com remisturas. Algumas das primeiras são autênticas
raridades, difíceis de encontrar noutras reedições, como "Salsoul
Hustle", "Alpha Centauri", "It's a New Day",
"I'll Keep You Warm" ou "Resorts International".
Sam
Prekop Os colaboradores
dos Sea and Cake continuam a ser os "convidados especiais"
de Sam Prekop a solo: Rob Mazurek, Josh Abrams, Chad Taylor e John
McEntire, figuras de relevo na cena de Chicago, surgem de novo neste
"Who's Your New Professor", e mesmo Archer Prewitt, co-fundador
daquele grupo com Prekop, está presente neste registo que podia
passar muito bem por mais um tomo da sua discografia. Ou quase,
pois trata-se de um álbum de canções e os Sea and Cake não resistiam
a enveredar por temas instrumentais - e isso apesar de "Magic
Step" ter sido totalmente entregue a uma inesperada combinação
de sintetizadores e guitarras acústicas. Como consequência do investimento
no "song writing", a voz soul do guitarrista e vocalista
que aqui reencontramos está mais em evidência, e se se mantém a
mesma presença de um falso jazz/bossa nova, tudo é agora muito mais
"funky". Até o carácter de "mood music" está
aqui mais saliente, embora com a elaboração própria de músicos que
não são propriamente os mais ortodoxos e, apesar de desenvolverem
actividade nos domínios da música popular, estão bem informados
quanto aos conseguimentos a que se chegou na música "culta"
contemporânea e nos sectores mais vanguardistas, que eles, de resto,
frequentam. Aliás, está por apurar o quanto o experimentalismo tem
influído na busca da "pop perfeita". Uma coisa é certa:
este disco é um dos tantos que ilustram tal esforço. Uma pop, evidentemente,
que não precisa de corresponder aos estereótipos do género para
o ser a corpo inteiro. "Chicago People", a quinta canção
do CD, é um bom exemplo disso, consistindo numa suite em miniatura
que evita a estrutura verso-refrão. A mudança da produção (Jim O'Rourke
no anterior "Sam Prekop") para as mãos de John McEntire,
dos Tortoise (um trabalho apresentado eufemisticamente como de gravação
e mistura), se diferenças trouxe foi no sentido de uma maior leveza.
As traves mestras, essas, continuam as mesmas há cinco anos anunciadas. 1. Something
Sand Se o cyber-punk tivesse sido, na música, mais do
que uma passageira moda sustentada na tendência com o mesmo nome da literatura
de ficção científica, estes Sand figurariam, com certeza, na primeira linha
desse subgénero. Como assim não aconteceu, e como os grupos e músicos que
ficaram conotados com o movimento estão hoje irremediavelmente “out”, os Sand
não têm grande companhia na assunção de uma sensibilidade futurística e
metropolitana que tem ainda terreno para desbravar. Híbrido musical que vai
beber ao rock, ao jazz, ao funk, ao noise, ao dub e ao techno, e que poderia
muito bem ser a banda sonora de uma segunda versão de “Blade Runner” (os Sand
andaram lá perto muito recentemente, com a composição de uma “soundtrack”
alternativa para o filme “Stalker” de Tarkovsky), este “The Dalston Shroud” não
tem o impacto da surpresa do primeiro álbum da formação, “Beautiful People Are
Evil”, um excelente exemplo de como uma criação musical popular pode ser
“vanguardista” (o termo pode estar desgastado, mas ainda é útil para nos
fazermos entender), mas também é menos arrumado do que o anterior “Still Born
Alive”. Novos (des)equilíbrios são procurados pela formação, e para tal tanto
convidaram a vocalista experimental norueguesa Maja Ratkje, a única pessoa que
consegue urrar mais do que Keiji Haino e Yamatsuka Eye, como uma cantora de
cabaré, a austríaca Louie Austen. A sustentação rítmica é fixa, à maneira do
krautrock, o trombone de Hilary Jeffery está bem presente com as suas conotações
free jazz, a electrónica é suja e deliciosamente analógica, os ambientes
sugeridos são os das catacumbas da nossa civilização em ruínas. O mais próximo
disto que podem ter ouvido foi “Metal Box” dos PIL... 1.
Kendoki
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Sandy
Kilpatrick 1.
One Glorious Moment
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Scanner Robin Rimbaud, o “techno-data
agitator” por trás do nome Scanner (ele fica aborrecido
quando americanos e ingleses lhe chamam “Rambo”) é
um mestre do conceito. Um dos seus projectos mais recentes consistiu
na manipulação em tempo real dos sons captados por
microfones estrategicamente colocados num centro comercial holandês,
incluindo os espaços públicos de restauração
e os íntimos das cabinas de prova de uma loja de lingerie.
Esta modalidade de intervenção designou-a ele por
“shopping music for the masses”. A que antes dele Jon
Rose propôs só não era para as massas porque
isto do alcance da música tem a ver com vendas, e a verdade
é que o violinista anglo-australiano tem-nas mais modestas.
Outro projecto de Scanner é este que agora fica documentado
em disco: música matrimonial para a celebração
do casamento de dois amigos, também na Holanda. Curiosamente,
diz ele destas incursões pelo romantismo “ambient”
que são as ideais para as “sessões de Internet
à luz das velas”, como se os noivos não tivessem
nada de mais interessante para fazer à noite. A menos, é
claro, que o casal se dedique ao sexo virtual a três, quatro
ou mais, mas disso não reza a história, pois a utilização
da rede das redes cada um (ou cada dois) tem a sua e não
é para divulgar a ouvidos indiscretos. Mesmo assim, o homónimo
do poeta francês tornou-se conhecido pelo seu voyeurismo,
e designadamente pelo uso nas suas composições de
conversas telefónicas alheias não muito legalmente
apropriadas e que já lhe valeram o epíteto de “terrorista
do telefone”. O certo é que com “The Romance of
a Thousand Suns Burst Forth at Once” já há uma
alternativa à Marcha Nupcial de Mendelssohn. Num início
de século marcado pelas tecnologias, estranhava que a música
de casamento ainda seguisse o modelo sinfónico, mas não
se deixem enganar pela aparente suavidade das sínteses digitais
deste artista que tornou os ritmos de dança inteligentes:
os “mil sóis” de que fala no título desta
obra são os mesmos que referenciam as explosões nucleares,
pelo que alguma coisa ele sabe dos costumes sexuais dos nubentes.
E se não sabe, pôs-se a imaginar, o que, de resto,
é uma característica do seu trabalho. O que nos importa
mesmo é que Scanner conseguiu fazer com que o laptop parecesse
um instrumento sensual. Se era pornográfico nas mãos
do “rei do noise”, Merzbow, agora também temos
uma versão erótica “soft”, sob o signo da
mais importante instituição da família: o casamento
cristão. A estreia do que aqui se ouve foi feita, aliás,
numa igreja do séc. XV. Estariam ao rubro as orelhas do padre
que celebrou a união? 1. Walk Gently Through The World
Scorch Trio
Scott
Walker Em 2006 Scott Walker mostrou que ainda dava cartas com o excelente álbum "The Drift". Um ano depois regressa com uma obra ainda mais estranha denominada " And Who Shall Go To The Ball? And What Shall Go To The Ball?"Ao contrário de "The Drift", este trabalho é uma obra totalmente
instrumental em quatro movimentos, e que foi encomendada a Walker no final do
ano passado para uma peça de dança contemporâncea. "For its voicelessness alone (as well as its short 25-minute running time), And Who Shall… can't be classed as a Walker album proper. But it goes a long way toward revealing the strengths of an artist who has established himself as a serious composer as well as a monumental presence-- even when he's not there to be heard." Andy Battaglia in Pitchfork "No stranger to the emotive cues and triggers required
for movie soundtracks (in 1999 he provided the music to Leos Carax’ Pola X),
this score provides ample opportunity for dancers to make their mark. A master
of his entrances and exits, Walker gathers all the loose ends thrown up in to
the air during the previous 20 or so minutes, distilling them into a sustained D
chord, and thus providing the album with a powerful sense of mournful resolution."
Sid Smith in BBC.CO.UK 1.
And Who Shall Go To The Ball? (1st Movement)
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Scott
Walker 1.
Cossacks Are
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Scout Niblett Steve Albini, o rei dos produtores do rock “com atitude”, tem uma especialidade: fazer com que um grupo soe o melhor possível sem que as suas origens “garage” sejam alienadas. Nas suas mãos, até a rudeza pode atingir a perfeição, e rude é o rock de Scout, ou melhor, Emma Niblet, esganiçado na voz, mesmo nos momentos mais pausados, e com uma guitarra em permanente distorção e dissonância e uma bateria monomaníaca que chega a lembrar os “motorismos” do krautrock. Ouvem-se os primeiros minutos e não podemos deixar que um sorriso se nos estampe na cara: Niblet segue a linhagem que vai (voltando atrás no tempo) de PJ Harvey a Janis Joplin, passando por Patti Smith. E se quisermos compará-la com algo mais do novo rock será com Cat Power: tem uma semelhante propensão para não seguir pelos caminhos mais óbvios, mergulha nas raízes do rock and roll e dos blues para emergir com uma perspectiva inovadora dos mesmos e mesmo os guitarrismos ácidos de ambos se parecem. Com uma diferença, porém: Scout Niblet é mais essencialista e ascética, no sentido de que tudo o que aqui se toca tem o osso à mostra. Nas passagens sussurradas estas canções podiam até passar por folk, não fosse ela ter voz de “menina má” que vai para todo o lado menos para o céu, aquele tipo de voz que se cunhou como “rock” e que não condiz com os bucolismos campestres. Depressa, no entanto, a calmaria da ressaca dá lugar a novos assaltos “hardcore”, desconjuntados, é certo, mas com o poder do velhinho punk ou do mais rasteiro grundge de Seattle, apesar de este “Kidnapped by Neptuno” provir de Staffordshire, Grã-Bretanha, e não propriamente das entranhas dos States.(11-07-2005) 1. Hot to Death
Section 25 1.
Winterland I
Clique aqui para escutar excertos de todos os temas Também disponíveis:
Section 25 1. Up To You Também disponível:
Section 25
Sei Miguel O novo álbum de Sei Miguel reforça o enigma
que sempre envolveu a música deste trompetista reinvindicado como sendo de
jazz mas que a cena portuguesa do jazz nunca quis reconhecer e que parece
provir da nebulosa da livre-improvisação quando, na verdade, é composta e
sobretudo arranjada (Miguel já afirmou que o arranjo é mais importante do
que a composição) ao pormenor. Na linha de anteriores registos seus (“Ra Clock” e “Token”,
designadamente) e com um nível de qualidade – alto – que se lhes
assemelha, em “Tone Gardens” o “segredo mais bem guardado de Portugal”,
para citar o crítico e músico Dan Warburton, volta a ter Rafael Toral como
um decisivo colaborador, aqui centrado na manipulação de dispositivos
electrónicos, e acentua a importância que as respirações e os silêncios
sempre tiveram nos seus muito particulares conceitos. Daí, aliás, a
circunstância de os três “jardins tonais” reunidos neste álbum terem sido
editados por uma etiqueta especializada nesse tipo de abordagem – a
Creative Sources. Curioso, o jogo realizado entre os fraseados breves e
quebrados do trompete de bolso de Sei Miguel e do trombone alto de Fala
Mariam e os sustenidos dos “feedbacks” e das sinusoidais de Toral, com
César Burago a manter uma base pontilhística de percussão. Enigma,
dissemos, porque uma característica fundamental das criações de Sei Miguel
é o modo como lida com as formas e com os processos, umas não tendo que
ver necessariamente com os outros. 1. Garden 1
Señor
Coconut and His Orchestra 1. My Name Is Coco | |||||||
